本文經在藝授權轉載，原標題《值得買丨千件藝術品挑花眼？精選「Hot100」給你Collect+藝術周最乾貨》，作者：保持理性觀看的在藝App，未經允許請勿轉載。
小編註：近日，在藝App發起並主辦「2020春季·Collect+藝術周」，攜手大中華區30家重要畫廊、25家美術館、23家拍賣行及60家媒體合作夥伴、品牌與機構，共同打造中國首個「雲端藝術周」。
作為藝術品交易的重要版塊，「線上藝博會」版塊呈現大中華區34家一線畫廊帶來的300多位藝術家、1000多件重要作品，千件藝術品怎麼挑？不知所云的當代藝術究竟表達了什麼？小小值這就為你來劃重點，值得買「Hot100」專題精選，我們先看看不說話~
01 Jutta Koether 新女性
Jutta Koether 尤塔·克特爾1958年出生於德國。作為在20世紀90年代嶄露頭角的藝術家，她既是音樂家，也是理論家、行為藝術家和作家。她提出「在一個『場域』裡呈現繪畫，以便將繪畫與其他學科可能的聯繫以視覺方式表現出來，同時打通那些看似不可能的聯繫。 她的個人經歷和藝術創作構建出一個兼收並蓄的藝術家譜系，探索從早期現代透視繪畫到象徵主義、後印象派和超現實主義的豐富模型。她以新穎的方式展示她的作品，在講座中、懸停在半空中、或舉在手中。柯特爾作品慣有的，緩慢而嚴謹的思考體現在裝置、雕塑、行為和寫作等各類形式中，但它們終歸是自繪畫出發而回歸繪畫。 厲為閣此次帶來的《新女性》(Neue Frau) 是豎構圖，表達出柯特爾對「新女性」的看法。《新女性》以曼哈頓下東區為背景，緞帶環圈覆蓋在高瞻遠矚的政治家亞歷山德裡亞·奧卡西奧·科爾特斯 (Alexandria Ocasio- Cortez) 的壁畫上。這可能是一種對基督和復興的暗示，就像作品中華酷似科特爾的女子面前從混凝土中長出來的、脆弱而強韌的植物。 作為一位國際知名的藝術家，她的作品具有國際畫廊推廣與美術館收藏的背景，多種視覺比喻和觀念策略並存的藝術家不可多得。
02 高偉剛 一萬年
高偉剛 1976年出生在中國黑龍江。1998年高偉剛於天津美術學院畢業。他通常在特定地點進行裝置藝術創作，模糊主觀和客觀的參與之間的界限。高偉剛的作品往往採用形上學的策略，給出一個讓觀者非常容易進入的形態，材料或是美學的感受，但是在作品的主題或是態度上卻往往給出一個衝突的角度，之間的反差讓人不禁思考。 高偉剛以日常「現成物」（ready-made）、打破主客二元論的風景與散布現場的裝置構建了某種碎片化的後現代敘事。 滬申畫廊帶來的高偉剛作品《一萬年》系列，向觀眾講述了一種關於客觀時間下的浪漫。藝術家本人說：「今日就是明日的廢墟」，就如巴爾納特·紐曼不能想到「現在的瞬間」，「這個瞬間試圖站在未來和過去之間，讓未來和過去把自己吃掉。」
藝術家在寧靜深沉的古典主義風景繪畫之上添加某種極簡主義的材料而形成新的問題與轉變，藉由設置的這些突兀，形成觀眾與畫面之間交流與認知上小小的障礙，從而在「繞行」中玩味其更深層的觀念與邏輯。 藝術家和作品都是又「偉」又「剛」，想來挑戰一下嗎？
03 名和晃平 Throne(p/g_boy)
日本藝術家名和晃平 Kohei NAWA 出生於70年代的日本，90年代開始學習雕塑，被譽為日本最受矚目的藝術家之一。 其作品關注自然、科技、材料，以跨學科的方式探索對於虛擬與實體空間的感知。藝術家表示，「我對於這個地球上的所有現象和物質的興趣要早於我的創作本身。有時候正是這些持續變化著的物質在引領著我去發現那些使人類的感知力可視化，或是將無形的「力」可視化的現象。」
