大家好，繼上次的入門音樂劇推薦之後，我們又來做音樂劇科（an）普（li）了！
如需回顧上一篇，請戳這裡。
釣過來吃安利~
今天討論的話題比起之前那篇，稍微有些進階。
你已經知道了很多的音樂劇，比如《音樂之聲》、《歌劇魅影》、《悲慘世界》、《漢密爾頓》等等。
你知道它們得過無數大獎，也知道它們是很好的音樂劇，你能夠說出來好些條喜歡的理由，但好像還是不夠有條理。
因此你需要知道從哪些方面來欣賞一部音樂劇，同時還能夠理性客觀地對身邊朋友講出來它好在哪裡。
接下來你很可能需要這篇指南——除非你能夠一言不合就把朋友們拖進劇場。
一起去看劇吧，求你啦
如果你入坑已久，請直接看下面這個指引，不妨將一部音樂劇拆成幾個元素，給朋友安利的時候投其所好。
太長不看版
音樂劇審美可以從5個角度來衡量
劇本、歌詞、（音樂、舞蹈、舞美下次講）
劇本
能否講好一個故事
能否用歌舞配合好故事
歌詞
能否與音樂配合好
能否很好地刻畫人物形象
如果你現在還不太能掌握，歡迎跟隨我們一起探討，文中的例子，你都可以用到。
如何（用正確的姿勢）欣賞一部音樂劇？這個話題也許根本就不存在。
通常來說，音樂劇還是比較好懂的。
一方面，音樂會佔用全劇的大部分時間，使得臺詞很難被細化和深化；但另一方面，歌詞本來就比對話更難聽清，如果歌詞過於晦澀難懂，整個劇的效果就會大打折扣。
對於很多觀眾來說，音樂劇是一項很感性的活動，開心就好。僅僅是純粹的感官體驗，又不是高考語文閱讀理解，這份愉悅從何而來，其實也不一定需要深究。
就像小C在《真愛不死》中唱的一樣，用心去感受~
作為觀眾，你大可直接買票坐進劇場，在幾個小時之內逃離塵世的紛擾，專心沉醉於音樂劇帶給你的非常私人化的美的體驗。
用~心~看！
當然了，你也可以對這種隨性的欣賞方法感到不滿足，或者是希望建立起自己的審美標準而不是僅僅被專業人士指導，好戲也非常歡迎大家都能講出自己的看法。
從感官上的「好聽好看」，走向能分析出它們為何「好聽好看」，其實是一個理解逐漸加深的過程。
初聽的時候往往只能形成一個模糊的概念，可能需要反覆聽反覆看同一部劇，才能具體說出它好在哪裡。
看音樂劇時在臺下扭動的你↑
感受是一種非常主觀的東西，它和個人審美經驗、價值傾向等息息相關。
而戲劇恰恰是一種需要充分調動人感官的產品，不同的觀眾對同一部劇的感受可能是有天壤之別的。
在這一點上，沒有一個人能被稱得上是「完全客觀」的。致力於追求客觀是不必要也是不現實的，不摻雜個人情感的劇評往往更難被稱之為好的劇評。
在家自己唱音樂劇時的你↑
然而，在這些不同之處上又有一些相同點。
你可以說我不喜歡這部劇，因為故事情節過於老套，或者是某幾處的燈光讓人感覺非常刺眼。
你也可以說我超愛這部劇，因為某一首歌真的非常鼓舞人心，或者某一個演員的人設真的是正對胃口，哪怕是僅僅三個字：歌好聽！
這些 「喜歡」和「不喜歡」的原因其實就是我們所謂的評價標準。
儘管審美的體驗不盡相同，但審美的標準總的來說主要考慮5個層面：劇本、歌詞、音樂、舞蹈、舞美。
由於篇幅關係，我們在這次先來聊聊劇本和歌詞。
劇本
「劇本」這個詞最早來源於義大利語中的libretto，因此劇作家也被稱為librettist。通俗的講，就是一部音樂劇的故事情節。
總的來說，好的劇本應該具備以下兩個主要特徵：
首先，要講好一個故事。
啊這個劇本不就好棒棒！
音樂劇的歌曲、舞蹈、表演等都是依託在劇情發展的基礎上展開的，如果沒有好的故事，即使有非常好聽的音樂，也沒法達到打動人心的效果。
