本公眾號將會定期開啟【從生活中學樂理】專題，從生活的角度引入各種各樣的樂理知識。告別枯燥的純音樂理論，結合到生活的樂理，不僅讓我們能學會樂理的技術，更能使我們的生活得更有品質哦。我們一起來探尋音樂之奧妙吧！
一、三和弦夠煩了，還整七和弦？
感謝大家勇敢地點開這節推送，相信上節的三和弦已經把大家搞暈了。點開這則推送，無疑是再暈一回。不過樂理就像坐車，或許暈多了車就不暈了。
學樂理的時候，我就有個劇烈的疑問：三和弦那個小妖孽還不夠虐嗎？作曲家們為什麼還要用發掘七和弦這種怪物？這種衝動讓我恨不得穿越到以前的歐洲，狠狠地質問他們一番。我穿越了三次：第一次穿越發現不知道怎麼從大清國出發歐洲，於是回來；第二次穿越我選擇了偷渡歐洲，忘了他們的名字以至於無法問路，於是回來；第三次穿越我記清了，也找到了他們家，但我才發現我不懂他們的語言，於是回來。穿越3次已用盡，罷了罷了。
腦洞大開，笑笑便好。
（搞怪的巴赫，圖片來源於網絡）
既然巴洛克時期之前的作曲家們認為三六度是不和諧的音程，為什麼它能夠成為「合法」的三和弦？為什麼作曲家都紛紛在作品裡面使用呢？為什麼又要用七和弦？
現代人喜歡讀小說或看電影，尤其是情節一波三折的作品最受歡迎，情節的矛盾總是能帶來刺激感，最終大團圓的結局也好，悲傷結局也罷，總能有個交代。當然，現代的導演也開始深挖其他形式的結局，諸如開放性結局，會使觀眾感覺到結局的不完滿。
自然，這些新的探索放在商業世界無疑是一場賭博。大多數觀眾未能買導演的帳。藝術相通，音樂同樣如此。現代新音樂有很多的嘗試，都仍舊無法捕獲廣大聽眾的心。正如對於當時，作曲家的「新音樂」也無法捕獲當時受眾的芳心。貝多芬當屬此例。
貝多芬（Beethoven）的鋼琴奏鳴曲《悲愴》（Piano Sonata Op.13 I）中使用了對於他的時代來說很新的和聲元素，雖然未必能夠為當時的大眾所接受，但是他用這些和弦構建了如同敲門一般的聲響。後來他開啟了浪漫主義的先河：（貝多芬善於密集多變的帶強烈節奏的和弦。樂譜來源於www.imlsp.org）
對於現代人，三六度很完滿。但對於古代作曲家，這是非常需要慎重使用的，稍有不慎三六度可能會破壞音樂的和諧。但問題都有另一個角度，三六度確實也為音樂帶來「衝突和釋放」的力量，音樂的矛盾最終解決到和諧平靜的四五度，最是滿足。
後來三和弦「合法化」，三六度音程「榮升」和諧之輩。作曲家追求也沒有停步，在創作的探索中，他們逐漸發現了二度和七度的魅力。二度和七度是不和諧音程，當代的音樂理論也是這麼認為的。但這種不和諧，在每一代作曲家眼中都那麼迷人。剛開始，他們慎重地嘗試著在作品中使用二七度音程，試圖讓音樂帶有一點衝突感。探索成功之後，後人逐漸大量使用。音樂更加波折了，聽覺體驗更為完滿了。
亨德爾（George Friedrich Handel 1685-1759）的歌劇作品《裡那爾多》（Rinaldo）詠嘆調《讓我痛哭吧》（Lascia ch'io pianga）使用了大量的三六度，少量有節制的二七度。音樂總體平穩，但二度的位置也略有波折，仿如淚下：（樂譜來源於《聲樂曲選集 外國作品 1》）
蕭邦（Chopin）的圓舞曲（Waltz No.1 Op.18）第1首中，就使用了大量的二七度音程，這些不和諧的音程構成的七和弦為音樂帶來了動力，讓翩翩起舞的音樂添加了猶如打擊樂一樣的節奏感：
（藍色標註為構成二七度音程的相關音符，樂譜來自於www.imlsp.org）
當二度和七度被探索到一定程度之後，作曲家們開始嘗試突破原有的大小調體系。他們從規範的轉調開始，在音樂內又添加大量的稱為離調的小型轉調。除此之外還添加很多變和弦，把原有的和弦音置換成別的音，或者進行升降處理，讓音樂產生很多的色彩變化。把音樂當成畫作一樣來創作的人非法國作曲家德彪西（Achille-Claude Debussy 1862-1918）莫屬，他的音樂已經開始有游離大小調體系之外的痕跡，大量變化和弦的音樂就像光影斑斕一般。
