梵谷-「我的冒險，不是靠主動選擇，而是被命運推動。」
割掉耳朵後的自畫像 荷蘭 梵谷作品賞析 1888 布上油畫縱51×橫45釐米 私人藏
這幅作於1888 年2 月的《割掉耳朵後的自畫像》，是給後人留下的第一幅展現梵谷當時在阿爾勒的精神狀態的自畫像。畫家有一個高高的向上斜的前額、一個強有力的鷹勾鼻子、三角形不對稱的臉孔和那突出的顴骨、下陷的雙頰，他的形象給人以極其深刻印象。梵谷的自畫像，往往成為對畫家心理探索的佐證，是畫家性格特徵的一面鏡子。畫家在描繪自己時，敢於剖析，毫不掩飾地揭示出他性格中最令人感到意外，卻又是最為動人的一面。此幅肖像作於他的「割耳朵事件」發生一個多月之後。此刻，畫家已找到了他內心的自我平衡。
向日葵 荷蘭 梵谷 1888 布上油畫縱100×橫76釐米 東京安田·葛西藝術博物館藏
梵谷用簡練的筆法表現出植物形貌，充滿了律動感及生命力。整幅畫仍維持一貫的黃色調，只是較為輕亮。這幅畫被認為是梵谷在黃房子裡面的最後一幅大型《向日葵》。
在這幅作品中,再也看不到自畫像裡那種短促筆觸,在這裡,他的筆觸堅實有力,大膽恣肆,把向日葵絢麗的光澤、飽滿的輪廓描繪得淋漓盡致。他大膽地使用最強烈的色彩,因為他清楚地知道："歲月將使它們變得暗淡,甚至過於暗淡。"儘管採取了種種保護措施,這些色彩仍然消褪了原有的光澤。
《向日葵》打破陳規，強烈的對比顏色和厚重的色塊結合得天衣無縫，更創造出新的對比色系，對往後的藝術發展產生深遠的影響。
此畫以黃色和橙色為主調,用綠色和藍色的細膩筆觸勾勒出花瓣和花莖,籤名和一朵花的中心也使用了藍色。籽粒上的濃重色點具有醒目的效果,纖細的筆觸力圖表現花盤的飽滿和紋理的婀娜感覺。
"在黃色背景前面的一幅十五朵花,好像我以前所畫的一樣。不同之處是這幅畫更大一些,它有一種相當特殊的效果,我認為這一幅是以更加簡練的手法畫出來的。"
"在我的黃顏色房間裡——帶紫色圓環的向日葵突出在一片黃顏色的背景之前,花梗浸在一隻黃顏色的壺中,壺放在一張黃顏色的桌上。畫面的一角上,畫家的籤名：文森特。黃顏色的太陽透過我房間裡的黃顏色窗簾,一派生氣沐浴在一片金色之中。早晨,我在床上醒來,想像這一切必定是芳香撲鼻。" (高更)
夜晚露天咖啡座 荷蘭 1888 布上油畫縱81×橫65.5釐米 奧特洛克洛勒-穆爾博物館藏
梵谷經常在晚上光顧離他住所不遠的咖啡館。咖啡館的耀眼燈光和布滿天空的星辰，激發了他作畫的熱情。他在這幅畫上，用黃和藍來表現一種獨特感受。畫中被燈光照成黃色的咖啡座和藍色星空的對比，使整幅畫顯得很美，洋溢著一種平和的詩意。梵谷曾說：「對我來說，晚上看來比白天更有活力，更有豐富的色彩，晚上作畫，看天上有閃爍的星星，地面有燈光，是一幅很美的與安詳的作品。」
『梵谷自5月到9月18日借住的蘭卡散爾咖啡館，位於形式廣場(Place du Form)，由於通宵營業，因而被稱之為"夜間的咖啡館"。他曾用兩個通宵畫了一幅咖啡館室內的作品，《夜間的咖啡館》是同期的作品。他時常覺得夜間比白天更充滿了生氣蓬勃的色彩，所以幾度跑到戶外雲畫星星。畫中，在煤氣燈照耀下的橘黃色的天蓬，與深藍色的星空形成同形逆向的對比，好像在暗示著希望與悔恨、幻想與豪放的複雜心態。梵谷已慢慢地在畫面上顯露出他那種繁雜而不安、彷徨而緊張的精神狀況。』
"一家咖啡館的外景，有被藍色夜空中的一盞大煤氣照亮的一個陽臺，與一角閃耀著星星的藍天。我時常想，夜間要比白天更加有生氣，顏色更加豐富"
梵谷在阿爾勒時，著手在畫布上描繪燦爛的星夜。入夜後，他便支起畫架，把一圈小蠟燭固定在帽沿上，借著燭光描繪星空。他漫步在村中街巷，不時在路燈下停住腳步，捕捉夜空的景色，星空猶如閃光的藍色布幕，襯託著黑黝黝的屋頂和房舍。偶爾從敞開的門裡，瀉出一道黃色燈光。
夜間咖啡館 荷蘭 梵谷 油畫 荷蘭，克勒勒-米勒博物館藏 1888
《夜間室內咖啡座》是知名的荷蘭畫家梵谷的作品之一，他於1888年9月在法國普羅旺斯的阿爾勒所繪，目前收藏在荷蘭的克勒勒·米勒博物館內。
梵谷當年在阿爾勒描繪的這家咖啡館如今依然矗立在拉馬丁廣場。梵谷抵達阿爾勒後，一直住在這裡，後來懷著建造藝術家聚居地的希望，搬入黃房子，與高更共同生活了兩個月。
梵谷阿爾勒時期的作品，總令人充滿陽光的明亮的風景畫，其實他受夜景刺激而繪畫作亦為數不少。
這幅右下角有著梵谷籤名的畫作描繪的是室內的咖啡館的場景，處在畫面中間位置的門帘半開半掩著，據推測門後面有很多獨立的小房間。五位顧客沿著牆坐在左右兩側，服務員站在燈光下面面對著觀眾，在他一側房間中間部位一有張撞球桌。
畫面中的五位顧客被描述成喝醉酒在昏昏欲睡的流浪漢以及妓女和嫖客，有學者說咖啡館是窮困潦倒的人和妓女夜間出沒的場所，這在畫面遠處的角落裡得以體現。
