簡忠威水彩作品與陳述

【玻璃瓶中的玫瑰】-透明水彩、27*37公分、2011簡忠威老師課堂示範

這張是去年中算是完整度較高的示範習作。像這種白色瑣碎小面積位於焦點，為了背景順暢揮灑，正是使用留白膠的最佳時機，但是怕麻煩的簡老師，還是半哄半騙學員說??：不用留白膠比較由自由自在啦（不過後來發覺...大概只有我一個人自由自在無誤）。這片大面積的背景，因為要徒手留出白花（無法像預先蓋了留白膠可以大面積均勻塗刷），造成背景色塊乾濕不均，我就利用這點，趁底色快幹之前，，把光影氣勢潑上去（當然要還是要避開白花囉～），這乾濕不均的背景水痕，正好成了畫面中虛實交錯的光影形趣。

這張瓶花，如果少了這背景光影的水痕趣味，那就真的只是一張平淡無奇的學生習作了。

記得幾年前這幅作品在歷史博物館展出的時候，有位女士很激動的跟我說：『簡老師，我好喜歡你的作品喔！』，我笑著說：『喔，謝謝妳～』，接著她更激動的說：『因為你畫的好寫實喔！』

我很想跟她說：『其實我的畫一點也不寫實..‵︵′..』

??靜物畫，在我的繪畫創作生涯中，一直有著無可取代的重要地位。我想，可能是剛學畫的時候，都是從靜物開始進入正式學畫的階段吧（好像是剛睜開眼睛的小鴨，對於第一眼看到會動的動物就認定是媽媽...）

大學四年的水彩創作，除了畢業時展出的七張水彩肖像畫以外,全部都是靜物畫。現在回想起來，當時為何不喜歡畫風景？應該是我當時的素描實力，還是僅止於造型紮實、結構正確的『初階』實力，對於主次佈局、強弱虛實、形趣品味以及材料繪畫性特質等等...，一幅畫之所以成為一幅『畫』的素描高階表現還是一知半解。靜物題材，正好可以充分展現我當時的素描表現與理解。從此，靜物畫成了我的每個時期創作風格的印記。

從18歲大一開始的第一幅水彩靜物創作（兔寶寶與收音機），一直到三十幾歲的這張『葡萄』，大約創作了三十多件對開以上的水彩靜物畫，稍為觀察一下，會發現清一色都是水平桌面構圖，沒有一件例外。這種對水平、垂直的構圖迷戀，加上天生的視覺平衡感，以及從小就堅持摺紙一定要一張完整的正方形的紙來摺才叫摺紙，明顯透露出我的骨子裡果然流著鮮明的古典主義精神的血液。

雖然我當時的素描可以做到很『正確』，但對於百分百客觀要求的『寫實』，我似乎也不感興趣。換句話說，無論我追求多少質感表現，光影效果，精進多少描繪技巧，二、三十年來，從來沒有只是單純想求『寫實表現』。但我的確是透過『寫實』的題材，來啟發我對『古典結構』與『美』的本性

『每一筆都是有趣的，都是有味的，每一筆都是美的！』，這應該就是我苦苦追求的境界吧

『Still Life』....簡忠威 透明水彩 watercolor 51 * 36 cm 2000年

『STILLLIFE』，中文意思是『靜止的生命』，也是『靜物』的英文原名，呵呵～意思是說，這張畫就叫『靜物』，沒有生命如何靜止等多深奧的內涵啦！

在我三十歲左右的『古典主義』水彩畫創作時期，這張是目前留在我手上的唯一一幅『古典水彩靜物畫』，也是我的兩件『非賣品』之一。我研究所畢業後的一兩年時間，還是有陸續創作了幾幅靜物畫。有一次答應了高雄某畫廊的聯展，到了快送件的時候還是沒時間多畫幾張（一直都很忙，但不知在忙些什麼....），沒辦法，只好硬著頭皮把這幅早已完成的『靜止的生命』送去...。送件後的第二天早上，我就後悔了！這幅四開的水彩畫，保守估計至少花了我一百小時以上，我記得當年我定了五萬元的畫價（想說論資歷、輩份，還是不要太囂張的好...），如果有成交，到我手上只剩兩萬五千元....（臺灣畫廊抽50％的慣例）！我早上醒來，一直罵自己是豬頭，畫的那麼辛苦，就值那麼一點錢...（換算下來時薪二百五），更何況是自己也很喜歡的作品，想說這下子應該是回不來了...