（藍色框住的是變化的和弦，這些變化和弦和調內和弦共同塑造出光影。樂譜來源於www.imlsp.org）
和德彪西一樣屬於「印象主義」（Impressionist music）的法國作曲家拉威爾（Maurice Ravel 1875-1937）寫作的《G大調鋼琴協奏曲》（Piano Concerto in G Major I）的第一樂章開頭，鋼琴便使用了模擬流水光影一樣的音樂。配合打擊樂器和長笛的奏響，猶如一波又一波的光柱在節慶日閃照（點開注意，頭一聲比較尖銳）：
（樂譜來源於www.imlsp.org）
二、和聲不及格的學子
德彪西在巴黎音樂學院就讀的時候，就已經表現出這種強烈的創新願望，因此也常常受到固守傳統教師們的批評。當時這些教師都是赫赫有名的音樂家，但也無法接受德彪西所創作演奏出來的高疊置和弦、變化和弦等。因此德彪西的和聲學課總是不及格的。
學校雖然能判定德彪西的和聲學不及格，可是也無法阻擋調性瓦解的趨勢。進入20世紀，音樂更加豐富多彩，探索的面向也越來越多。作曲家挖掘了越來越多的非傳統和弦，離開了大小調音樂體系，創造了新的音樂。甚至和弦也不再存在，採用自創的音階、音列，使用音組、音塊、音團來表現音樂。調性或被模糊，或變成多調性，或被瓦解。勳伯格（Arnold Schönberg 1874-1951）就是這樣的一位作曲家，他創造了十二音技法（Twelve-tone technique）來創作音樂，這是一種更依賴於數學的創作。
（來自百度百科：十二音創作技法的基本原理）
美籍奧地利作曲家勳伯格（Arnold Schöenberg 1874-1951）使用十二音技法寫作《一個華沙的倖存者》（A Survivor from Warsaw Op.46）表現了瘋狂的納粹德國，扭曲的戰爭時代（音量注意）：
（由於各種新的音樂嘗試，20世紀音樂的樂譜看上去也相對更為「凌亂」。樂譜來源於www.imlsp.org）
但是德彪西的音樂，20世紀以後的音樂並未能讓如今的多數人接受。對於大多數的大眾來說，這些音樂無疑是在「亂打亂彈」。要獲得對這些作品的審美，也許還需要大量的接觸、聯想和聆聽。試想一下我們看的電影，多數電影裡面都會使用這種音樂進行環境的烘託，比如恐懼的氣氛、打鬥的氣氛甚至是描寫迪士尼（Disney）動畫片那樣奇幻的色彩。
這種音樂我們以為自己無法欣賞，但確實也為他們買過帳。比如被電影的劇情吸引的時候，這類音樂就環繞在我們身邊。我們內在也愛這些音樂，不過是沒有察覺。
任天堂Switch遊戲《Pokemon Let's Go》（Gameboy版的口袋妖怪黃版復刻）中，有一個森林裡面布滿蟲精靈，而且有很多的NPC需要玩家去打。走入常青森林，音樂有些奇幻又有些陰森：
（樂譜來源於技安）
華納兄弟電影公司（Warner Bros. Entertainment, Inc.）根據英國小說家J.K.羅琳（J.K. Rowling）所寫的小說《哈利波特》（Harry Potter）改編的同名電影，主題曲也使用了現代的音樂元素。觀眾被離奇玄妙的電影畫面帶動，跟隨者主人翁進入霍格沃茨魔法學校的時候，這段音樂能夠非常好地渲染這種神秘：
（樂譜來源於《Harry Potter 1 and the Philosopher's Stone》）
我們可以試著用文學，幫助理解音樂審美的變化。
四五度：我去學校，然後回家；
三六度：我趕著下雨去學校，難過地回家了；
慎思的二七度：我趕著暴雨去學校，學校卻停了課，只能頂著風雨難過地跑回家。