綠色的天花板，紅色的上半部分牆壁泛著亮光，黃色的汽燈和地板，整個畫面有著強烈而生動的色彩對比。
這幅作品色彩耀眼，梵谷有意使用這種色調來表現令人忐忑不安的場景。為了強調房間的縱深感，他選擇了高視點，透視線非常精確。黃、綠色點染的暈圈渲染了煤氣燈放射的刺眼光線，其強度感到難受。
本幅畫採用高視點，並以撞球桌為中心展開放射狀的景物安排。畫中運用透視法的原則，黃紅綠三色互補，同時使整個畫面產生壓迫感。冷清的咖啡館中，人物散坐在屋內兩側，寥寥可數，越發呈現出咖啡館內空蕩蕩的氣氛。老闆站在偏離中央的地方，孑然一身，在這間大屋子裡，看上去格外渺小。這個不祥之地瀰漫著悽涼和孤寂的氣氛。
這幅作品採用強烈而刺激的顏色，是梵谷描繪室內的畫作中最具有力度的。嗜酒的梵谷對夜間各個角落十分熟悉，在寫給提奧的信中，他寫下了創作本畫的意圖:"這就是他們在這裡的所謂午夜咖啡館……夜遊者如果付不起住宿費，或爛醉如泥，到處被拒之門外，都可以在這裡落腳。我想在這幅畫中……表現咖啡館是一個使人墮落，喪失理智或犯罪的地方。因此，我選用淡紅、血紅、酒糟色，與路易十五綠、石青、橄欖綠以及刺眼的青綠形成強烈對比……造成一種氣氛，好似魔鬼的硫磺火爐，以表現下等酒店裡陰暗的力量。……這幅畫中的咖啡廳，是個可能令人身敗名裂、精神錯亂、甚至犯下罪行的場所，我努力想把這一切呈現出來。……人們沉淪在地獄漩渦般的氣氛中。"
星夜 荷蘭 梵谷 1890年6月 油畫 73.7釐米X92.1釐米 紐約現代藝術博物館
作為表現性的後印象主義畫家梵谷的作品，這幅畫有很強的筆觸。油畫中的主色調藍色代表不開心、陰沉的感覺。很粗的筆觸代表憂愁。畫中景象是一個望出窗外的景象。畫中的樹是柏樹，但畫得像黑色火舌一般，直上雲端，令人有不安之感。天空的紋理像渦狀星系，並伴隨眾多星點，而月亮則是以昏黃的月蝕形式出現。整幅畫中，底部的村落是以平直、粗短的線條繪畫，表現出一種寧靜；但與上部粗獷彎曲的線條卻產生強烈的對比，在這種高度誇張變形和強烈視覺對比中體現出了畫家躁動不安的情感和迷幻的意象世界。
這幅畫中呈現兩種線條風格，一是彎曲的長線，一是破碎的短線。二者交互運用，使畫面呈現出眩目的奇幻景象。這顯然已經脫離現實，純為梵谷自己的想像。在構圖上，騷動的天空與平靜的村落形成對比。柏樹則與橫向的山脈、天空達成視覺上的平衡。全畫的色調呈藍綠色，畫家用充滿運動感的、連續不斷的、波浪般急速流動的筆觸表現星雲和樹木;在他的筆下，星雲和樹木象一團正在熾熱燃燒的火球，正在奮發向上，具有極強的表現力，給人留下深刻的印象。
羅納河上的星夜（星空） 荷蘭 梵谷 油畫 奧塞美術館 1888
《星夜》是一幅既親近又茫遠的風景畫，這可以從十六世紀風景畫家老勃魯蓋爾的高視點風景手法上看出來，雖然梵谷更直接的源泉是某些印象主義者的風景畫。高大的白楊樹戰慄著悠然地浮現在我們面前；山谷裡的小村莊，在尖頂教堂的保護之下安然棲息；宇宙裡所有的恆星和行星在「最後的審判」中旋轉著、爆發著。這不是對人，而是對太陽系的最後審判。這件作品是在聖雷米療養院畫的，時間是1889年6月。他的神經第二次崩潰之後，就住進了這座療養院。在那兒，他的病情時好時壞，在神志清醒而充滿了情感的時候，他就不停地作畫。色彩主要是藍和紫羅蘭，同時有規律地跳動著星星發光的黃色。前景中深綠和棕色的白楊樹，意味著包圍了這個世界的茫茫之夜。梵谷繼承了肖像畫的偉大傳統，這在他那一代的藝術家裡鮮見的。他對人充滿了激情的愛，使他不可避免地要畫人像。他研究人就象研究自然一樣，從一開始的素描小品，一直到1890年他自殺前的幾個月裡所畫的最後自畫像都是如此。它如實地表現出瘋人凝視的可怕和緊張的眼神。一個瘋人，或者一個不能控制自己行為的人，無論如何也不能畫出這麼有分寸、技法嫻熟的畫來。記得一句關於梵谷的話：「燦爛到極致不是黯淡就是死亡，所以梵谷也只能，毀滅了自己。」
吃土豆的人 荷蘭 梵谷 油畫 科倫·米勒博物館藏 1885
《吃土豆的人》展現出貧苦的一家人勞作一天，晚餐桌上的主食卻只有土豆而已。畫中右手邊的老婦人，生活的重壓剝奪了她全部的生趣，她機械地倒著手中的咖啡，目光不與餐桌上的任何一個人交接；畫中左手的中年男子，他小心翼翼地注視著對面的母親，似乎為自己的胃口充滿了負罪感。昏黃的燈光下，圍坐在餐桌邊的一家人眼中卻仍然透露出饑渴的神情，此時無聲勝有聲，他們似乎在靜靜地訴說著他們的哀傷……
圍著餐桌而坐的五個農民，都曾作過個別習作。那詢問似的炯炯眼神，右端的農婦下垂的厚重眼瞼，布滿皺紋、凹凸不平的臉和手，充分地表現出大地上勤奮的勞動者的"力量"。他在信上表示，希望這幅畫能強調出"伸在碟子上的那隻手，曾挖掘過泥土。"同時窗外的景色，也令人深切地感受到煮土豆的香味。