自研習雕塑以來，藝術家一直致力於對形式和線條的廣泛探索，他對多元前沿媒材的大膽使用亦為其作品帶來了無限可能性,創建了諸多具有新型雕塑感的作品。 阿拉裡奧畫廊此次展出的「Throne」系列雕塑作品是藝術家將 3D建模技術與傳統日本漆藝和金箔技術結合使用的結果，在極具現代感與未來感的金屬色表面下傳遞著「寶座」所隱含的歷史含義。 作為日本最受矚目的藝術家之一，他的作品很搶手，無需多說。04 高源 我們要下車
高源1986年出生於雲南昆明。2009年，她從中國傳媒大學動畫藝術專業畢業，獲學士學位。動畫作品多次入選國內外電影節，包括「香港國際電影節」（2018 & 2017）、「溫哥華電影節」（2017）、「鹿特丹國際電影節」（2017）等。
藝術家擅長使用循環的敘事方式，將許多具有著豐富寓意的主題——這些主題既是視覺的、形狀的、圖像的，也是概念的，充滿隱晦的比喻性——間隔性地呈現於動畫中，為動畫組織起結構。 膠囊上海帶來的作品《我們要下車 We want to get of》並沒有作為場景在動畫《月晷》中出現，卻對高源有較特殊的意義。作品創作於2011年，期間高源獨自於北京望京居住，經常深夜在外取景，記錄了夜晚的北京街道。奔波於生活和周遭的不確定性被定格在畫面上。 她的作品被M+ 美術館、香港驕陽基金會以及摩根大通收藏。跟著它們做收藏，準沒錯！
05 廖斐 廣延珍珠-2
廖斐1981年出生於江西省景德鎮市，2006年畢業於上海師範大學，現工作生活於上海。
廖斐雖以概念論者的姿態自持，但其作品中日常小擺設的介入阻礙了他追求純粹理論的訴求。其策略上的目標是從根本上改寫發散性看待世界的方式。 Vanguard 畫廊參展的廖斐作品《廣延雕塑》系列，分別由扎帶纏繞的大理石、混凝土和木條製作而成。這些小件的作品企圖通過簡潔直觀的視覺講數學命題的證明形象化，然而它們最終失敗了，意想不到的複雜性使它們顯得雜亂無章且毫無結論性。它們猶如展覽中與之形態相似但體積更大的雕塑作品的練習版本，詳述並強調了同樣的難題。 他的思想和康德、笛卡爾、萊布尼茨曾有過交流，而呈現出來的作品或許是幫助你拔高認知的捷徑。
06 吳訓木 無聲野性
吳訓木 1947年出生於上海，他曾在大漠戈壁、天山腹地生活了17年，吆車人、牧羊人、築路工的生活是他創作的源泉，那裡廣闊的原野，靜逸的山嶺、遼遠的夜空，與自然相處的苦樂，都融入了他的靈魂。 吳訓木的畫，形式是抽象的，但內容卻存在著強烈的敘事性，是以形式書寫內容，表面看似抽象，其實抽象的背後承載著個人情感的流瀉。
奧賽畫廊展出的吳訓木作品《無聲野性》，畫家用重彩，以潑灑、皴擦、厚塗等方式堆砌了畫面的體積感，用敘事的手法來鋪陳畫面，線條的使用極其奔放、大膽，帶有墨韻的宣洩與流暢。 他的畫是對萬物生生不息的體悟，強烈的形式感、作品背後隱喻的哲理性是選擇購買其作品的關鍵。
07 Rebekka Steiger （高嫣）putting out fire with gasoline
Rebekka Steiger （高嫣）是1993出生的瑞士新銳藝術家，2018年在麥勒畫郎北京舉辦了首個個展「貓頭鷹－virages nocturnes」。藝術家將於2020年3月22日至5月24日於瑞士Kunsthaus Grenchen舉辦名為「Boxing The Compass」的個人展覽。