多變的二七度：我趕著百年不遇的颱風雨回學校，學校窗被吹破，教室也水浸了。校長不得不宣布停課，於是我只能頂著猛烈的颱風飛奔回家。路上的樹被風吹得連根拔起，行人也被吹得站不穩步。我匍匐著，直到回家。
色彩和弦：我看到天空是藍色的，幾朵烏雲的飄入，大風吹得樹葉滿天都是點點碧綠。隨後耀眼的閃電出現，灰色籠罩了天空。夕陽西下，也只是到達黑夜，再沒有什麼色彩。
音團音塊：颱風就像惡魔的手，摧殘著每一個人的心。我的心裡充滿了對家園將要被破壞、被離散的恐懼，還有死亡的恐懼。這種恐懼甚至籠罩全城，所有的美好，所有的希望都在此刻全然破滅。我只想活著，也和他們一樣像是野獸，不擇手段去搶購物資，爭先恐後地逃離這個被大自然蹂躪的城市……
如果你是作家，你希望創作出以上哪個版本的故事？
用文學角度來看，四五度音樂是陳述；三六度音樂讓故事增添了情感色彩；慎思的二七度使音樂增加了波折；多變的二七度讓音樂充滿了矛盾戲劇性；色彩和弦的使用拋卻了故事，只講述天氣變化的光影畫面；音團音塊表現更豐富的複雜情緒，描述變形的世界。
（2018年「山竹」颱風侵襲珠三角，帶來巨大破壞。圖片來源於網絡。）
我們也逐漸明白，為什麼作曲家會希望不斷探索音樂的可能性了：探索是有趣的，也是有價值的。探索也終將永無止境。或許結果會走在時代的前頭，也或許終被時代拋棄。無論如何，探索都是珍貴的。
三、七和弦不是七個音？
從巴洛克時期開始，七和弦的歷史就一直貫穿到今日。隨著歷史發展，作曲家使用七和弦的頻次越來越高。二七度的出現，也帶來了新的和弦——七和弦。
顧名思義，三和弦有三個音，七和弦是不是應該有七個音？為什麼只有四個音？
這是翻譯的問題。
三和弦的英文是Triad，意為三個。三和弦的「三」指的是三個音；七和弦的英文是Seventh chord，意為帶有七度音的和弦。七和弦的「七」指的是七度音。因此這兩個數字其實體現的是兩個層面的含義，前者是數量，後者是度數。
日本樂理把三和弦稱為「3和音（わおん）」，七和弦稱為「4和音（わおん）」（四和弦）或「7の和音」（形成了七度音程的和弦）。日本樂理書上兩者都會使用。上個世紀翻譯成中文的樂理書，已經習慣稱之為「七和弦」，我們也跟著這麼稱呼就好了。
（日本和聲教材中的七和弦。圖片來源於《和聲の要點 1 》）
但一定要記得：七和弦，只有4個音！
我們一起來看看七和弦，我建立在Do上，構成Do-Mi-So-Ti來分析：
我們發現這個和弦其實是在三和弦Do-Mi-So的基礎上加上了Do的七度音Ti形成的。這個根音上方的七度音，我們稱之為七音（Seventh）。當然也可以理解為在五音So的基礎上再疊加了三度。以此類推，我們增加根音的九度音，十一度音，十三度音，就可以構成以下和弦：
九和弦、十一和弦、十三和弦稱為「高疊置和弦（Skyscraper chord）」。這些和弦我們也許不再像看到三和弦那樣，難聯想到魚蛋。而是會覺得他們是摩天高塔。在應用上這些和弦在現代的流行作品、電影配樂等音樂裡經常使用，但不會以高塔的形狀來使用。
（塔式建築：洛陽天堂。圖片來源於網絡）
高疊置和弦在使用的時候一般只使用最高度數的那個音，其他除了根音、三音以外的音會有不同的機率被省略。而且最高度數的高疊置音，不一定非要在最高聲部，還可以「潛藏」在內聲部中：
2019年技安為廣州繁聲合唱團改編的流行作品《萬水千山總是情》中，鋼琴聲部採用了一系列的高疊置和弦。而高疊置音潛藏在和弦的中音內，與其他和弦音產生碰撞。加上Bossa Nova風格的節奏型，營造海邊浪花拍打的畫面：
（紅色為和弦根音，藍色為高疊置音。樂譜來源於技安）
上海盲童學校校歌《愛是我的眼睛》開篇的前奏就使用了這樣一系列的高疊置和弦，高疊置和弦本身帶有一定的衝擊力，很適合表現現代人的生活。而分解形態的高疊置和弦，更像在煩擾都市的上空自由飛翔：