在這幅畫上，樸實憨厚的農民一家人，圍坐在狹小的餐桌邊，桌上懸掛的一盞燈，成為畫面的焦點。昏黃的燈光灑在農民憔悴的面容上，使他們顯得突出。低矮的房頂，使屋內的空間更加顯得擁擠。灰暗的色調，給人以沉悶、壓抑的感覺。畫面構圖簡潔，形象純樸。畫家以粗拙、遒勁的筆觸，刻畫人物布滿皺紋的面孔和瘦骨嶙峋的軀體。背景設色稀薄淺淡，襯託出前景的人物形象。梵谷自己稱這幅畫是"表現主義的誕生"。他說:"我不想使畫中的人物真實。真正的畫家畫物體，不是根據物體的實況，……而是根據自己的感受來畫的。我崇拜米開朗基羅的人物形象，儘管它們的腿太長，臀部太大"。有人指責他這幅畫中的形象不準確，而他的回答是:"如果我的人物是準確的，我將感到絕望，……我就是要製造這些不準確、這些偏差，重新塑造和改變現實，是的，他們能不真實，你可以這樣說--但是比實實在在的真實更真實。"
這幅《吃土豆的人》是梵谷接觸印象派之前的最重要作品。與前面以織布工為題材的作品相比，這幅畫的明顯不同在於人物成了主角。雖然因為離模特太近，導致透視比例產生了偏差，但是，梵谷在這幅畫中加入了自己的主觀情感，而不再拘泥於寫實主義的「冷靜旁觀」。一家人身處如此悲慘境遇，卻是那樣的安詳和平靜，令觀者對人生、對命運產生無限的感慨。梵谷說：「我要努力學會的，不是畫一個比例正確的頭像，而是畫出生動的表情。簡單地說，不是描摹沒有生命的東西，而是畫鮮活的生活。」
鳶尾花 荷蘭 梵谷 油畫 美國，加州，保羅蓋茲美術館內藏 1889
《鳶尾花》（Irises）是知名的荷蘭畫家梵谷的作品之一，在他去世的前一年1889年5月，他進入位於法國聖·雷米的一間精神病院，後所畫的，目前收藏在美國加州保羅蓋茲美術館內。
畫面被一片藍色佔去了大半，淺如海藍，深似墨團——難以揣度的愁楚與痛苦的凝結。連花葉也綠中偏藍，緣情隨性的。那憂鬱的藍色屬於他，伴著生命而來。構圖上，鳶尾花的整體造型 「內傾」，與左上角的一簇野菊呼應。野菊的赭紅，與土壤色系相諧。赭紅與藍——一種躁動的情緒總在對話憂鬱的述說。二者相接處，有一白色的鳶尾花，朵大，莖長，花蕊正對前方，成為畫面的亮點。只是在一片一簇中顯得突兀——特立獨行孤傲的身影，彷徨於躁動和憂鬱而前方沒有路。這便是1889年5月間的梵.高，他將心魂留在了畫上。
有婦女在洗衣服的阿爾勒吊橋 荷蘭 梵谷 油畫 荷蘭，克勒勒-米勒博物館藏 1888
《阿爾勒吊橋》是梵谷在晚年的時候(相對於他只有三十幾歲的壽命而言)住在阿爾勒這個小鎮上，畫了這個吊橋來表達他對家鄉的熱愛。春天的一個傍晚，幾個洗衣婦在河邊洗衣服，身旁是綠色的，黃色的小草，鏡子般的水被洗衣婦攪起一道道波紋，阿爾勒的吊橋在洗衣婦的旁邊，在橋的磚上有不下三種色彩，橋是由鐵索吊起來的，馬車正從橋上走過，馬的前蹄還在動，這就是「阿爾勒吊橋」的景色。
1888年2月21日，梵谷到達法國南部的阿爾勒，住在卡列爾飯店。這一張是他到達後的3月間所畫。 信中寫著:"今天的工作是畫一張15號的畫——那是在藍色天空下，一輛小馬車正通過的一座吊橋，和天空同色的河水、綠草，橘色的河堤，還有一群穿著各色衣服的浣衣婦女。"這一張畫的色彩清澄而果斷，有如金屬管樂器奏出的嘹亮聲響。天空是一片藍，水波蕩漾的深邃運河，均遠離巴黎的喧囂，漫遊在郊外的梵谷，彷彿可以聽到他自己快活的聲息。 這座吊橋在第二次世界大戰時被破壞，現在已另外在別處建築新橋。
在聖馬迪拉莫海邊的漁船 荷蘭 梵谷 油畫 梵谷博物館藏 1888
1888年6月，梵谷來到離阿爾50公裡的聖瑪利，這是地中海邊的漁村，他在此完成了幾幅以漁船為畫題的作品。他在499信中告訴提奧，地中海的色彩千變萬化，有如鯨魯一般，不知道什麼時候會變成綠色、變成紫色，或變成青色……。然而，變化萬千的海面雖然美麗而奇幻，卻不如形狀變化多端、紅綠色對比強烈的漁船更能深深打動他的心。他把眼睛所捕獲的色彩鮮麗的漁船，清晰地畫在前景，省略其他部分來暗示遠方，讓人感到這是採用了日本版畫中擴大空間的手法。在細部的省略與誇張的變形中，則突出了空間上的深度。
梵谷在這幅畫中，用輕亮的色彩，明快的筆觸，表現自然界的景象；用濃重的色彩，細緻的筆法，描繪人造的船隻。
"這幅畫畫的是海灘上的漁船，偌大的船身躺在灼熱的沙灘上，大海遠遠地消失在藍色的朦朧中，這是一個晴朗的日子，但是太陽已經下山，人們只能憑藉一些投影與沙灘上方熱空氣的顫動，而感到天氣的晴朗。"
有絲柏的道路 荷蘭 梵谷 油畫 荷蘭，奧杜羅庫拉穆勒美術館藏 1890