《劇院魅影》的續集《真愛不死（Love never dies）》其實也不乏優秀的音樂作品，但是大家普遍評價不高，主要問題還是出在劇本上：
很多人感覺故事線生硬，強行製造戲劇轉折，並且和上一部人設不符。帶著這樣的想法來欣賞這部劇，往往沒法很好的沉浸其中，演員在臺上富有感情的連演帶唱，觀眾卻坐在臺下默默沉浸在劇情的槽點之中。
拉麵Ramin Karimloo和人魚姐Sierra Boggess 2010年3月在倫敦阿代爾費劇場（Adelphi Theatre）的《真愛不死》劇照
目前市面上的很多話劇通常希望把劇情儘可能地複雜化、衝突化，儘可能的使主題變異，從而能比較好的激發觀眾的情感。
而音樂劇卻往往致力於是將故事情節儘可能地簡約化、概念化，很大程度上放棄了「臺詞朗誦」的表現方式，騰出更多的時間和空間將複雜的劇情、角色情感以及戲劇的衝突，都交給音樂和歌舞。
留給劇情展開的時間本來就不多，所以如果主線不清晰簡潔的話，真的讓人莫名其妙、不知所云。如果是多重主題的劇目，也得每一條主線都很清晰明確。不能這也想講，那也想講，最後都沒講清楚。
《歌劇魅影》25周年紀念版劇照，同樣的作曲家，同樣的演員，正傳比續傳受歡迎的多
桑德海姆音樂劇《拜訪森林（In to the woods）》在這一點上就很值得誇一誇。
大多數音樂劇只能講一個故事，還不一定能講好。
《拜訪森林》卻一口氣講了不止四個故事——它把我們童年耳熟能詳的童話「傑克與魔豆」、「灰姑娘」、「小紅帽」、「長髮公主」串聯在一起，每個童話都有擁獨立的故事線，卻又能互相影響、互相交織，組成全新的劇情。
不說別的，就單說能把這麼多情節安排在一起，而不顯得臃腫凌亂，劇本作者深厚的功力就可見一斑了。
棒的要命我跟你嗦~
《拜訪森林》究竟有多受歡迎呢？
從1988年的託尼獎獲獎情況就可以很直觀的看出來。
面對《劇院魅影》這樣強有力的競爭對手，《拜訪森林》仍然異軍突起，獲得最佳曲譜、最佳音樂劇編劇和最佳音樂劇女主角獎（ Bernadette Peters，也就是我們上面那張動圖中的巫師小姐姐）。
1987年百老匯首演版《拜訪森林》
其次，要用歌舞配合好故事。
音樂劇的本質是戲劇，所以並不是用故事串起音樂就夠了。我們的側重點是講故事，而不是唱歌。
側重點不是唱歌不說明音樂劇演員的唱功不好，而是相對於劇本來說，歌曲是第二順位的。一首歌或者一支舞，即使是非常出色，但是如果它影響了全劇的完整性，就要好好考慮一下了。
比如說，為了全劇敘事更為清晰簡潔，《西貢小姐》就曾經刪除過一首金曲《Too much for one heart》（後收錄在Kim的第一代扮演者Lea Salonga的專輯《The journey so far》裡）。
在這首歌裡，Kim娓娓傾訴著她對兒子的愛，對Chris的思念，和這些年來獨自承受的苦痛。全曲非常哀婉優美，歌詞也尤為動人。
Lea Salonga飾演的Kim和兒子Tam在一起，非常溫馨的畫面~
《Too much for one heart》甚至被一些人認為是超越原劇其他歌曲的存在，但是它和《I'd give my life for you》的主題有重合之處，訴說的情感也有類似；
另外，它還和《Please》的旋律部分重合。綜上種種，再把這首歌放在劇中就顯得有些累贅了。為了全劇的整體效果，只能忍痛割愛。
順便說一句，2014年西區/百老匯版的《西貢小姐》也有一首叫做《Too much for one heart》的歌，但是這首歌和1989年原版中的《Please》才是同一首歌，是Kim和John的對唱，只不過改了歌名；而被原版刪除的那首《Too much for one heart》則是Kim的獨唱曲目。
