01攝影后期的現狀
什麼是後期？在影像信息如此發達的今天，後期究竟出於一個怎樣的地位？在攝影門檻越來越低的今天，後期又是怎樣的處境？
如今的後期被「摧殘」得太嚴重了。隨便搜一搜，便可以看到，很多人所認為的後期，都是照片結構的調整、色調的調整和藝術修飾，也就是合成。甚至有人認為照片拍得不好，通過後期照片就會變得優秀了。這怎麼可能呢？
02攝影后期的作用
後期是對前期進行一個輔助，它起到錦上添花的作用，前期才是核心。前期的拍攝質量不能太差，後期才有發揮的餘地。好多後期的教程和老師，都在打著「拯救廢片」的旗號，這個概念就已經有問題了。都拍廢了，還拯救什麼？他們所說的廢片大部分根本也不算是廢片。真的給你一張廢片，除了重拍還能怎樣？所謂的變廢為寶，三分鐘學會的後期秘訣，都僅僅是標題黨而已。所以我們一定要正確地認識一下後期。
為什麼有這麼多的攝影藝術家，而沒有所謂的後期大師、後期藝術家？因為他們的級別根本沒有辦法和前期的大師相提並論。這個過程有些像攝影剛剛誕生時與繪畫的對比，當時繪畫的看不起搞攝影的。隨著攝影的發展，地位的不斷提升，也沒有人會把後期推到臺前？一個優秀的作品，都是指攝影師拍到的東西，幕後的後期團隊和技術大能很少被提及。前期攝影到位了，後期就是概念上的一個潤色。
03什麼是攝影后期
後期的關鍵就是在於無中生有的「想像」。它不是憑空得來的，而是需要一套美學，哲學體系的正確支撐。
後期其實就是一種想像，和畫畫是一樣的。為什麼同樣的照片，同樣的軟體，做出的後期效果千差萬別呢？ 關鍵的問題是使用軟體的人對色彩、對畫面空間布局的概念理解不同。
這個無中生有就相當於在畫畫的時候，一張白紙，大家都去畫一個紅色瓶子，最後100個學生不可能都畫出相同的色相，總會有一些偏差的感覺。
一個的人生閱歷，接受過什麼樣的美學和哲學教育，就會說出什麼樣的話，做出什麼樣的作品。
想像並不是天馬行空的創意，也不是ps合成。而是在拍攝之前率先想好的主題，如何實施的過程，以及期望達到的效果。
攝影師創作時拍到一些東西，都有一些自己的先入為主的概念在裡面。繪畫也是這樣，所有人看到的，表現出來是完全不同的。
雷諾瓦和莫奈寫生的時候，兩個人在同樣的風景下，坐在同樣的位置，畫面效果是完全不一樣的。雷諾瓦鏡頭更近，筆觸更長，主體人物更居中，細節更加細緻；而莫奈對色彩的運用更加精緻、鮮豔，整體感覺更真實。通過這個事例我們會發現關注度不一樣，最後呈現出來的畫面完全不一樣。
拿到一張照片以後，後期工作者之前所受的美學和哲學教育思維，他的人生閱歷和三觀，就會對最後的修片造成很大的影響。尤其是攝影師和後期不是同一人的時候，必然會產生工作銜接上的不連貫。後期人員沒有攝影師拍攝時的創作激情和感受，對於他們而言，修片僅僅是工作而已，毫無情感可言。這樣的最後出來的作品就很難達到攝影師最初的預期了。
反倒是獨立攝影師，比較自由，在前期拍攝的時候，就已經想到自己後期要做什麼。無論是借鑑、模仿還是創作，甚至突發的靈感，會有自己的一套路子和風格。拍攝和後期一氣呵成。
04後期在做什麼
後期是廣義上的"素描關係"，也就是對比或者事物的對比關係。
有些人認為他就是調色和合成，其實不然。雖然很多人都是被調色與合成所吸引來學習後期，但調色與合成只是後期的一小部分。
很多人開始學後期的時候，感覺總是沒有別人的漂亮。常常感慨別人做的照片真牛啊，調色厲害，合成更厲害。當自己開始學習後發現，合成最後落地到照片完成時，創意也好，激情也好，都會被長年累月的重複操作給磨平。因為使用最高的頻率無非是換天、換地、換水，換飄紗。再也沒有其他的創意合成了。除非你進入了4A級廣告公司，可能會用到一些創意。
再說調色，它確實會產生很強的視覺衝擊力。在我沒有理解後期之前，好像所有的照片都應該是調色相來改變色彩。其實歸根結底還是加對比：增強和減少對比的時候，色彩的色相就已經會發生一些改變了。因此，後期最關鍵的問題還是廣義上理解的一個素描關係。就是我們經常強調的對比，或者事物的對比關係。