梵谷自創的短碎筆法在這幅畫中展露無遺。梵谷在阿爾勒時期的色塊運用，在此全轉成了線條。中置的柏樹主控整個畫面，道路、稻田、野草相互輝映。馬車和人物的位置則有平衡畫面的效果。
「這是一次最新的嘗試。一顆星星發出了被誇張的光，在群青色的天空中，呈現出玫瑰色與綠色的柔和的光輝，一些雲朵匆匆掠過天際，天空下面有一條邊上插著一些黃色長棍的道路，黃棍子後面是畫面上顯得較低的阿爾卑斯山；一家古老的客棧，它的窗戶透出黃光；一株很高的、筆直的黑色絲柏；路上有一輛由一頭帶著挽具的白馬拉著的黃色二輪馬車和兩個走夜路的人。如果你願意，你可以說這是非常浪漫的，但是我認為，普羅旺斯本來就是很浪漫的。」
曳起橋與打傘女士 荷蘭 梵谷 油畫 德國，華拉夫理查茲博物館藏 1888
1888年，梵谷生活在法國南部阿爾勒。阿爾勒的朗格盧瓦橋，即曳起橋與打傘女士，梵谷以它為主題畫了四幅油畫，另外還有一幅水彩畫，這一時期梵谷將了常規繪畫技法和創造性進行了融合。充分利用的鏡框透視，用他在海牙時創建的精確線條和角度，以表現事物的獨特視角。
此幅畫畫面呈現一片寧靜，寬闊的天空和水面上幾個稀疏的物體，在他的安排下成為色彩的實驗；畫上的主題只是讓顏色得以伸展的景物罷了，顏色彷彿是這些物體的第二層表皮。從堤防上遠眺，天空向四周延展，水的面積相對的渺小，曳起橋在正午的陽光下左右相對，橋上的人成了幾個影子，以及用白色調表現的日光等，都是印象派畫家的畫風的痕跡，梵谷在這地方顯然深受影響。
午睡 荷蘭 梵谷 油畫 奧塞美術館藏 1890
米勒是法國最偉大的田園畫家，一位現實主義大師。梵谷一向對米勒推崇備至，他對米勒的敬仰終生未改。梵谷像米勒一樣關注世人疾苦，內心蘊藏著深厚的愛，並藉助作品來傳達愛。梵谷對米勒畫作的臨摹和再創作，人們能夠體會到二者對同一主題的不同理解和不同表現手法，也能看出兩種繪畫風格的鮮明對照。從兩兩對應的作品中，既可以領略梵谷是如何將米勒的簡練、樸素、凝重演繹成梵谷的色彩鮮明、生氣勃勃、狂野奔放。
在阿爾勒，梵谷畫了一系列收穫景象。並且他一個星期就畫了10件！毋庸置疑，如果不是因為6月20日的那一毀了一年收成的大暴雨，他會畫出更多的收穫景象。
在畫了一系列的收穫景象後，梵谷寫信給他的弟弟提奧：「收穫時節的景象相比它在春天的時候，變得非常不同；不過，我不喜歡自然風景太少，到處都變乾枯了。現在的一切，有金色，青銅，甚至是銅，泛著藍綠色的天空瀰漫著奇妙的芳香，特別和諧，就像德拉克洛瓦作品中的斷音一樣......」
"我正在描繪一個新題材——極目遠望，到處是黃綠相間的田野。我已畫了兩稿，現在開始畫油畫。它簡直像柯寧克的作品，你知道，就是那個描繪廣闊田野的倫勃朗的學生。" 梵谷如此向提奧描繪他筆下的風景畫。 一望無邊的遼闊景色令梵谷心馳神往。面對原野，他不僅想起故鄉荷蘭，而且往昔流連於畫廊，飽覽風景大師傑作的日子，重又浮現在眼前。
梵谷以精確的用色和幾何圖形似的構圖，賦予畫面以令人難以置信的縱深感，把我們的視線從前景一步步引遙遠的天際。
這幅作品再次顯示了色彩的和諧——前景呈赭石和橘黃色，中景穿插著幾簇綠色矮樹叢和一片金黃色的田野，遠處露出青山藍天。黃色田野中，藍色的手推車和紅色的鏵犁格外醍目。
梵谷為創作這幅油畫，共畫了四張習作，它們的構圖大致相似，手推車始終位於畫面中央。
為了使作品產生縱深感，給人以從高視點遠望景色的印象，梵谷讓天空只佔畫幅的六分之一。藍色手推車構成畫面的焦點，位於畫面正中央。
麥田群鴉 荷蘭 梵谷 油畫 梵谷博物館藏 1890
《麥田群鴉》是梵谷臨死前的幾幅作品之一，描繪的是法國瓦茲河上奧維爾鎮周圍鄉下麥田的情景。在這幅畫上仍然有著人們熟悉的他那特有的金黃色，但它卻充滿不安和陰鬱感，烏雲密布的沉沉藍天，死死壓住金黃色的麥田，沉重得叫人透不過氣來，空氣似乎也凝固了，一群凌亂低飛的烏鴉、波動起伏的地平線和狂暴跳動的激蕩筆觸更增加了壓迫感、反抗感和不安感。畫面極度騷動，綠色的小路在黃色麥田中深入遠方，這更增添了不安和激奮情緒。也許這幅畫是作者在極力表達內心的孤獨與壓抑，就如畫面上的麥田別烏鴉壓住的感覺，金黃色的麥田表現出勃勃的生機，亦如作者內心生的欲望。看到這幅畫給人以震撼的感受，它在表達著一種思想，也在宣洩著這種悲劇的情感。
通常的解釋是，這幅畫是以黑暗，嚴酷的天空顯示了梵谷的精神狀態的困擾，與徘徊不決的通往不同方向的三種途徑，與黑色烏鴉架空的預示死亡跡象。 畫家寫道，他曾在三幅畫裡畫過瓦茲河畔奧維爾大片的麥田與多事之秋的天空。 很常見的錯誤認為，這是梵谷的最後一幅畫，甚至說，他在繪製該畫時飲彈自殺。其原因是在《情慾終身》這部影片中是這麼描寫的。不過，目前還沒有證據可以支持這個觀點，胡爾斯克博士的梵谷年表中，有七幅畫晚於該畫。當然，梵谷的確是自殺，是在畫這幅畫的同一個月裡。人們普遍認為，他1890年7月27日的晚上去田野散步，用左輪手槍朝自己開槍後回家。他躺在床上兩天後死去，當時他的弟弟提奧在他的身邊。