通過層層疊疊的色彩渲染，Rebekka Steiger將其對情感和氛圍的感知以微妙而有趣的方式轉化成具有濃厚神秘感的畫面，從而達到出其不意的效果。具象與抽象的衝突和博弈、鮮亮色彩的層疊渲染、毫無敘事邏輯可循的畫面，這一切不僅讓繪畫創作本身天馬行空，也讓觀者感覺妙趣橫生的同時又有所不安。 麥勒畫廊展出的Rebekka Steiger 作品《putting out fire with gasoline》是這位新銳藝術家在參加麥勒畫廊北京「藝術家駐地項目」期間創作的最新繪畫和紙上作品。藝術家延續了其一貫的創作風格，在異國他鄉的逗留也使其心理和創作狀態更為開放、自由。 以這位90後新銳藝術家現在的價格和市場來說，潛力非常之大，收藏她的作品有很大的增值可能。
08 翟倞 生活的表演
翟倞1983 年生於山西，2006 年畢業於四川美術學院油畫系，2009 年獲得中央美術學院油畫系碩士學位。現工作生活於北京。 翟倞在他龐雜的知識系統裡面，跳躍式的選擇主題，根據所畫出的作品，推衍出下一個作品該怎麼做，形成了一個視覺邏輯，所以，每個作品都很鮮活，反映了藝術家在處理新的作品時的笨拙和樸素。他常常向「前現代主義」的藝術家學習。勃魯蓋爾、馬奈那種簡潔與樸素，深深的影響了他。 空白空間展出的這件翟倞作品《生活的表演》畫面裡人物的形象和事件性的誇張描繪，仿佛真的看到了在生活中努力表演的人們。翟倞作品裡面的不同風格，肖像，抽象，文字……其實本質上都是一樣的，都是按照繪畫本身的邏輯運行著，都是關於一個問題 ——「我們如何虛構一個世界」。 這位藝術家的視覺邏輯，肯定會得到英國實證主義-分析哲學學派的青睞，收藏他的作品，把大英的哲學巨頭都搬回了家。
09 李姝睿 仿生櫻桃
李姝睿 1981 年生於重慶。2004 年畢業於四川美術學院，獲亞洲文化協會（ACC）2016 年紐約獎助金駐留項目。
研究光源和色彩的運動變化是李姝睿藝術實踐的核心。藝術家堅信在不同的文化和時代裡，「光」和「空間」的運用都能反映和塑造時代中個體的需求和精神狀態。近年來，藝術家發展出更綜合性的工作方法系統，並在設定色彩系統後進行樣本採集和羅列。 空白空間展出的這件李姝睿作品《仿生櫻桃》，藝術家從自身經驗出發，以多種實踐探討了繪畫邊界、形式感本身和其功能性的問題。
10 朱嵐 生系列
朱嵐 1962年 生於北京，1979-1983年解放軍藝術學院美術系國畫專業本科畢業，1988-1990年日本京都市立藝術大學義大利溼壁畫專業研究生畢業，職業畫家, 現生活在北京和加拿大。
朱嵐的作品以豐富而變化的線展現複雜中又隱含著混沌之上的清晰與自由，藝術家在20多年的水墨抽象創作與思考中形成了自己獨具一格的表達方式，如藝術家所言「抽象是用不具體的形象記錄那種清晰但不可言喻的具體感受。 東京畫廊+BTAP此次展出的朱嵐作品《生系列》，看似是一種無標準無定義的狀態，使得它根據所處的環境不同，感知力的不同，觀察的角度不同和此時此刻的狀態不同在層面上可淺可深，共鳴有輕有重。視野和胸襟雖然能對作品舉足輕重，但它並不是全部，只有當它與勞作、經驗默化融匯後才能彰顯其深度。」 她的抽象繪畫語言成熟、有藝術家獨特的思考方式，幾幅精品小作價格在萬元左右，輕鬆收藏。
11 趙趙 天空