（這是2014版《Too much for one heart》，前面分享過的則是原版刪除的《Too much for one heart》）
2014年《西貢小姐》25周年紀念演出
總結起來就是：歌舞必須和故事「有機」結合。
音樂劇歌舞的呈現，必須是有戲劇理由的，必須能自然地揉進劇情。
需要用舞蹈來推動劇情的地方，才能讓演員「旋轉跳躍」起來，需要有歌曲來刻畫人物性格的地方，才能讓演員歌唱起來。
生硬的加入歌舞，對音樂劇的影響是致命的，就會像部分觀眾吐槽的那樣，一言不合就「尬舞」、「尬唱」。
歌詞
歌詞（lyric）和我們前面提到的劇本也有密切的聯繫，兩者共同構成了全部的戲劇文本。劇本的側重點是全劇的情節刻畫，而歌詞則主要是用來配合歌曲本身。
在劇作界，歌詞和劇本一般情況下是由不同的作者分別完成的。
所以說，音樂劇的創作大師不僅包括劇作家（librettist），也包括了歌詞作者（lyricists）。
年輕時的韋伯（左）和蒂姆·萊斯（右），有沒有很瀟灑！
當然，像小哈姆斯坦（Oscar Hammerstein II）和林聚聚（Lin-Manuel Miranda）這樣的天才，也能一人身兼劇本和歌詞創作的雙重任務。
一般來說，好的歌詞得滿足以下幾個要素：
首先，歌詞要與劇中的音樂配合好。
作為作曲家最親密的創作夥伴，歌詞作者必須要全面了解音樂創作的基本原理和流程，還要對作曲家本人的創作特點有足夠的把握。
在此基礎之上，還要結合劇情，對作曲家作出的曲子配上合適的歌詞。
由於歌詞創作所要求的複雜性與細緻性，作曲家與歌詞作者往往會形成固定的創作搭檔，建立很多年合作關係，像理察·羅傑斯和小哈姆斯坦、韋伯和蒂姆·萊斯、約瑟夫·斯泰恩和謝爾登·哈尼克等的合作就是眾人稱讚的典範。
羅傑斯（左）和小哈姆斯坦（右）
在小哈姆斯坦罹患胃癌的養病期間，羅傑斯告訴他要加寫一首民謠風味的歌曲，讓男主角馮·特拉普上校在民俗音樂節時對全場觀眾獻唱。
小哈姆斯坦依循慣例，開始在紙片上塗塗抹抹尋找靈感，他寫下「edelweiss, edelweiss, small and white, clean and bright」幾句歌詞，給全曲鋪下了柔美清新而又帶著淡淡憂傷的基調。
最終，他創作出了《雪絨花》，這首經典作品也成為小哈姆斯坦的絕筆之作。
1960年，《音樂之聲》音樂劇首演後數月，奧斯卡·小哈姆斯坦與世長辭，倫敦西區和百老匯劇院特區特別為他熄燈致敬，紀念這一位畢生致力音樂劇場藝術改革與創新的偉大藝術家。
1965年電影《音樂之聲》劇照
音樂劇的歌詞對韻律有著嚴格的要求，獨特新穎的韻腳是成就經典歌詞的關鍵。
在這方面，科爾·波特有著足夠的說服力。
身兼作曲和作詞的確有著無可比擬的優勢：他清楚地知道自己創作的歌曲想要傾訴的感情，所以也能夠找到最巧妙的歌詞來迎合旋律的要求。
《Anything goes》2011百老匯復排版劇照
以那首著名的《萬事成空》(Anything Goes)為例：
The world has gone mad today,
And good's bad today,
And black's white today,
And day's night today,
When most guys today,
That women prize today.