這幅畫運用了大量的短線條，並主要用了藍、黃、紅、綠四種顏色來描繪景物。用深藍色和黑色來表現天空，與一群從遠處飛來的烏鴉相襯，給人壓抑的感覺，並有不祥之兆。天空下麥田的黃色與藍色形成對比，田間的小路也以紅色與綠色形成對比，有強烈的矛盾衝突的感覺。大量短線條表現出了躁亂激烈的內心。作者在這幅作品中傾注了大量感情，在相當程度上表現出了自己掙扎的內心世界。
阿爾勒的臥室 荷蘭 梵谷 1888 布上油畫縱72×橫90釐米 阿姆斯特丹文森特·梵谷博物館藏
1888年9月，梵谷搬入"黃房子"，靠提奧供給的生活費，把住宅布置一新。在此之前，他獨自一人生活了好幾個月。他希望將黃房子建成他夢想的藝術家聚居地。
他選擇了式樣普通、格調不俗的家具來布置，而他自己房間的擺設卻出奇的簡樸。提奧勸說高更去與哥哥同住。梵谷在等待高更的日子裡，運用鮮明的黃色和淡藍色，描繪了自己的臥室。此時已定居下來的梵谷，之所以畫出自己的房間，主要是想讓弟弟西奧看到他目前的生活情況。樸素的床、椅子和洗臉用具等，都是真實的生活寫照。他在給提奧的信中寫道："我這次畫的只是我的臥室。這幅畫要由色彩來當家……就是說，要通過色彩，表現出休息或睡眠的氛圍。一走進這個房間，想像力就可以得到休息……四四方方的家具表現臥室不應受到幹擾的寧靜。"
值得注意的是，梵谷為阿爾勒的黃房子所畫的唯一一張內景所表現的並不是畫室，而是他自己的臥室。在給貝爾納的信中，他曾說過冷色調的藍中帶紫的牆壁給人以"絕對寧靜"的感覺，可是這種寧靜裡也瀰漫著避難的氣息。
這張臥室畫是一幅很重要的作品，它表現了梵谷內心世界中的一些東西。他多次提到過這幅作品，並且在書信中勾畫過它的略圖;在聖-雷米住院時，他還畫了大同小異的另外兩幅，一幅是打算給提奧的，另一幅準備給母親和威爾。其中所突出的寧靜與睡眠把這幅臥室圖與梵谷不穩定與疲憊的精神狀態聯繫了起來。在給威爾的信中，"空蕩蕩的臥室"的說法表明了他的孤獨和希望有人陪伴的願望。不過，我們也可以把它看成跟畫室和客房一樣，僅僅是圍繞寧靜和親切的主題，裝飾起來的另一種用途的環境。床頭的牆上掛著一幅自然風景畫，與之相連的另一面牆上掛著兩排畫:下面一排是一張模糊難辨的肖像和一張風景畫，上面一排是兩張肖像。在聖-雷米所畫的稍有變化的另外兩幅中，這兩張肖像也有變化:其中一幅上是自畫像自畫像和朱阿夫兵中尉米利耶肖像——一對帶有性色彩的人物，另一幅上則變成了較傳統的一對人物畫像——自畫像和一位無法辨認的年輕女子的畫像，不過她的黑色頂髻使人聯想起在書店中聚精會神讀小說的那位女子。這兩者合在一起，則可以說是處在裝飾得很寧靜的空間裡的一對現代人物。
有垂柳的公園是詩人的花園 荷蘭 梵谷 油畫 1888
在阿爾勒的梵谷住所的周圍，有三個公園，梵谷為此畫了一些草圖和油畫作品，梵谷分別從不同的視角畫出了公園的一角。這幅畫繪於1888年，色彩極其豔麗而清新，使人觀之眼前一亮、心曠神怡，繪製的應該是春季的景象，是梵谷為數不多此類作品中的典範。
麥田雲雀 荷蘭 梵谷 油畫 1887
畫面中部分收穫的麥田，在雲彩清幽的天空下，一隻雲雀正朝右上飛去。這幅麥田的從上至下所揮落出來的遼闊與自由，以及那種金黃色所透視出來的美感，真使人神暈顛倒。
這種只屬於梵谷一人的金黃色麥田，透視了整個天空，而再由天空透視了我們的視覺以及心靈的波動。麥田與天空是相互透視出來的精神的豐滿和心靈的自由。不管是來自於印象派的點彩還是透視法，他都被他的精神的狂熱帶動到很遼闊的境界去。
麥田雲雀畫於1887年夏天，此畫一見即令人聯想到梵谷他在奧維爾所作的《麥田群鴉》，但與後者比較起來，有完全不同的感覺。這幅畫讓人感到清閒明朗，好像可以聽到遠處清晰婉轉的歌聲。梵谷採用修拉與西涅克的色彩分割理論，又從印象派畫家那裡學習到短促筆觸的並置以及從光線中捕捉色彩的瞬間變幻，以色彩的禮堂混合手法來表現。
這幅畫的彩度高，向上向下的短促筆觸，使畫面洋溢著勃勃的生氣; 雲、麥田、草地均富動態，雲雀的聲音暗示了在畫面上所看不到的垂直軸。麥穗順著風向俯偃，仔細觀看會有一種寫實的感覺，同時又讓人覺得在遙遠的彼方有一種虛無縹緲的憧憬 。
烏雲密布的天空下的麥田 荷蘭 梵谷 油畫 1890
這一幅與"麥田群鴉"、"多比尼花園"是梵谷在奧維爾所作的最後三大作品。梵谷在寫給母親的最後一封信中提到這幅畫時說:"我正埋頭作一幅以像海那樣廣大的丘陵作背景, 有黃色與綠色微妙色彩的廣漠麥田的畫。這一切存在於青色、白色、粉紅色、紫色等色調的微妙天空之下。我現在非常的安寧、肅靜, 可以說很適合於作這幅畫。"