（樂譜來源於《永遠 春天少年合唱團合唱曲集》）
四、迷之變化
七和弦和三和弦一樣可以進行轉位（Inversion），但是因為有四個音，就可以轉三次啦。
第一轉位的低音Mi與上方三個音分別構成「三度」、「五度」、「六度」，因此稱為「三五六和弦」。經過歷史的演變，稱為「五六和弦」即可，數字低音從下到上標記「56」。五六和弦在創作中比較常見，音響效果較原位七和弦「軟」。
第二轉位的低音So與上方三個音分別構成「三度」、「四度」、「六度」，因此稱為「三四六和弦」。經過歷史的演變，稱為「三四和弦」即可，數字低音從下到上標記「34」。三四和弦相比五六和弦更「軟」，一般為「V34-V56或V7」或「V34-I」的進行。
第三轉位的低音Ti與上方的三個音分別形成「二度」、「四度」、「六度」，因此稱為「二四六和弦」。經過歷史的演變，稱為「二和弦」即可，數字低音只需標記「2」。二和弦是相對最「軟」的，在創作中也非常常用，主要是用於「V2-I6進行」，起過渡的作用。
因此七和弦，五六和弦，三四和弦，二和弦的音響緊張度和力度是依次減弱的。在音樂中通常他們會作為V級音的七和弦來使用，需要進行到I級主和弦。不同的原位或轉位形式的進行會產生不一樣的音樂效果。
法國作曲家瓦爾特菲爾（Emil Waldteufel 1837-1915）創作的《溜冰者圓舞曲》（The Skater's Waltz）使用了大量的屬七和弦及其轉位的交替，猶如柔軟舞動的身姿（大概在樂曲1分鐘開始後的位置）：
（樂譜中使用了大量的七和弦和它的轉位進行交替。樂譜來源於《約翰湯普森 鋼琴現代教程 3》John Thompson's Modern Course for the Piano Book 3）
七和弦也可以像三和弦那樣判斷性質，方法是先判斷下方三個音是什麼和弦，再判斷根音和七度音的音程。如果下方三個音構成大三和弦，根音和七度音形成小七度，那麼就是大小七和弦；如果下方三個音構成減三和弦，根音和七度音構成小七度，就是減小七和弦。
這方面的判斷原理很簡單，做起來相當複雜。可以找相關的題目來做，我特別支持！所以先贈你一套題，壯壯膽。
習題：根據數字低音，寫作完整和弦。
做完可以對答案啦！
三和弦有大三、小三、增三、減三這4種性質，而音程七度也分為大七、小七、增七、減七這4種形式。因此七和弦按照性質來劃分，至少能分為16種不同性質的七和弦：
（以上樂譜均來自技安）
最常用的是大小七和弦，V級音上所構成的和弦「So-Ti-Re-Fa」就是大小七和弦。從古至今都在音樂上大量使用這個和弦，音響效果緊張而趨於解決到主和弦（如剛才的《溜冰者圓舞曲》）；第二常用的是小小七和弦，常用II級上所構成的和弦「Re-Fa-La-Do」，音響效果較為柔和；
戈賽特（F.J.Gossec）的作品《加沃特舞曲》（Gavotte），音樂中使用大量的大小七和弦，和主和弦交替。這種做法讓音樂更為單純可愛：（藍色框框內的是大小七和弦。樂譜來源於www.imlsp.org）
德彪西創作的鋼琴曲《阿拉伯風格》（Deux Arabesques No.1）中段，使用了小小七和弦，加上節奏效果強烈。但由於小小七和弦本身柔和的屬性，音樂並沒有造成過分緊張的感覺，而只是像把飄帶甩向天空（小小七和弦的位置，在音樂的中部之後）：（這是音樂的中段。藍色框框內的是小小七和弦，樂譜來源於www.imlsp.org）
減小七和弦也很常用，會用於Vii級構成「Ti-Re-Fa-La」，往往還會在它下方加上V級音構成九和弦「So-Ti-Re-Fa-La」，這個和弦具有拉扯感；減減七和弦多用於古典音樂，無論什麼音級都可以構成這個和弦，多用於「離調」，音響效果格外緊張（如剛才貝多芬的《悲愴》）。