趙趙 出生於1982年，中國新疆。2003年獲得新疆藝術學院美術系學士學位，其後前往北京電影學院進修。作為80後當代中國關鍵藝術家之一，熱衷於利用各種藝術媒介對現實及其意識形態傳統慣例提出挑戰，強調個體的自由意志，表達不守成規與無政府主義的態度。
趙趙具挑釁性及豐富的藝術實踐獲得國際間的關注及重視，在中國，北美和歐洲的展覽廣受好評，趙趙被視作國際新銳藝術家，2017年獲得了第十一屆「AAC 藝術中國年度青年藝術家提名獎」。 趙趙自始至終都持續著顛覆性的方式進行創作，他熱衷於利用各種藝術媒介對現實及其藝術形態傳統慣例提出挑戰，其各種領域的作品旨在探討個體自由意志的力量和權威控制的力度。他在創作中關注並且展現當代劇變中的中國，並且直面人類內心的苦痛和壓力。其作品中不時出現威脅與風險的概念，暗喻當今中國和全球背景下人們的生活境遇，以及在現代社會中的短暫與無常。同時，作品也反映了他對集體主義與個人理想相互並存的思考。 當代唐人藝術中心帶來《天空》這一作品，他所持續創作的系列繪畫作品《天空》，是他自己虛構出來的天空。他在繪畫中呈現出來的個人感知來自於對天空的記憶，並非真實所見。天空原本的藍色在他的作品中被提煉成為一個抽象的概念。 正如當代唐人藝術中心鄭林所說，趙趙的作品不買就真的買不到了，你不趕緊考慮一下？
12卜鏑 規範的林泉 17-34
卜鏑出生於1970年，自幼隨父親習畫，熱衷於中國傳統文化及藝術，特別是對佛教美術的學習、研究和收集。 卜鏑的繪畫不僅源於其個人經驗辯證的堆積，也始終棲於他對現代主義影響下的西方繪畫與東方古美術殊途同歸的平衡歸納。藉由山林與泉石的「式」與「勢」，卜鏑在山水景象的解構之中探索繪畫語言本身的運作機制及其生成時的內在動力。 蜂巢當代藝術中心展出的卜鏑作品《規範的林泉》當中包含了諸多主要是作品結構上的嘗試，這也是所謂「規範」的內在含義，作品當中山石以「水滴」的形態分布，仿佛是山腳中的一隅，畫面結構從一角開始生長，以一種假想中的目中所見層層嵌套、咬合。 卜鏑自己也是一位藏家，但他說他只是喜歡買東西，那就跟著他一起來買藝術的東西吧。
13 關根伸夫（1942～2019）「空相－皮膚 125」（水面之月）
關根伸夫 1942年出生於日本埼玉縣，1968年畢業於多摩美術大學油畫系。作為「物派」(Mono-ha)的代表性人物，活躍於國際間的藝術展覽。他的作品包括大地藝術、天然和工業材料的裝置、場域特地的人形立體雕塑、以及探索繪畫媒材的平面創作。
亞洲藝術中心所帶來關根伸夫的「空相-皮膚」系列作品由三個角度推展和實踐「物派」(Mono-ha)的理念與精神；首先可從作品皺褶所產生的物理性，明確地展現「物派」(Mono-ha)的「實體」與「非想像」；接著進一步的呈現（皺褶）受放均衡的物理法則 - 自然而平衡；最後他透過畫布上明顯與隱微的皺紋、摺痕、凹凸，展現拓撲空間薄膜浪潮，探究物理定律中的膨脹、收縮、平衡，若說未來宇宙無垠的空間有收縮的可能（儘管自宇宙大爆炸以來它正在迅速擴張），「空相 - 皮膚」畫布的可塑性記錄著藝術家創作時身體拉力與張力，如同宏大世界的縮影 - 每個皺紋與摺痕恰如宇宙中的一花一世界。
關根伸夫作為「物派」(Mono-ha)的創始人和領軍人物，收藏他的作品如同收藏這段重要的美術史，極具歷史及藝術價值。
14 徐毛毛 被壓制的紅色
