98歲中國書畫界泰鬥陳佩秋今晨意外辭世

澎湃新聞獲悉，中國書畫界泰鬥陳佩秋先生於2020年6月26日凌晨三點仙逝，享年98歲。

陳佩秋

中年時期的陳佩秋

陳佩秋和謝稚柳

陳佩秋，女，1923年2月出生，河南南陽人，字健碧，室名秋蘭室、高華閣、截玉軒。陳佩秋為上海大學美術學院兼職教授、中國美術家協會會員、上海中國畫院藝術顧問、上海美術家協會藝術顧問、上海書法家協會藝術顧問、西泠印社理事，也是第六屆上海文學藝術獎的終身成就獎獲得者。

陳佩秋先生在花鳥、山水、工筆畫、書法等方面的成就都達到了相當的高度，被譽為臥枕宋元、融匯中西。她早年曾以山水為起點，上世紀50年代後專攻花鳥，畫風濃麗秀美，格調委婉含蓄。上世紀90年代，她探索細筆青綠山水，吸收西畫光、色的表現技巧，別開生面。她晚年的青綠山水大多用彩墨寫成，開創了彩墨結合的中國畫新風。她的藝術創作出入古今之間，做到了「筆墨當隨時代」，載入中國近代繪畫史冊，並將中國女性畫家的繪畫成就抬升到新的高度。

謝稚柳與陳佩秋之子謝定偉今天上午8點46分在朋友圈發布訃告。他悲痛地表示，上午8點他剛從醫院趕回家中，今天凌晨母親的意外辭世實屬突然。疫情以來，她閉門不出，也不接待任何賓客，近期身體狀況良好，也經常進行創作。

陳佩秋是聲聞全國的書畫大家，是海上畫壇的一面旗幟，更是當今國內文化藝術界的標緻性人物。她的畫作由宋元入手，更能吸取各家之長，融合中西，獨成一格。新中國成立以後，陳佩秋來到上海市文管會工作。在文管會，她有機會一睹歷代畫壇名家的大作，如魚得水。上個世紀五十年代，陳佩秋成為上海畫院最年輕的畫師。兩年後，她以一幅《天目山杜鵑》獲上海市青年美術作品展覽一等獎和全國美術作品展覽二等獎，確立了在畫壇的地位。

在中國改革開放後，陳佩秋對周遭的新事情有了新的觀察和感應。除了依舊堅持臨摹古畫，她開始關注西方的藝術。陳佩秋不斷地改變自己的風格，她欣賞馬奈、雷諾瓦及德加閃爍的顏色和精煉明確的筆觸，並參照了印象派的用色於中國傳統畫上。在陳佩秋成熟時期的作品中，西方藝術帶來的影響益發明顯見於山水畫和用色方面。

陳佩秋作品

徐邦達關門弟子徐涵明在前言中寫道：「1976年後，國門頓開，夫人興致漸移於匯通中西，變法求新。一時如法國印象派大師馬奈、雷若阿者，皆為夫人所賞。受此啟發，畫境又變，愈重寫生，設色豪放。嘗作山水如《松亭納涼圖》、花鳥如《碧澗幽棲圖》、《翠竹藍鵲圖》，下筆形真景實，凝鍊精凖;用色閃明鮮亮，飽滿清晰。畫作闊筆淋漓，筆墨華滋，略異正統，別有一功。」

陳佩秋認為藝術創造貴乎「新」和「難」。她本身的藝術根基立足於傳統，她對創新的觀念是相對而言的:沒有舊就沒有新。她細心鑽研國畫的繪畫元素，用精煉的線條和傳統的筆墨，配合啟發自西方繪畫的色彩運用去描繪景象的質感、體積和動感。她認為「新」是要經過知識和技巧的累積，而經驗的累積和駕馭技巧是費時費力的，這曲折艱難的過程就是「難」。

陳佩秋作品

從20多歲到90多歲，從學生到大家，陳佩秋始終堅持臨摹、寫生這藝術創作中不可缺少的最基礎的功課，從未懈怠。她曾在接受採訪時表示，「我的寫生稿不是成百上千張，而是幾十本上萬張，光是蘭花的寫生集子就有十幾本。直到現在，我有時還翻翻寫生稿，它會重新喚起記憶，對創作很有啟發。」

陳佩秋作品《松亭納涼》

陳佩秋作品，書王安石詩

陳佩秋寫生作品

2017年6月的一個夜晚，「澎湃新聞·藝術評論」（www.thepaper.cn）與上海美術學院「上美講堂」拜訪陳佩秋先生，先生精神奕奕地和我們講述了中國畫的發展、寫生的重要性和書畫鑑賞知識，說到興起陳佩秋先生或翻開速寫本講敦煌寫生的經歷，或轉身去書架尋找可以對照的畫冊……「澎湃新聞·藝術評論」整理陳佩秋先生提及的內容，以展示其對中國畫的看法。