這段歌詞之所以絕妙，並不僅僅在於它劇中有「mad」、「bad」、「night」、「gent」等詞押韻，而連續六行又以「today」結尾，使得歌曲能夠擁有一個固定的韻而不顯突兀；
更令人稱奇的是，正是在韻腳之處，音樂發生著細微的變化，每一次都會提高半度，直至歌聲響徹劇院。
歌詞和曲調相得益彰，非常富有感染力，美妙動聽、明亮歡快而又蘊含著奇妙的創作技巧。
其次，歌詞要能更好的刻畫人物形象。
單從唱法來看，音樂劇歌曲和流行歌曲並不一定有多麼大的差別。但是在歌詞創作中，音樂劇的歌詞要考慮更多的因素，比如說劇中角色的身份、性格，所處的環境等等，而不是單單抒發一時的感情。
我們可以通過音樂劇《窈窕淑女》領會歌詞作者化平凡為神奇的功力。
這部勒納和洛維的代表作講述了保守的英國語言學教授希金斯教授和出身低下的賣花姑娘伊莉莎之間的愛情故事。
芝加哥歌劇院版《窈窕淑女》
希金斯固執地認為，精英和一般人的區別在於精英能夠熟練地使用最高雅、最複雜的語言。
他與朋友皮克林上校打賭可以將出身貧寒、語言粗俗的伊莉莎調教成一位舉止高雅的淑女。於是他全力訓練伊莉莎，提高她朗誦方面的技巧。
在遇見希金斯之前，伊莉莎的唱詞是倫敦下層社會的土話，帶有濃濃的口音，並有吞音、連音、重音錯誤等等問題，歌詞所採用的詞彙也比較簡單。
《Wound't it be lovely》是一首伊莉莎歌唱嚮往中的生活的曲子，只要能夠吃飽穿暖有人照顧，這就是她最大的幸福了：
Lots of chocolate for me to eat
Lots of coal makin' lots of heat
芝加哥歌劇院版《窈窕淑女》
經過夜以繼日的苦練，終於，在一個深夜，伊莉莎突然開竅，學會了上流社會優雅的口音。
當她慢慢地說出「The rain in Spain stays mainly in the the plain」（這是一句押韻的話）時，希金斯和皮克林開始並不相信自己的耳朵，等他們反應過來時，三人興奮地跳起了令人目眩的探戈，最後氣喘籲籲的躺倒在沙發上。
2016年《窈窕淑女》中國巡演劇照
這段精彩的表演成為最令觀眾興奮的場景之一。
而《Rain in Spain》的歌詞別具匠心，伊莉莎清晰的唱出了一系列容易混淆的單詞，語法標準，語調優美，一切都恰到好處。
Henry: In Hartford, Hereford, and Hampshire...?
Eliza: Hurricanes hardly happen.
How kind of you to let me come!
Henry: Now once again, where does it rain?
Eliza: On the plain! On the plain!
Henry: And where's that blasted plain?
Eliza: In Spain! In Spain!
The three: The rain in Spain stays mainly in the plain!
The rain in Spain stays mainly in the plain!
電影版《窈窕淑女》，赫本的配音演員其實是Marni Nixon
一曲《Rain in Spain》，讓我們在短短的三分鐘內充分感受到了伊莉莎語言學習的進步，她已經突破瓶頸，達到了「頓悟」的境界。
僅用一首歌，詞作者勒納就成功地完成了戲劇焦點的轉變，而精心排布的歌詞成為了轉變的樞紐。
給看到這裡的你鼓鼓掌吧~
關於劇本和歌詞，能講的還有很多，由於篇幅關係，我們在這裡先拋個磚，其他的就要靠大家慢慢體會了，也歡迎補充。
如果你有什麼其他想法，或者有什麼希望我們講一講的話題，也可以在下面留言。
希望你在看完這篇文章之後，對於如何欣賞音樂劇，迸發出一點自己的理解。
我們會在下一次繼續聊聊下半部分，也就是音樂劇的音樂、舞蹈和舞美。啊，感覺又是一個大坑呢！
註：部分圖片來源於網絡
參考書目：
《音樂劇的文碩視野》北京理工大學出版社 2006年
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如何掉進音樂劇這個大「坑」？