徐毛毛 1979生於中國新疆，2002畢業於西安美術學院 現工作生活於北京。徐毛毛喜歡用平塗的純色,刷出一個平面的空間, 輕鬆明快的風格避免了會讓人發瘋的沉重。斑馬、觀音、草莓、圓點構成了徐毛毛式的獨特標籤,這些符號在她的作品中反覆出現。她的畫也在卡通外殼下包裹著淡淡的憂愁和感傷。 星空間展出徐毛毛作品《被壓制的紅色》，畫面構成元素簡單，色彩配置明亮，扭曲的物體形狀和色塊的擺放隨意又略有對稱。藝術家自敘：這樣的畫能表達內心想要的東西，它就在潛意識裡存在著，提筆就畫。她深受日本漫畫影響，至今仍在看。 徐毛毛的作品中觀者很容易就撲捉到敏感和細膩的精神氣質，是她對生活中一些過往的回憶，購買她的作品，一起「追憶似水年華」！
15 John McLean 深粉色
John McLean (1939-2019)，麥克林是20世紀美國藝術批評家格林伯格最為推崇的藝術家之一，80年代之前，受到西方世界的高度評價。 色彩是麥克林所有繪畫作品的根基，被西方藝術界稱之為「偉大的色彩藝術家」，也是繼塞尚、馬蒂斯之後，通過顏色的方式來構建繪畫與色彩的關係深度探討的藝術家。藝術作品中各種元素的相關聯性作為其繪畫主題，約翰·埃爾德菲爾德稱之為「一種簡單的真實性」。 七十年代末到八十年代，有著五顏六色的愉悅色彩、細緻精微的「筆觸畫作」這一表現方式的重要呈現。偏鋒畫廊這次帶來的John McLean八十年代作品《深粉色》中便可以清晰地捕捉到。 溫潤、謙和、撲面而來的都是愉悅的氣息，還有什麼理由拒絕這麼愉快的繪畫。
16 梁纓 鮮花盛開
梁纓 1961年出生於北京，曾先後畢業於廣州美術學院國畫系、德國漢堡美術學院藝術系、現工作生活於北京。 梁纓的自幼隨父學畫，後留學德國多年，兼擅油畫、版畫、水墨畫，畫風融會中西，她的作品構圖大膽、用色奇特，是對觀看者的視覺挑戰。 由藝凱旋畫廊帶來的參展作品梁纓《鮮花盛開》是極富梁纓個人創作風格的作品，從用筆、用墨到用色都盡享不羈與大膽的風格特點，舒朗大氣，一點不嬌作，展現出無羈、豁達的女性主義色彩。 憑藉這種富於女性主義視角和表現主義精神的獨特畫風，梁纓成為中國當代繪畫領域中的代表女性藝術家，她的作品收藏前景可期。
17 王天德 入夜聽雪明
自1996年創作《水墨餐單》——以著墨宣紙覆蓋桌椅餐具，將古體詩改造為菜單——之後，中國當代水墨的藝術家名單裡，從此就少不了王天德這個名字。而1960年出生於上海的王天德，1988年畢業於浙江美術學院（中國美術學院的前身）中國畫系，彼時正值中國新藝術浪潮發展的高峰期。經歷過85思潮、89新潮後的王天德，一直在中國傳統山水的線索脈絡裡，探討著媒介和水墨語言的更多可能性。 2002年開始，王天德開始探討「水墨」之外的媒介語言的可塑性——在傳統宣紙上，以水墨、拓印、灼燙（煙燙和香燙）等疊加的方式進行語言探索，其中尤以灼燙的技法最為著名。
此技法是藝術家在一幅水墨山水之上，附上另外一幅以香燙灼燒出細緻燒孔的山水，而後將兩張作品疊加進行裝裱，以此創作出一種新的空間關係和語言關係的當代藝術作品。這樣創作的作品，會給人以極其特殊的視覺體驗，遠觀整體是一幅中國山水無疑，但近觀細節之處，香燙與水墨疊加所產生的獨特效果卻又幾近陌生，甚至難以辨認。 這件墨齋帶來的作品《入夜聽雪圖》就是以這樣的語言方式完成的，是一件非常具有王天德風格與藝術面貌的精彩之作。從作品中，不僅暗示了傳統與當代中國文化之間不可逆轉的裂痕，同時也表達出毀滅性的當代力量也可能帶來創新性的改變。既傳統又當代，不破不立！
18 毛旭輝 星空