2017年，陳佩秋在修改澎湃新聞的採訪稿件

陳佩秋

符合「六法」的作品才能被成為藝術品

長沙出土過3000多年前戰國時期的帛畫，一件是描繪女性的「人物龍鳳圖」一件是描繪一位男性的「御龍人物圖」；也有「文革」時期出土的西漢初期的馬王堆漢墓，墓中一具女屍生前是一位二十多歲的女性，吃東西時梗死了，出土時皮膚仍有彈性。馬王堆漢墓帛畫就比3000多年前戰國時期的繪畫更工整精細，人物塑造也更準確，比如棺材山蓋著一層絲織品，像一面旗子。這三件作品目前都在湖南長沙博物館，有文物價值和歷史價值。

陳佩秋作品

中國畫講求「六法」（氣韻生動、骨法用筆、應物象形、隨類賦彩、經營位置、傳移模寫），其中「氣韻生動」起到總結概括的作用，如果對於一幅畫作，其餘五條都做到了，就可以被稱為一件藝術品，既然被稱為一件藝術品，那麼也就必然「氣韻生動」了。現在國外有許多畫家認真研究中國畫，美國所有博物館或大學中的教授全是研究中國畫的，歐洲相比較而言偏落後了一些。畫是畫，藝術是藝術，畫到了藝術的時候它就是藝術品，但是不能說每張畫都是藝術品，因為藝術是有規範的，藝術規範就是「六法」，都做到了即為藝術品。

郭熙 《早春圖（局部）》

對於北宋時代的著名畫家，現在看得見的作品都是好的，花鳥如此，山水亦如此。但是「宋四家」之一的郭熙，我認為他的畫不是藝術品，這是我研究多年後才敢說的話，哪怕是最有名的他親自題款的存於臺北故宮的《早春圖》。

抗日戰爭結束後，南京博物院辦過一個畫展，那時我們（浙大和美術學院的學生）從杭州玩到上海，再到南京去看。裡面掛著郭熙的畫，其中還有一幅是假的（出自明代一個寫字的人）。

相比而言，範寬是代表畫家，但郭熙不是，郭熙出名早，當時太后的宮裡掛滿他的畫，後來宋徽宗當政後就把他所有的畫都扔了。大家都說郭熙好，但因為我看見過真的作品，而且我也有從臺灣買的一本臺北故宮博物院出的郭熙的畫集，所以很堅定自己的觀點，甚至覺得假畫都比原畫好。範寬的畫作從大到小無可挑剔，真的厲害，非常小的內容放大後看仍然很精細。

範寬 《溪山行旅圖（局部）》

文藝復興相當於明代，中國畫比西畫豐富得多

美國五大博物館很佩服中國的藝術，收藏了許多中國的古畫，是很早之前從國內流出去的。西方的文藝復興在16世紀，相當於中國的明代，達文西的《蒙娜麗莎》也在此時出現。我在巴黎住了三周，就為了去凡爾賽宮、羅浮宮等博物館看畫，看了《蒙娜麗莎》，也覺得印象派的色彩很好。16世紀可謂西方繪畫的頂峰時期。

西方繪畫是塊面造型的，中國繪畫是點、線條、塊面相結合的。我覺得中國畫的筆法比西方油畫多得多，因為我們的毛筆是錐形的，筆尖可以畫點與線，側鋒可以畫面，所以我們點線面都有，點的不斷延續就構成線條，不斷的線條在一起便會構成塊面，點線面都是根本；而西方的油畫刷則是用來做塊面造型的。除此之外，西方是焦點透視，即從一個點看出去，而中國畫則可以從山下一直畫到山的頂端。

中央美院相對偏重油畫，中國美院的第一任院長是林風眠先生，他後來拜了齊白石先生為師。齊白石的畫作和吳昌碩的相似，都是一個派別的，但是潘天壽先生並不主張一定要跟從他們這一派。其實吳昌碩師從上海浦東畫家蒲作英，吳昌碩紀念館中也掛了老師的繪畫，而且吳昌碩的畫作也與蒲作英相似。因此構成了三代上海海派畫家，第一代是任伯年，第二代是吳昌碩，第三代是吳湖帆。16世紀西方繪畫的鼎盛時期仍注重人物畫，而中國畫山水、人物、花鳥各種門類已經非常豐富，而且研究得非常細緻。

陳佩秋作品

繪畫是個苦差事，臨摹和寫生皆不可少

畫畫，一定要去寫生，還是要看真的東西。

臨摹的意思是：人家畫好了你去看著臨，並將它拷貝下來，他畫得是什麼樣子你也就畫成什麼樣子，其實就是拷貝。

比如畫「竹」，我看到一幅模仿我的假畫，我一看就說這個畫者根本沒有寫過生。

其實國畫應該從寫生開始練起，畫寫意畫的人也需要去寫生。一節一節的竹子中間是空心的，所以枝岔是交替生長的，因為如果只長在一邊，那麼這根竹子很快就會倒下；而且他畫的蝴蝶只有翅膀沒有肚子。這種畫一看，就能知道畫者有沒有生活。