沒想到，展期結束，這幅畫無人問津，原封不動送回來。不知該高興還是難過。

呵～都畫到這樣了，原來還不值這點錢啊....ToT....！

畫送回來的那天，我拆開紙箱，摸著這幅沒人要的畫，跟他說：『對不起，讓你受委屈了，從此以後我不會讓你離開我的身邊....』，嗯～跟當年那張有畫烏鴉的『古老的傳說』有著相似的命運，也是簡老師目前唯二堅定的二件『非賣品』。後來有位企業家的老闆娘一直嚷著要收藏這幅畫，幾乎要拿支票讓我填！ ！ ！ ....我只好跟她再講一遍我心中這個小故事。

其實這幅畫到底有沒有藝術價值，值不值得藏家收藏，都不是我關心的。情感上的想像力讓我對這幅畫有『虧欠』，或許，是自己在繪畫藝術創作上的自信與傲氣，留下這兩幅畫來提醒自己『繼續追求卓越』。

『華中橋的水彩印象』，跟之前貼的『威尼斯印象』是兩張同時畫的，除了上課示範以外，已經好久沒有正式創作透明水彩...（反省中...）。跟我十多年前的透明水彩作品相較，不再用精緻細膩的筆觸，也放棄任何特殊技巧。親切的題材、簡潔的構圖，試圖回到真正『樸素水彩』的原貌。沒想到二十年繞了一大圈，現在才要開始認識透明水彩....

雖然很久沒有創作透明水彩，可是由於這些年在畫室的透明水彩課程中經過無數次的示範，從名家名作導覽、名家臨摹練習一直到真實景物的構圖與概括取捨，也讓我在不知不覺中開啟了我對透明水彩的新思維。我一直認為畫好一張水彩畫的關鍵是『意念』，也就是『明確的企圖』。只要意念明確，技法自然水到渠成。偶而有學生拿未完成或已完成的『水彩創作』請我指導（通常是對開到全開作品要參加比賽），看著畫面中雜亂無章、不知所云的『寫實水彩創作』，想像這位同學不知花了幾天幾夜『刻』出來的心血成果，實在很難啟齒：『這畫完全不行...』。仔細想想，為何大多數的學生，連畫一??張透明水彩的基本功夫（光影空間、明暗布局、主次分配、水分控制...）都不清不楚，為何現在都流行起拿張照片用投影機跟著描所謂的『寫實水彩』，答案就是『拷貝照片不需動腦』，換句話說：這種只知被動刻畫照片的繪畫方式是最容易的本能，所以就算是描的很『真實』，也是沒有任何意義與價值。

這張『水彩威尼斯』看似很『寫實』，但其實只是在正確的大明暗組織中建立關鍵細節，在技法上並沒有多少難度：從大亮塊到小暗塊，各部的重疊層次最多不超過三、四層，最難的是一開始的畫面布局經營改造（就是我說的意念），其次是要求下筆時呈現自然抽象的形塊與筆觸。這兩大畫面趣味要素都不是一張照片或是現場寫生實景會跟你『講』的。是需要你多年不間斷的習作與吸收，獨立自主的意念才有可能產生。

『威尼斯船夫』 ----簡忠威老師示範，Watercolor，27*36公分，ARCHES300g/m2

我看過好多古今中外畫家筆下的威尼斯，好像沒畫過威尼斯，就不叫畫家...，尤其是『水彩畫家』。我一直深信，JMWTurner能創造出十九世紀最磅礴氣勢的風景油畫，他的一萬多張的水彩習作功不可沒。

人生，不知不覺的走上繪畫教學與創作這條路，很慶幸的，我沒有錯過水彩這個神奇的媒介。二十多年來，我對水彩畫的探索，一直有新的領悟，新的感動。每每認識『水彩畫』越多一些，對『技巧』的態度就越豁達開朗。可以將自己的想法，透過畫筆明確有力的形塑在一張水彩紙上，雖然不是一件容易的事，但卻是一個追求與體驗幸福的過程。

【 湖南張家界山腳下】 透明水彩watercolor，18*27CM，簡忠威2012

一張畫，油畫也好、水彩也罷；是鉛筆素描還是炭筆素描都一樣.，把握2+1氣勢就是一張好畫啦！：形的氣勢、媒材的氣勢、光影的氣勢。

『形』是美感品味、結構趣味，最難；『媒材』是材料特質趣味，技法是也；『光影』是空間再現幻術，是〝糖衣〞，雖不是好畫的必要條件，但卻是最容易吸引人。故稱之：2+1氣勢。

『生命之光』watercolor，18*27CM，簡忠威老師課堂示範

看就知道，這水彩小畫是用留白膠技法畫的....