這個被《胡潤藝術榜》收錄的中國當代藝術啟蒙運動——85思潮的核心人物毛旭輝，對於80年代之後中國當代藝術界的影響，曾被譽為是：「絕無僅有」。 當代藝術史研究學者呂彭曾在其著作《中國現代藝術史》這樣肯定過毛旭輝的創作：「毛旭輝顯然代表了一批喪失『理想』，對存在表示極大懷疑並且對未來不抱任何希望的藝術家。這類藝術家之所以能夠保持畫畫的狀態，是因為他們具有一種力量，即生存意志的力量。」 毛旭輝一直非常重視用具象的形式（並非」現實主義「或者」寫實「）表達自己的思想，這使得很多藝評家將他歸納進表現主義繪畫的範疇，雖不能說是誤解，但至少是不夠確切的。就比如這件創作於2018年的《星空》，簡練流暢的線條，用筆醇熟而遊刃有餘；看似有幾分稚氣的畫面，其實老辣得極富張力。
然而最令人驚奇的是，這幅畫作與其以往為人熟知的作品氣氛大相逕庭，其中展露的情感，有著某種來自於生活體驗的升凝。毛旭輝自己也說，這是他非常喜歡 一件作品，有藝術升華的力量。
19 盧輝 瑞雪19-1
盧輝是「70後」，江蘇人，本科畢業於南京藝術藝術學院中國畫專業，後來又到北大進修研究生。他一直從事水墨創作，骨子裡有很傳統的水墨氣息。但是就是這樣一個人，他的畫作乍一看卻一點也不像水墨畫，反倒很像是攝影。 這是他作品中非常獨特的味道，既不像新水墨，也一點不傳統，而是用水墨罩染的方式，畫出來西方古典繪畫的厚重感。這其中最難的，就是對留白的處理。水墨畫的「白」是留出來的，他作品中這種層層疊疊的的細節，要做到留白，必須是對作品創作的每一步都考慮的非常清楚，胸有成竹才行。這仰賴於盧輝多年習畫下來，對於水墨這一媒材與技法的精準掌控。 而雖然盧輝對傳統媒材和中國傳統文化思維非常了解和熟悉，但是他卻並沒有被局限在一個中國的或者傳統文化的思維框架裡，更沒有被局限在一個媒介的固有思維裡，而是在思考和探索「水墨」這一具有中國傳統文化性格與特點的語言，應該怎麼樣去突破和革新。
前波畫廊帶來的這件《瑞雪19-1》就是他這一探索中非常具有代表性的作品。畫作中很多細緻而微店地方，處理得理精緻而有序，看著是一個細節，或者一個片段，但卻說明了很多問題。這是盧輝的畫作為什麼值得被收藏的原因：好看且耐看、掛起來直接就能觀賞，沒有過多的空間展示需求、具有成長性，創作的成長也意味著市場的成長。
20 王鑑為 我帶著時空而來
初看王鑑為的畫，以為是油畫，細看之後才發現，竟然是新水墨。但是誠如中央美術學院教授著名評論人趙力所說的：初看的時候，有一點摸不著頭腦的感覺，因為他的作品與我們舊有的知識和經驗毫不搭界，讓你只有種「噤若寒蟬」的感覺。
王鑑為，1998年至2000年就讀於中國書法學院，2001年至2002年就讀於中央美術學院，2004年至2005年就讀於中國國家畫院高研班。從學齡推斷，王鑑為應該是名「80後」，而且一直以來都在從事水墨探索。
從他可見的作品中看，似乎偏向於抽象，但是很令人意外的是，他的創作並不是抽象的結果，他作品中的很多事物，都有著明確的形狀和個性化的形式，以及確鑿相關的語境，甚至形成了符號，這與他此前一直以西方表現主義風格為創作語言有關，另一個層面，則是來自中國的傳統文化經驗和佛教思維。 艾米李畫廊帶來的《我帶著時空而來》就是這樣的一張作品，看似抽象又非抽象，雜糅了一絲西方繪畫的風格，很多圖像又帶有明顯的東方意味。作品中，藝術家的「方圓」，與西方思維的「平行時空和平行宇宙」交疊，最終的呈現，是具有普世主義的幾何形態和色彩，顯得純粹又簡單。
其實人生，活到最後或者都是一樣的，放得下的時候，一切可懂可得。