陳佩秋寫生作品

繪畫是一個苦工作，不是畫者自己一廂情願地畫，之前必須有寫生的工作。我有兩個大抽屜，裡面大大小小的本子都是我用來寫生的，一開始用鉛筆或鋼筆，後來改用毛筆，因為毛筆可以畫點線面。

我去寫生的時候，就是帶著一個盒子，裡面裝著一支砍去後半截的筆頭、一罐水、一罐墨汁和兩個小碟子。年輕的時候我們畫院有一大片自己種的葡萄，我在裡面可以坐一天，從小的葡萄怎麼一串一串地結成，到各種各樣的葉子，每一幅寫生的構圖都是完整的。

中國畫制假古來有之，鑑定作品首先要會看

中國畫家很寬容，看見假畫一般不會打官司，但是國外畫家就會很認真，因此中國有很多《宋畫全集》裡的畫有一半以上是假的。但是這也不是現在才出現的問題，南宋高宗寫的《書史》在一開頭的時候寫到：王羲之說，我現在人活著，怎麼就已經有假的字了。其實像我過去做學生的時候，很多出名的大畫家就有假畫在市場上流傳。宋徽宗有一幅叫做《瑞鶴圖》的畫，現存於遼寧省博物館。畫中的汴梁宣德門左右有兩個高大的鴟尾，五代宋初時候的宮殿就是這樣畫的，鴟尾的造型來源於一種尾巴形狀很特別的水鳥。因為宮殿的屋梁是木製的，容易著火甚至燒毀，所以在兩邊建造鴟尾。但是到了元代，鴟尾就做不成了，因為北宋五代的宮殿特別規矩、特別準確，最出名的就是五代末期至宋代初期的著名畫家郭忠恕，他用尺丈量的宮殿就很準確。

宋徽宗寫過瘦金書，但是假的瘦金書非常多，有幾件贗品現在在美國，很多人都看不出來，只是覺得很像，因為他們自己並不會寫字。鑑定作品的真假首先要會看畫，我常常教別人如何去看，教會了別人，就可以大約辨別市面上繪畫的真假了。

我們可畫的內容很多，真真假假的也很多，但我們需要把它們理清楚，其實相差很大，真畫很生動、很準確。而且我們有印章，國外沒有，比如宋徽宗的皇帝印章，就只有幾方，不可能很多。鉛印官都打得非常準確，那些粗糙的全是假的。

陳佩秋作品

「六法」為中國畫標準，繪畫傳統有好有壞，於好的傳統而言，以下幾個方面需要達到：第一個是色彩，即「隨類賦彩」；第二個是寫生，即「應物象形」；第三個是構圖，即「經營位置」；第四個是「傳移模寫」，好的東西就去臨摹，比如在凡爾賽宮、羅浮宮，很多人在臨摹；第五個是「骨法用筆」，就用一支筆，點線面都可以做到。

我在美國看的堪薩斯州納爾遜藝術博物館中的董其昌畫展，館長是一個華人，也是個外國通，他對董其昌佩服得五體投地，董其昌進士出身，所以文章寫得好，後來還做過太子太傅，但這個人的品德較差。

那時候在堪薩斯州展覽，馬路上隔幾米就有一根掛著董其昌畫像的廣告旗電線桿。他們在樓下開會，我就跑到樓上去看董其昌和宋代的畫。南宋的時候有四個著名的畫家，合稱「劉李馬夏」，分別是：劉松年、李唐、馬遠、夏圭。其實李唐不應概括在其中，因為李唐當時已經80多歲了，他是北宋畫家，畫法和南宋畫家的風格不同，但比其他三個人好。

陳佩秋作品

美國大都會藝術博物館有他的《晉文公復國圖》，真得非常好，而且很全能，什麼都畫得好。他在北宋宋徽宗時期畫了一張《萬壑松風圖》。繪畫人的手上功夫就是按照「六法」去學，畫好了自然「氣韻生動」。筆墨好是指點、線、面都畫得好，比如畫山，有濃有淡，而且邊緣很準確，因為筆拿在手裡很挺括。學校裡用的本子大一些的印刷品可以看，好壞看得多了，線條的好壞自然就看出來了。很早以前並不畫塊面，都是線條，但夏圭的《西湖十二景》就是點線面都有。全部都是線條造型也不好看，仍然需要點子和塊面，因為畫一個事物需要很準確。

對於年輕的中國畫學習者而言，國畫「六法」應該做到，如果希望自己的畫成為藝術品，就應該跟從這樣的標準。除此之外，還應該多學學古畫，因為歷代都有好東西，了解之後，自己才可以拔高。