同"麥田群鴉"比較起來, 這幅畫含有深深的冥寂, 好像要呑沒梵谷的一切。在地平線那一端所表現, 不再是德倫特時期作品中可以看到的靈魂的憧憬, 而是要將他的身心召回的悽病態而恐怖的壓迫感。
似乎是要突出表現奧維爾得天獨厚的富饒的自然條件, 這些橫長形畫面上的構圖一般都是側邊敞開並且延伸的餘地。除了多比尼家花園那個隱蔽處, 其他作品的的場景基本上都沒有圍欄之類的東西。田野是自然的存在——它們不屬於任何人, 大地看起來廣袤無垠。暮色蒼茫的氛圍顯得頗有浪漫色彩, 這蒼茫的暮色籠罩著奧維爾莊園的田野。
蹣跚學步 荷蘭 梵谷 油畫
這幅作品是梵谷臨摹自米勒的同名作品。畫面是一個農村的耕地，背面是農民的房屋。畫的右方一位農婦扶著小女兒幫助她學步。左方女嬰的農民父親蹲在地上張開雙手鼓勵她向前走。
這雖然是梵谷臨摹米勒的作品，但是整幅畫都顯露出梵谷個人的風格。畫面用色鮮明，多用藍，黃和綠色。這些高明度及屬於自然界的顏色，讓人感受到活躍的生命力。他讓畫中的人和物框上厚實的黑色線條，這明顯是受到日本藝術的影響，亦讓畫面增加實在的感覺。
另外，他亦以彎曲旋轉的筆觸繪畫樹、灌木和農作物。這是他成熟畫作中常用的手法，也令這畫增加生氣勃然的氣息。整幅農村景象讓人感到農民的實在生命，平凡但躍動又充滿親情。
桃樹花開(淡紫色) 荷蘭 梵谷 油畫 1888
此畫又名《盛開的桃花》。是1888年梵谷為了紀念他去世的表兄莫夫而畫的作品。
在給提奧的信中，梵谷寫道:"我把畫架擺在果樹園裡，在室外光下畫了一幅油畫——淡紫色的耕地，一道蘆葦籬笆，兩株玫瑰紅色的桃樹，襯著一片明快的藍色與白色的天空。這大概是我所畫的最好的一幅風景畫。
我剛把畫帶回來，就接到姐姐寄來的追悼安東·毛威的通知。一種什麼東西(我不知道是什麼)把我抓住了，堵住了我的喉嚨，我在我畫上寫上:紀念毛威，文森特與提奧。
如果你同意，我們就以這個名義把它贈給毛威夫人。我不知道他們將會對這幅畫說些什麼，但這無關緊要。
我以為一切紀念毛威的東西，一定要既親切又愉快，而不可以帶著絲毫悲哀的調子。
不要以為死者是死了;
只要有人活著，
死者就會活，死者就會活。
我就是這樣認識問題的。沒有什麼比這個消息更加使我傷心的了。他的逝世對我是一個可怕的打擊。"
作品傳達出梵谷理想中的日本風景，同時呈現春天的喜悅和樂觀的情緒。
唐基老爹 荷蘭 梵谷 油畫
這是巴黎時期末的作品。關於唐基老爹的肖像畫，除此之外尚有兩幅，其中的一幅是在同一時期畫的，有同樣的姿勢，相似的背景; 而稍後所畫的另一幅唐基老爹，使用深藍與紅褐色，背景的浮世繪配置方法跟這一幅也不同，整個的感覺更為強烈(尤其是色調和彩度)。這幅畫的構圖較有統一感，與浮世繪的柔和調子和下端的裝飾圖案非常調和。唐基老爹是當時蒙馬特的小畫具商，他的性格親切而溫和，對於未成名的畫家時加關照，他的店時常成為印象派畫家停留的所在，包括畢沙羅、塞尚和高更也常在他的店裡出放。唐基老爹在店內也懸掛了梵谷的畫。
《唐基老爹》肖像的背景上所看到的臨摹畫中，右上為廣重的《名勝江戶百景》，右下為英泉的《花魁圖》，中央為北齋的《紅富士》，左上是廣重的《飛鳥山暮雪》，左中是豐國的《歌舞劇演員圖》。』
然而在那一年梵谷畫的另兩幅唐基肖像中，其形象發生了巨大變化，唐基被描繪成具有東方特徵的聖人和"活菩薩"，同時簡樸的藍上衣和微笑的面孔上方光環似的草帽還是表明了他的階級身份。在這兩幅肖像中，人物都處於畫面的中心，正面朝著看畫者，那笑眯眯的眼神甚至顯得有點單純，但是其構圖卻經過精心安排，畫面上的內容也相當複雜，陪襯在唐基身後的是擠在一起的許多日本版畫。實際上唐基並不出售這樣的版畫，它們是梵谷心愛的東西，至少在兩幅肖像中這幅尺寸稍大一些的畫像上，它們起到了自然平衡和協調的作用。唐基的頭頂上是神聖的富士山，山兩側分別是冬天和春天的景色;接下來的左右兩邊又分別是夏景和秋景;然後是男女人物像;最後像日本版畫中常出現的條狀圖案那樣，是兩排彩色帶狀裝飾。這種安排並不難破譯。梵谷是把蒙馬特爾變成了日本，將馬特山(殉道者聖山)變成了富士山，將社會主義者畫商變成了笑容可掬的聖人，這位聖人處於男女、大自然和色彩背景和諧的理想境界的中心。
這兩幅肖像的聖像似的構思和象徵主義的布局起到了歌頌這位商人的作用。其中的一幅曾在珀蒂大街的展覽上展出過，那次展出的都是帶有新印象主義傾向的作品，因此這也就進一步突出了唐基肖像理想主義的象徵意義。梵谷所畫的唐基肖像先是側重於表現階級身份，隨後改變為側重於表現文化內涵，於是穿著圍裙的精力充沛的男人就變成了溫和的小偶像。背景上那些具有日本特色的東西把唐基擺在了理想主義的畫面上，同時也就抹去了他商人身份的痕跡，把唐基這位美術品商人描繪成了外國文化氛圍中的慈祥老者，這跟後來文森特寫給提奧的信中的描述是一致的。把提奧改造成畫商兼聖徒，把唐基看做具有日本傳統特徵的聖人，於是梵谷便通過美好的幻想擺脫了需要面對的貿易上的麻煩。
