在學習了一段時間攝影后，各位攝影愛好者們都會遇到或長或短的瓶頸期。在這段瓶頸期中，自己總會感覺不管是拍什麼題材，拍出來的東西總是千篇一律，缺少新意，就連構圖都只是那幾種重複的單調方法，拍的東西徹底淪為僅限於好看的「糖水片」。今天我們就來分享一篇來自於國外攝影師Alain Briot的教程，看看他提出的讓大家利用構圖擺脫糖水照的15個建議。
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風光攝影一直是門奇特的領域，它是最容易接觸的類別之一，總能快速地累積好評、攫取目光，卻也是糖水照的代名詞，缺少內涵、賺不了錢，只能是通俗的下裡巴人，難以成為曲高和寡的陽春白雪。這樣的矛盾在國內風光圈格外明顯，歸根結底問題出在構圖，構圖決定了藝術層次的差異，要成為在技術上追求完美的攝影匠？還是在觀點中嶄露風格的攝影師？以下就來聽聽攝影師Alain Briot怎麼說，嘗試從15項建議中找出擺脫糖水照的方法。
1. 構圖決定了觀看方式
對於構圖的想法決定了攝點的選擇，另外也牽動了曝光、後期如何搭配。
「構圖是最有力的觀察。」這句話是攝影大師Edward Weston的名言，反映出他的拍攝風格，從生活中觀察到細微的不同，平凡或不平凡，一切取決於構圖觀點。
2. 構圖不是塞滿取景框就好
按下快門前必須思考的事很多，畫面中框取哪些人、事、物只是其中一部份，另外色彩運用、光線對比以及後期製作的布局想像也都是構圖的學問。 簡單來說，構圖並非狹義地塞滿景框，而是從前期到後期的預視統籌概念。
3. 構圖的終極目標，在於傳達個人觀點和情緒
如果一張畫面追求的是藝術層次，那麼技術完善與否，是否忠於現實就不是你的強調重點。 相反，你應該關注的是作品有沒有傳達出個人觀點？詮釋手法是否和觀點相吻合？至於技術，那只是充分非必要條件。
4. 相機只能客觀紀錄，賦予想法是藝術家的任務
對藝術工作者來說，看到一幅場景不是拍下來就好，而是應該思考眼前的景致帶給我們什麼感覺。 運用光線、色彩作為構圖工具，表現出你的想法或情緒，如此一來風光作品才會具有感染力，不再只是繞著曝光、動態範圍等技術面打轉。
5. 光線是攝影的本質
光影永遠比拍攝主體更重要，沒有適合的光線條件，就沒辦法凸顯你想說的重點。
6. 替畫麵塑造層次
層次是風光攝影的關鍵，找一處能夠呼應主題的前景，利用對比、視線引導等方法營造畫面的立體感。
7. 利用對比元素
除了動靜、新舊、大小這些表象上的對比，通過對比元素還可以凸顯拍攝者的主觀思維，藉以傳達出批判、諷刺等意圖。
8. 拒絕跟風，不要拍跟別人一樣的東西
一窩蜂是風光攝影的常態，每隔一陣子就有所謂的爆紅景點，但作者認為追逐相同的場景、拍一樣的構圖不如去書店買明信片，畢竟思考與觀察是攝影師的核心價值，我們不應該浪費時間在複製、臨摹，而是應該投注心力在開創自己的影像風格上。
9. 受到啟發的創作和抄襲是兩回事
承接上述，創作是站在巨人的肩膀上，熱門景點不是不能拍，而是在熟悉的地方一樣可以拍出陌生，如何將前人的美感經驗內化，進一步塑造差異性才是重點。
10. 沒有靈感，技術只是空殼
匠氣和藝術是兩種層次，前者追求技術完美；後者在乎想法實踐，沒有靈感的創作終究淪為炫技。
11. 作品的好壞不在於器材，在自己
相機只是完成創作的工具之一，不要用器材決定你的拍攝題材，而是以想法為依據，試著用其他方法彌補手邊器材的不足。
12. 不要一味地追求「正確」
藝術的領域沒有標準答案，一幅好的作品不代表它有絕對正確的色階分布。
13. 放下直出迷思
如果各位有興趣可以觀察當代攝影的呈現方式，舉凡複合媒材、重曝疊加，現場的構圖、曝光只是藝術創作的一環，過度強調直出將抹殺了創意實踐的可能。
14. 風格必須建立在精準的色彩上
先求色彩的標準化，而後才有風格的差異化，精準的色彩掌握是藝術創作的根本。
15. 原創的畫面就是最好的構圖
偶爾縮小視野，會發現大景之外別有洞天。
再造同樣的構圖不難，創造出從沒看過的畫面卻很難，原因在於多數人嚮往知名的大山大水，卻很少有人願意在燈火闌珊處發掘值得記錄的影像。誠如風光攝影大師Eliot Porter所強調的，在混沌中提煉秩序、由生活中榨取美感，獨特的景象可能就在你我周遭，需要的是我們培養原創的精神，從觀察、體驗中薈萃現實與想像的交集，進而將熟悉的一草一木升華成為藝術。
來自 佳友在線