喔，不對...。留白膠嚴格說來，根本不算技巧，它只算是『材料知識』。

只要你看到這道光，看到一個畫面，知道這景要變成一張水彩畫，用留白膠會容易許多...。那麼，每個人都可以畫出這樣的畫。

你缺的不是技法，而是看法、想法。

『華麗陽光義大利，就這樣~』watercolor，27*36CM，簡忠威老師課堂示範

看起來陽光好像很華麗，其實只是剛好看到大塊斜投影，就這樣~

看起來色彩好像很華麗，其實只不過把寒暖色交錯配置，就這樣~

看起來技巧好像很華麗，其實只是先縫大色塊，再疊小塊、拉小線。就這樣~

看起來畫面好像很華麗，其實只是想用最簡單的手法讓學生容易學習，就這樣~

『還是...威尼斯！』透明水彩　watercolor，18*27CM，簡忠威

威尼斯，真的隨便畫，隨便好看唷～ ^ ^

【小雪】 透明水彩　watercolor，18*27CM，簡忠威 

星期六下午的水彩課終於結束了！最後一堂課，還是選了雪景來畫。上課示範了1.5小時，下課又修飾了1.5小時。

總結的心得是：如果一張水彩畫的作畫時間是100％，畫面完成度是100％，可以歸納出分配比例如下：以強烈節奏韻律的快速大方落筆，用前30％時間完成70％的畫面完整度；再以冷靜、理性的全盤推敲琢磨，用後70％的時間修飾20％細節。

咦！那畫面完成度還剩下的10％呢....？ 

這10％用來提醒自己：『適可而止』，這是最重要的10％。也最難的10％。

『威尼斯之燈火夜景』----留白膠之第三發，透明水彩，18*27公分，185g/m2

周日青少年透明水彩課程，簡忠威老師示範 2012/10/28

這個月以來，周六下午的社會班和周日下午的青少年班，都在介紹『留白膠』的使用，畫到後來也逐漸熟悉這個恐怖的味道....。雖然它的氣味如此噁心，但是看到學生也成功的作出炫麗燦爛光線的畫面，心裡的感覺卻是無比的甜美！

『逆光』、『斜陽』與『夜景』，其實都是屬於『重口味』的題材。這種強烈光感，除了直接在畫面上提供強烈明暗對比的條件以外，在人的視覺心理上，這種濃鬱的光線感受更能喚醒大腦的現實空間記憶。人類對繪畫中的光感需求，似乎也存在著某種如昆蟲般的『趨光性』。我常跟學生說：『不知道要畫什麼題材時，就畫逆光、斜陽與夜景吧！』，因為這種『珍珠光』題材不難畫（搭配使用留白膠的話....），又容易吸引眾人目光。在繪畫媒介中，對於技巧最刁鑽困難的水彩畫來說，其資報酬率可說是很高、很高的啊～

『威尼斯廣場之燈火夜景』----簡忠威老師示範留白膠之第四發，透明水彩，八開27*36公分，300g/m2

上周六的大人班水彩課，最後沒畫完的部分，有答應同學找時間修飾完再PO上來，今天晚上利用上課前的半小時潤筆，其實跟上次下課時並沒有增加多少，還是一句老話：『關鍵細節必須建立在強大的畫面結構，才會發揮驚人的效果～』、『用最少的細節，達到最大的能量』。