本幅畫是梵谷在巴黎時期的人像代表作。人物置於中央，構圖幾乎對稱。浮世繪圖畫形成複雜的背景，與前景人物相對照，同時由於畫面傾向平面化而產生前縮性的空間感。
本畫的華麗感、對比鮮明的用色，都延續到之後的阿爾勒時期。唐基善良雙眼中的普魯士藍和嘴唇的紅色，在白色皮膚與灰色鬍子間顯得格外突出。那靜脈浮起的手，在深藍上衣的對比下，益形明顯。右上方版畫中，粉紅色的花、淡藍色的天空與暗綠色的風景之間，取得了一種微妙的平衡。下面左右兩邊明朗的條紋圖案與多幅日本的浮世繪都成為大膽背景的一部分。
嘉舍醫師的畫像(第二版本) 荷蘭 梵谷 油畫 奧塞美術館藏 1890
《嘉舍醫師的畫像》是荷蘭後期印象派畫家文森特·梵谷最著名的作品之一，繪於1890年，當時他已住進精神病院接受保羅·嘉舍醫師的治療。1990年5月15日，此畫以8250萬美金創下有史以來藝術品拍賣最高價格。此畫有兩個版本，第一個版本，現私人收藏；第二個版本的目前存放在巴黎的奧塞美術館中。
嘉舍醫師生於1828年, 死於1909年, 是一位精神科醫生, 與許多印象派畫家有交情, 他自己也作畫, 並收集許多美術品, 尤其是印象派作品。梵谷在信中記述他們初次見面的情形, 說他給人一種與眾不同的印象。以嘉舍醫師為模特兒的肖像畫, 有油畫兩張, 版畫一張。關於這一幅, 梵谷認為與他在聖-雷米時期所畫的自畫像同調, 而彎曲螺旋式的線條, 則與阿爾時期的肖像畫中單純化色面可視為一體, 正可以表明嘉舍醫師沉鬱、心煩的情緒。背景、筆觸方向、色彩的裝飾與轉調等等一切形體的要素, 都凝聚其間, 因而這張畫成為控優越的肖像畫之一。
梵谷離開聖·雷米後,移居巴黎以北的一座小鎮,瓦茲河上的奧維爾,由嘉舍醫師監護。嘉舍醫師既是畫家畢沙羅和塞尚的朋友,本人還是一位熱衷繪畫的業餘藝術家,因此可謂是病人的理想夥伴。他相信,工作能夠平撫梵谷劇烈的情緒波動,因此千方百計地鼓勵梵谷繪畫。梵谷為他畫像的決定進一步加深了他們日益增進的友誼。梵谷在一個月內畫了兩幅嘉舍醫師的畫像,上面的那幅是第二幅。下面的第一幅與第二幅構圖相同,不同之處是在桌上的毛地黃莖旁的兩本書。梵谷以藍色為主調,但是各種藍色互不相同,色調分明。中間背景,色彩堅實,上縱的筆觸產生了一種令人不安甚至近乎憂鬱症似的動感。
在這幅作品中,人物姿態安詳,削瘦的身體用肘臂支撐著,以保持完全平衡。但是,透過筆觸、構圖以及人物四周的空間,畫家緊張而悲哀的心情一目了然。它預示畫家即將感受到更加深重的痛苦。
圖中左下方的紅桌在深藍色為主的畫面中顯得相當突兀。嘉舍醫師憂鬱的深思表情,與畫中的藍色調相呼應。
梵谷在給提奧的信中寫道:"他在幾年前不幸喪妻。但他是一位名符其實的醫生。他的職業和信仰激勵著他。我們已經成為好朋友……我正在為他畫像,他頭戴一頂白帽,色彩極淡、極亮,手呈肉色,身穿藍色大衣,背景呈鈷藍色,他的身體倚靠著一張紅桌子。"
這張示意圖再現了這幅肖像的基本構圖。人物沿對角線呈傾斜姿勢,從畫布左上角至右下角貫穿整個畫面。畫中色彩的配置也許是傳達出深思情感的最重要的因素。醫生的外衣是藍色與黑色的混合,而在有些地方還可看見乳白色的畫布底色,紅色桌面加深了畫面的對比。
嘉舍醫師的畫像(第一版本) 荷蘭 梵谷 油畫 私人收藏 1890
梵谷也許是為新時代婦女的肖像畫找到了一個"自然的"解決辦法,但是卻沒有解決男性的內心矛盾。在幾幅阿爾勒男人的肖像畫中,男人的表情明顯地帶著疑慮和緊張,在這幅作品裡,人物所表現的是滿懷惆悵。這位中產階級的醫生和現代藝術品收藏家,像是一位憂鬱症患者,臉上的表情是梵谷所稱的那種"我們這個時代的肝腸寸斷的表情"。但是在概念和構圖上,這幅作品幾乎可以說是"阿爾勒女子"的姊妹篇。嘉舍神情哀傷地坐在那裡,面對著兩本內容涉及女人、藝術和性的小說——那是龔古爾兄弟的小說《馬內特·薩洛蒙》和《翟米尼·拉賽特》——現代小說記者的角色由吉努太太換成了嘉舍醫師。俯身於法國小說的嘉舍醫師象徵著社會新潮帶來的問題和失望,而那位阿爾勒女人卻對著維多利亞時代的文學作品若有所思地面露微笑,完全是個熱心腸、樂於助人的角色。
奧維爾的教堂 荷蘭 梵谷 油畫 奧塞美術館藏 1890
奧維爾的教堂連同其它奧維爾的茅草屋、奧維爾市政廳等視梵谷在北方的童年和青年時的回憶，教堂呈現著紫羅蘭色調，彩色的玻璃窗上閃著亮光，紫色和橙色相間的屋頂映襯著純藍色的天空。畫面的前面有著一些綠色植物和鮮花，粉紅色的陽光照射在地面上，這如梵谷的墓地和老教堂等繪畫擁有著相同的表現手法，不過這裡的色彩表現力更為強烈、豐盛。