貝多芬的另一首被稱為「小悲愴」鋼琴奏鳴曲（Piano Sonata Op.10 No.1 I）使用了大量的減減七和弦，讓音樂充滿了尖銳的音響，如同緊握著的拳頭：
（藍色框住的均為減減七和弦。樂譜來源於www.imlsp.org）
大大七和弦在古典音樂時期不常用，但是在爵士樂和流行樂中非常常見。剛才我們所舉的《愛是我的眼睛》當屬此例。大大七和弦會造成一種都市感，像在高空中俯瞰城市一樣。
法國新古典主義（Neoclassicism）作曲家薩蒂（Erik Satie 1866-1925）寫作的《裸體歌舞》（Gymnopedie I），以大大七和弦為主體，刻畫音樂的朦朧色彩。正如冬日霧都的飄雪，靜靜地灑落在城市的每一個角落：（樂譜內的和弦均為大大七和弦。樂譜來源於www.imlsp.org）
彩蛋：什麼是數字低音？
我們上節在學習和弦的時候就接觸過各種各樣的數字低音，這些數字低音僅僅只是和聲的標記嗎？ABRSM的樂理考級也經常用它來考試，那麼究竟是什麼東西呢？
數字低音（Figured Bass）也叫做通奏低音（Basso Continuo），巴洛克時期的作曲家最常用。這可以理解為是一種「偷懶」的辦法：作曲家寫好高音旋律之後，低音的聲部先在五線譜上寫作一連串的低音，然後標上數字。我們上節做過這類練習，有了低音和數字，就能夠表示他要使用的是什麼和弦啦。
（樂譜來源於《數字低音解讀的規則與四聲部和聲寫作題庫》）
這時候樂譜就會交給鍵盤演奏家了，當時的鍵盤樂器主要是羽管鍵琴（Harpsichord）。鍵盤演奏家看著作曲家寫的低音和數字，就要馬上反應，在羽管鍵琴上彈奏出這些和弦。這些和弦和作曲家所寫的高音旋律配合在一起，高音旋律通常都會由小提琴（Violin）、長笛（Flute）之類的獨奏樂器擔任。低音線條也往往使用大提琴（Cello）演奏，偶爾會加入大管（Bassoon）一起演奏。
巴赫（Bach）的三重奏鳴曲作品（Trio Sonata BWV.1038 I）中，樂譜只有三個聲部：長笛，小提琴，通奏低音（低音樂器）。但我們明顯聽到音樂中有第四個聲部羽管鍵琴的聲音，而且在演奏不在譜面上的音高，那就是羽管鍵琴演奏者看著數字低音所即興出來的和弦：
（樂譜來源於www.imlsp.org）
羽管建琴演奏家看著數字低音的即興音樂，和獨奏樂器合作奏出優美的音樂。因此需要演奏家具有較高的反應能力，不僅需要對樂譜熟練，看著數字低音馬上反應出音高。而且也需要對鍵盤熟練，畢竟除了看，還要用手把這些音高馬上彈出來。演奏家在彈奏的時候可以在不同的音高，使用不同的織體呈現這些和弦。因此音樂也可以產生很多變化。
（三重奏鳴曲使用數字低音，一般由三到四種樂器演奏。圖片來源於網絡。）
但是這樣的音樂很機動，畢竟不同的演奏家演奏出來的音樂肯定不一樣。就算同一個演奏家演奏兩次同一首音樂，也必定是有所不同的。關鍵是，每個鍵盤演奏家的水平都參差不齊，反應比較慢的演奏家、粗心的演奏家，更可能毀掉作曲家的作品。所以到了1800年之後，作曲家普遍都不再偷懶了，他們決定認真地寫作每一個聲部。
這時，無論是什麼樂器都要求演奏家嚴格按譜演奏，不允許有任何即興。這種慣例延續至今，至今的大部分使用傳統作曲技法創作的作品，都是這樣要求演奏家的。比如我們常常接觸到的電影音樂、遊戲音樂等，作曲家都已經寫好了每一個樂器的樂譜。在錄音或者表演的時候，每一位樂手都應服從樂譜的指示，服從指揮的手勢。
因此另一方面來說，古典音樂演奏家能發揮的才能只能體現在他的演奏技術、情感處理上，這可能會給他們的職業生涯帶來一定的局限。
（古典鋼琴獨奏家。圖片來源於網絡）