『陽朔民居』

這是2010年秋天我跟楊恩生老師應邀到中國桂林參加創作營，行程很趕，只能拍照取景，沒有悠閒時間現場寫生。這張是我在往陽朔灕江的車上隨手拍的民居一景，回到飯店用完晚餐後，約2.5小時完成（對開）。對我來說，現場寫生跟使用影像資料作畫，對於畫面的經營、簡化、改造等手法與技巧，並沒有太大的不同。在畫室使用影像資料，可以深思熟慮吹冷氣；走出戶外寫生，雖然風吹日曬與淋，在所難免，但畫家敏感的視覺、聽覺、味覺、觸覺，感受著陽光、空氣、溼度、人情味....，確有著妙不可言的幸福經驗。使用照片可以鍛鍊理性的布局與表現技巧；戶外寫生可以觸動感性的、即興的、不可言喻的繪畫經驗，兩者相輔相成，實無互相排斥之理。

【雪地之橋】.. 半透明水彩　watercolor ，18*27CM，簡忠威

是水彩寫生也好、還是看照片畫水彩也好，要畫出一張水彩畫才是重點；

畫透明水彩也好、畫不透明水彩也好、是水墨或油畫也好，要畫出一張畫才是重點；

畫畫也好、寫字也好、彈琴唱歌跳舞也好，要享受藝術創作的樂趣才是重點；

從事藝術創作也好、從事各行各業也好，能自我要求誠懇學習才是重點；

功成名就也好、平淡度日也好.，

能活在當下，充實的過每一天，時常可以走出戶外，聽聽蟲鳴鳥叫，拿起畫筆寫生，不枉費大自然賦予你這一段精彩的生命才是重點。

【大雄，我們回家吧....】.. 透明水彩　watercolor，18*27CM，簡忠威

【路口的電線桿】.. 半透明水彩　watercolor ，18*27CM，簡忠威

【夏荷】.. 透明水彩　watercolor，18*27CM，簡忠威

這張看起來好像很難，事實正好相反，這只是畫家使用的魔術手法（或是障眼法）。要讓觀者看出你畫的是什麼？，其實並沒有你想像的需要畫麼多、那麼完整，才能表現的＂很寫實″。如何使用抽象的筆觸，來表現具象的自然，是有方法的。早在我的素描基礎課程我就說過：先看出造型特徵，用你手上的媒材點到為止，其他就全丟了吧....。

當現實造形不會被誤解的時候，就勇敢的往抽象形式美跨過去！

記得：越複雜的事物，越好畫！

【水色湘西】.. 透明水彩　watercolor，18*27CM，簡忠威

昨天晚上的水彩課，這張大概畫了60～70分鐘，可說是我這些年，畫的時間最短、完整度卻極高的一幅畫了。這張示範，我一反往常，特別要學生先不要跟著我畫，專心仔細看我『表演』，等我畫完第一階段的時候，再換他們自己開始著手畫。因為像這種具有高度寫意抽象美的形塊與筆觸趣味，必須要有具備某種『速度』才能展現，尤其是一開始的大局鋪陳階段，更是凸顯出速度的重要性。

同學們記住啊：『是為了＂自然的繪畫性趣味″而飆出速度，不是為了耍炫、耍酷，而誇張的手舞足蹈....』（嗯～雖然也有那麼一點點愛秀的味道啦！我承認....）。

我之前有說：只要你具備『發現美』與『創造美』這兩大能力，就可一窺藝術的堂奧，或許也可以這麼說：『只要你能敏感的＂發現形″、勇敢的＂創造形″，你這輩子將會永遠沈浸在豐富的藝術創造國度中，享受至高無上的幸福。』

啊～繪畫，你為什麼這麼有趣啊.!

【到合掌村吃一碗拉麵】.. 18*27CM，watercolor ，

簡忠威老師課堂示範

我對題材其實沒有什麼特別的偏好，除了純粹抽象畫與超現實的題材我沒什麼興趣以外，靜物、風景、人物...等，只要是大自然中現實的題材，都有機會成為我畫作的主題。當然，這題材，必須是『有趣味』的。這趣味往往不是來自題材本身，而是來自題材上光影明暗的對比、色彩寒暖的對比、大小聚散與高低參差的形狀。

當我看到了現實的題材散發出趣味盎然的『形』，我才會啟動我的創作欲望。

【只有透過正確的素描訓練後，才能更好的捕捉照片內的訊息】....簡忠威 文

常聽到有人說：『只有畫過寫生訓練後，才能更好的捕捉照片內的訊息』，..這點我是存疑的。

可能很多人無法置信，事實上我畫水彩二十多年，除了寫生比賽以外，真正走出戶外寫生的次數屈指可數。就我個人極少的的寫生經驗而言，真正在腦子裡下決定、下判斷的，並不是眼前的一草一木，而是節奏、變化、韻律、平衡、協調....等一幅畫之所以成為一幅畫的元素。