「單純的深藍色」也用在了艾德琳·拉武的一些肖像畫中。
儘管教堂前面陽光照射，但教堂本身仍然坐落在自己的影子裡，這裡的教堂，既不反射光，也不散發光，象徵著空洞和落後的說教。
這幅畫用深藍色表現夜空，線條短粗並與梵谷其它許多畫作中的線條同樣呈渦旋狀，有些《星夜》的意味。而地面則以黃色、綠色為主，同樣以短線條來表現「V」形的道路。作者並沒有寫實地描繪教堂，而是以一貫的處理手法賦予它更加豐富的色彩和經過感情濾過的形象，在實物中融入自己的情感，並體現在作品中，而非一味地忠於客觀描述。豐富恰當的色彩則進一步加強了感情的表達，這正是梵谷最終形成的特色。
「V」形的道路也類似出現在了麥田群鴉裡。
在奧維爾，梵谷的畫以深青色、藏青色為主。他一生中對於社會的不理解所作的抗爭，對於真善美所作的追求，還有生存中的苦惱與歡樂，似乎都孕育在這天空的蔚藍裡。他寫給妹妹的信中說："我畫了村莊教堂的一幅大畫，從全體的效果言之，建築物是帶有紫色，跟深藍色的天空相對。玻璃窗戶塗上了深藍色，屋頂則夾雜著藍紫色與橘色。在教堂前的草地上開滿了鮮花，同時還布滿了被陽光照射著的粉紅色（玫瑰色）的沙土。這和我在故鄉紐南所畫的古塔與古墓的習作相似，但不同的是這幅畫所用的色彩，看起來更富於表現力、更為華麗。"
梵谷由紐南的教堂開始, 經過不同的時期, 最後走到奧維爾教堂, 完成了他生命和繪畫的旅程。 在梵谷的許多作品中,顏料都塗得很厚實。像這種塗得厚厚的技法稱之為"厚塗法"(impasto)，被許多印象派的畫家所採用。
梵谷在阿爾勒的家 荷蘭 梵谷 油畫
『1888年5月梵谷在阿爾勒租了一間旅館居住，因為它的外壁塗成了黃色，故被稱為"黃房子"。畫面上建築物的右側即是梵谷的住所(正面的窗戶塗成綠色和黃色的部分)。梵谷很早就嚮往"藝術家的樂園"，因此希望這個家能成為南法的"未來畫室"，並且希望能夠儘快地接他的窮朋友高更來一起共同生活(高更於10月20日到達阿爾勒)。在這一張畫上，由廣闊前景的土黃色地面，即向兩旁延伸的馬路，到小建築物正面的硫磺色與一大片天空的綠色，這些顏色之間相互呼應，構成了色調的轉移。』
梵谷打算把阿爾勒的黃房子變成畫家之家，這是他最具烏託邦特色的方案。他詳細地描述了他的"畫家之家"。在給提奧的信中他寫道:"我想把它搞成一個真正的'畫家之家'，它並不華貴，正相反，其中沒有一樣華貴之物。""房子給我帶來了安逸感，從現在起，我感到我正在為未來工作。"在他的作品裡，這幢房子位於滿是塵土的拉馬丁廣場對面，是一座在深藍色天空映襯下閃閃發亮的鮮黃色建築。梵谷打算用"向日葵"系列畫裝飾畫室;在客房裡要"以日本人的方式"張掛一些"向日葵"以歡迎高更的到來。
梵谷覺得這裡的陽光和日本一樣明亮，他在這裡租了個有四個房間的房子，夢想將其變成藝術家的樂園，就是畫作中街角的那幢房子，顏色較其他建築物響亮，他稱之為「光之屋」，並將黃色命名為愛的最高閃光，房子前腳步匆匆的就是他本人。
這幅圖畫的主題不是光，而是感情。梵谷的第一個念頭是想把它畫成一幅夜景畫;"窗口亮著，空中繁星閃爍"，可是在定稿中，他蓄意強調陽光通過巨大的空隙流進屋內的黑暗，所以整幢房子發出光亮。
我們可以認為黃房子不僅是個避難所，而且是個文化意義上的群體畫室。
梵谷於1888年5月住到這裡，一直到1889年的4月。梵谷離開人世許多年後，黃房子改為酒吧。這個建築物毀於二戰。
1888年5月初，因為覺得自己住的旅館太貴，梵谷租下了位於拉馬丁廣場2號的一座建築物的一側，這就是著名的「黃房子」。這座「黃房子」的外牆被它的主人漆成了明亮的黃色，而屋內卻沒有。梵谷對於房屋的內部的設計產生了極大的興趣。他想讓它顯得單純而樸素，具有南方的色彩：紅色、綠色、藍色、橙色、硫磺色和淡紫色。「我想讓它真正成為『一間藝術家之屋』——沒有什麼昂貴的東西，但是從椅子到圖畫，每一樣東西都有特色，」他這樣告訴他的弟弟。「至於床，我已經買了鄉間常用的床，不是鐵床，而是大的雙人床。它的外表給人堅固、耐久且恬靜的印象。」重新裝飾完成之後，他得意地寫信給他的妹妹：「我在這裡的房子，外面漆成鮮黃油般的黃色，搭配著耀眼的綠色百葉窗，房子在一個廣場中，沐浴在燦爛的陽光下，這房子裡有一個綠色的花園，裡面種了梧桐、夾竹桃和洋槐。房子裡面的牆完全被刷成白色，地板由紅色的磚塊鋪就。在房子的上空就是耀眼的藍天。在這間房子裡，我可以生活、呼吸、沉思和作畫。」
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