但是在爵士樂和流行樂中，卻分為看中即興的技能。爵士樂和流行樂不像古典音樂那樣，所有曲目都有完整的樂譜，即使有樂譜，多是提示性的，可能只有一些和弦標記。沒有樂譜的作品居多。演奏家就需要根據自己的樂感把音樂即興出來，在不同的時刻他們的表達都完全不同，這就是即興的魅力。可以說，爵士樂的靈魂，就是在於即興。
除此之外，在音樂的教學中也非常需要即興的能力。因為老師經常需要在鋼琴上演奏旋律去伴隨孩子的歌聲或者琴聲，這些音樂往往都是沒有完整的樂譜的，需要老師去即興伴奏。即興能力比較高的老師，也能更好地把學生帶入音樂的世界；即興能力較差的老師，教學的效率可能會更低。
但是不可否認，即興的音樂雖然能夠更自由地表達演奏者的情感。但是對於音樂的豐富度來說，是不如嚴謹的記譜音樂的。記譜音樂裡面的每個音符，都經過作曲家長時間的推敲，音與音之間，和弦與和弦之間，句子與句子之間的聯繫都相當講究。這是沒有辦法馬上「即興」的，只能靠縝密的思考才能寫出。記譜音樂的嚴謹和探索，發展了多變的和聲、多樣的音樂風格，也促使世界在短短的幾百年內，推出很多新的音樂理論。
（爵士音樂家們的演奏）
著名的Bossa Nova音樂《The Girl From Ipanema》網絡上有多個版本，很難找到完整的樂譜。就算有完整樂譜，也只是一個參照。音樂家完全可以按照自己的想法「改造」這個樂譜，因此樂譜中的和弦標記就非常重要了，類似數字低音的作用。音樂家需要看著標記進行即興，這充滿崇尚自由，不愛拘束的審美喜好：
（樂譜來源於《Antonio Carlos Jobim》）
由於1800之後古典音樂作曲家都傾向於寫作完整的樂譜，數字低音這種帶有即興性的標記就逐漸衰落了，直到完全從歷史舞臺消失。如今只剩下理論家還在研究數字低音了，當然，還有我們。我們通過數字低音學會了三和弦和七和弦，也通過數字低音訓練了自己對和弦還有鍵盤的熟練度，我們都要好好感激數字低音。
而取而代之的和弦標記，目前最流行的當屬英文字母標記。正如上例的譜例中，我們看到有一連串的英文字母和數字標記在樂譜上方，那就是現在使用的和弦標記。
我們已經了解了三和弦和七和弦，這些和弦在音樂的運動中究竟是怎麼安排的？和弦的使用是完全無限制的嗎？這些和弦究竟是以什麼樣的方式運動，又是起到什麼樣的「化學作用」？下期將會為大家繼續講述樂理和生活的奧妙！
往期回顧：
從生活中學樂理系列
01.緒論——音樂無處不在，生活中也有樂理嗎？樂理在研究什麼？
02.速度與節拍——多樣的速度讓我們生活得更豐富，我們一生都離不開節拍。節拍是自古以來就存在的嗎？
03.節奏——生活中的各種節奏，自由地創作節奏！我的節奏感很差怎麼辦，我要怎麼訓練節奏？
04.音高——我們生活周圍的音高，鋼琴鍵盤要怎麼認？認識音階，自由地創作旋律！還可以用上五聲音階哦！
05.調式——音樂也有「原生家庭」？調式的起源呢？一起推算這些調式！
06.音程——人與人之間，音與音之間的距離，「度」是什麼？音程是什麼？變化的音程，不同的色彩！
07.三和弦——流傳在音樂學院的慘劇，五線譜出現魚蛋串？這三個音來之不易！誰是小三？一起來分析「毒株」吧！
隨手寫系列
作曲編配——你還在為作品的織體煩惱嗎？來看看建築尋找靈感吧！
合唱科普——為什麼合唱要有鋼琴伴奏譜？即興伴奏就不可以嗎？
合唱科普——我們的「隔空合唱」是怎麼做的？此文把步驟娓娓道來。
合唱科普——為什麼我想唱的流行歌合唱團不唱？唱K都不用排練，合唱就要排練？憑什麼！
合唱科普——為什麼我們的合唱音樂會鋼琴要放中間？
教學探討——為什麼我不支持鋼琴背譜？
教學探討——英皇八級樂理為什麼要這樣考？
教學探討——孩子學鋼琴，需要走「彎路」。
教學探討——學完和聲學，為什麼還是不會編配？
作曲編配——鋼琴伴奏居然和烹飪方式有關？