一幅畫面裡的對比不是一個，不同顏色的元素是對比，主體和背景又是一個對比等等。要把一個平面的照片延伸開，一層一層打開去看。就好像我們小時候的立體賀卡，你合起來是一個平面的2D，但是當你把這個賀卡展開之後，它會分出一層一層的。把一個照片想像成一個三維的空間，是因為前期它本身就是在一個三維的空間所拍攝到的畫面。在後期的時候，一定要把它想像成立體的，這時候素描關係就上升到了技術層面。
05影調和色調
影調大於色調，黑白灰大於顏色。沒有調不出的顏色，只有混亂不堪的調子。黑白灰拿不準，色彩必然是混亂的。
但凡接受過一些繪畫教育就有這個經驗：在畫畫之前，可能是被色彩吸引的。但上來就畫色彩是不允許的。先要過素描關，畫黑白灰，畫速寫，再畫素描。素描的基礎打紮實了，這個時候才能開始畫色彩。
所謂影調大於色調，說的就是黑白灰素描關係要大於任何的色彩關係。黑白灰要大於色彩，大於顏色。很多的後期就是一個對比的關係。有些照片看起來灰灰的，就是黑色階和陰影沒有沉下去。該有的暗部要沉下去，不僅僅是初學者，就算是一個有經驗的攝影師或者後期，很多時候也會犯這個錯誤。
我們日常生活看大千世界，尤其是黑夜，道路兩旁有路燈的照明，關注點也只是在能夠看到的路面，有誰去關注道路兩旁燈光找不到的黑暗地帶呢？人的眼睛不太會去關注這些非常暗的部分。也不會有人在看一張照片的時候，找到暗部目不轉睛的盯著看。因為在畫面裡它本身就不是很重要的。
儘管它們不那麼重要，但是這些暗部不沉下去，又不能和其他的亮部形成明暗對比，整個畫面的影調就要出問題。歸根結底，是這個關鍵的「對比」問題沒有搞清楚。再講清楚點，就是黑白灰拿不準，所有的色彩都是灰的、髒的、亂的。色彩無序，對比不到位，整個照片當然是灰灰的。但是暗部也要有層次，如果搞成黑死狀態，毫無細節，也是不可以的。
06後期是一種清理
正確的對待後期，不是合成，不是調色，而是一種「清理」。這裡說的清理不是使用汙點修復畫筆工具祛斑，也不是圖章工具修補，而是該壓暗則壓暗，該提亮就提亮，該去掉就去掉，該增加就增加。而這裡說的暗、亮、增、減，其實說的就是一種空間對比關係，也就是我們前面說的素描關係。
舉個例子來說。很多人會犯的一個錯誤，玩命的把亮部提亮，像這種受光，面部光源顯得亮的。其實你想讓片子顯得更亮的話，不是提高光，也不是白色色階，它們會過曝的。想讓他結構更明顯，一般是降高光，你會發現降高光之後它的結構關係比之前要明顯很多。高光降了之後，反而會把五官結構點上的高光點全都空出來了，之前高光泛出的感覺也都會往回收。
照片想要獲得光感，不是說一味地增強高光，也不是增強白色色階，而是適當的增強對比關係。當你把高光降下去之後，相應的配合黑色色階沉下去，提一下陰影，這個時候整個照片的對比和結構關係，比原片就大大加強了。同時適當的提升一些白色色階，或者整體曝光，這時候在整個五官上的結構，包括高光點的確認，以及暗部關係的確認，都會比之前好很多。
我們在進行修片和調色的時候，高光不是說越提越亮，相反的是要把周圍環境壓暗，來去凸顯映襯高光的亮。白天為什麼看不到星空，晚上的時候卻滿天繁星？白天這些星體也是真實存在的，為什麼就看不到？因為我們周圍的環境太亮了。萬物皆對比，只有當周圍環境暗下來的時候，才更容易獲得光感；相反越亮的時候，幾乎沒有什麼光感的。
我們拿到照片，看到亮調，第一反應不是讓他更亮，而是將周圍壓暗。包括做中性灰也是。做完中性灰觀察一下圖層，如果裡面的白色畫筆非常多的話，百分百是做錯的。當然黑色畫筆太多也是不對的。有些極端的例子是整個後期幾乎全都是黑色畫筆，嚴重到幾乎把高光都蓋過去了。
無論是白色或黑色畫筆過多，黑白灰的關係平衡都會被打破，都有問題的。正常情況下的比例黑色畫筆大概是60%這個樣子，也就是黑色為主。超過這個值，甚至達到80%以上，就有問題了。想像一下，太白，就是太亮，相當於前期的過曝，沒有任何層次對比關係，畫面平平；太暗，也是一樣的道理。
07後期的真諦
有序地將照片的物理結構，向視覺主體引導。我們要通過後期手段，把主次分開，遠近分開，把一張普通的片子變得有代入感，空間感和層次感，這才是後期該做的。
後期技法紛紛擾擾，什麼才是大能？什麼才是該學的？
人的精力有限，我們不可能掌握所有的知識。在有限的生命裡，走正確的路，吸收有用的營養，才能不斷進步。
謝謝您的觀看，請關注大民哥，每日分享實用攝影乾貨。