這些我所理解與運用自如的元素，以我個人目前的繪畫程度與能力而言，並非是由『寫生』這個訓練而得來。

但我非常鼓勵學生出門寫生，並不是因為大自然提供更3D的空間、更完整的細節、更正確的色彩，而是因為對學生而言，寫生的時限與環境限制，能夠讓學生更容易放開去簡化，更有可能往繪畫性邁進一步。相對於照片資料所提供給學生的安定感，卻反而讓學生迷失自我的繪畫造型主見，淪為一個照片奴才。

或許開頭這句話可以改成：『只有透過正確的素描訓練後，才能更好的捕捉照片內的訊息』。

我在這裡所指出的『正確的素描訓練』，是指化繁為簡、由簡入繁的科學程序；在變化中求和諧，在和諧中求變化的美學素養，而不僅僅只是明暗、光影、空間體積的訓練。我的想法是：對學生來說，如果能先有這『正確的素描訓練』，再放出野外去刺激繪畫性的語言，必可得事半功倍之效，而非迷信於只要堅持持續寫生就一定能修成正果。

等我明年三月畫室停休二個月，我會出門環島寫生去，不是因為簡老師棄邪歸正，而是因為我可以和曉惠老師邊畫邊玩，豈不快哉！

【暮色】.. 透明水彩　watercolor，18*27CM，

簡忠威 2013/3/7

不論是在家裡看照片素材創作，還是標榜出門寫生；是一個人靜靜的畫，還是畫給學生看；是現場畫給周遭的學生看，還是對著攝影機講解示範的創作....，如何將題材進行『藝術性』的概括、提煉，成為一幅言之有物、趣味盎然的畫作，畫家腦子裡的取捨與程序判斷，以我這二十多年的水彩畫創作與教學的經驗感受來說，其實並沒有多大的不同。電視上有位搞什麼easypainting的，教電視機前的觀眾畫油畫的那位大鬍子外國人，我是沒有看過他所謂的正式創作，但從他的教學示範影帶看來，我確信不管是他的個人創作還是示範習作，應該都沒有什麼藝術性吧！同樣的，我也不認為那些國外真正的名家高手如約塞夫、RichardSchmid...等，對著攝影機邊畫邊講解的創作（包括寫生或是看照片畫），其『藝術性』會嚴重貶值多少？

只有品味高下之分，並無技法高低之別。創作者的意念、品味與需求才是真正的關鍵。

『妻籠宿之觀光案內所』-簡忠威老師示範留白膠之第二發

留白膠真的很方便！連一向討厭留白膠的簡老師也開始認真思考，如何更有效的開發它的特質，如何保有留白膠的方便性，同時克服它留下來的呆板生硬的亮點造型。

基本上，留白膠最適合做二層次留白（三層有點多餘，也失去留白的意義），第一次點上最亮的留白膠之後，就可以大面塗刷『亮面』，乾後再留一層次亮的留白膠，就可以大面塗刷『暗面』。最後一次去掉留白膠，作最後小局部加工，就大功告成啦！

這張示範習作，看似寫實完整，其實並沒有多少複雜的東西要畫。真正要畫的，只有三階段：『畫大亮、畫大暗、局部細節加工』。對初學者而言，能夠對題材作簡化的的處理，對作畫過程設計簡化的程序，比起各種描繪的技巧，實在是重要的太多太多了！

懺悔文中寫的『畫一些破古董就自認為神秘、高貴、有靈性....』指的就是這件全開水彩『戊辰年秋』，東西都是我去光華商場買的便宜貨，當年我沒有相機、幻燈機，靠實景寫生，光是徒手打鉛筆稿就打了二周。事實上在寫這懺悔文大約半年後，我又寫了一封給自己的信，大意是：我真心知道我是天才，我要為我的繪畫奉獻我的一生（為了不再傷害大家第二次的眼睛，就不再PO啦...）。但我還是比較喜歡這一封懺悔文---它讓我這二十多些年來，不斷自問我的畫有價值嗎？有意義嗎？我誠實面對自己嗎？我對的起二十幾年前那個單純、幼稚、喜歡畫畫的簡忠威嗎？

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