何藩出生於上海，1949年即隨家人移居至香港，曾經就讀香港中文大學新亞書院，為國際級知名攝影師，於1958年獲得攝影十傑冠軍，及20世紀電影導演。
在攝影界，何藩被譽為「東方布列松」，從1950年代至60年代，他拍攝的多幅作品，至今仍是老香港照片的頂尖之作。
他對光影的運用，作品中的強烈的美感，動人的戲劇性，宏偉的詩意。對影像的執著追求，謙遜的品格，影響了幾代攝影人。
「何藩是唯一一個拍攝 50、60 年代香港的人，他對光影的表達充滿戲劇性。更重要的是，他沒有試圖去記錄香港，而是用鏡頭捕捉人物，普通的香港人。
從他的照片中我看到人性，感到暖心，那些照片裡的人像自己家人一樣有親切感。」
——《何藩：香港回憶錄》
「我的天性是忠實地用攝影去表現自我，抒發我對這個世界的觀感，我的某些理想、某種寄望，都在拍攝的過程中。這種快樂，是金錢買不來的。」
—— 何藩
何藩經典作品：
去極樂世界， 1952/2007
何藩飽讀詩書，常從詩詞中獲取創作靈感，他認為中國古代的詩詞歌賦比很多導演的蒙太奇效果更棒。
視覺超越， 1998
清晨，2011
鏡湖，2011
何藩：我現在做的，就是用了從電影借來的蒙太奇手法，將我讀過的詩詞歌賦、文學、音樂等藝術融在一起，這不單是畫意、寫實或新浪潮派，而是把不同的派系融合，只要切合拍攝的環境、所要求的意境就可以，不需要為它界定派系。我最近幾年因為不可以出去拍照，又進不了黑房，只好利用計算機，將舊照並貼合成，探索不同創新的可能性，儘量道前人所未道。至於你說可能未必成功，我覺得攝影工作者或是藝術家，不一定要高調得自稱完全不要名利。坦白點，名利每個人都想要，但不要只為了名利，反而應不斷嘗試追求，就算失敗也可在創作過程中獲得無數**和滿足感，這是金錢買不到的。我自己就憑這信念來繼續創作。我覺得我一直創作下去，不是工作，不論成敗，都是享受；過程本身就已是享受，不是結果。
划船的長辮子女人，1963
何藩拍攝最多的就是香港的市井百態，他的作品在具有歷史文獻般紀實性的同時，又極富創意與藝術性。他了解香港的結構、港人的生活：弄堂裡的老人坐在小板凳上燒飯，身旁，小販拎著一串色彩鮮豔的氣球悠然走過；早晨的市場，霧氣與熟食的蒸氣瀰漫四周，賣土豆的小姑娘穿著圍兜，表情凝重；晾滿衣服的陽臺上，小孩和花貓同時探出了頭；金光燦爛的海面，艘艘漁船沐浴在霞光下，揚起了歸航的船帆……
學習的小女孩，1963
1952 旋律 Melody
1958 異向 Different Directions
充滿煙霧的世界， 1959
1959 兒童樂園 Children’s Paradise
《午後閒聊》，攝於 1959 年，何藩憑此作入選 2012 年攝影專業網站 Invisible Photographer「最具影響力的亞洲攝影家」，是香港唯一獲選者。獲獎點評稱其巧妙地將沙龍和新聞兩種攝影的優點融合在一起。 2012 年在其香港個展《昔日香港》中展出。
上海老茶館，1946
一天的結束， 1955
《夜幕降臨》，攝於 1954 年。何藩當時感受到北周文人庾信《哀江南賦》中那種「日暮途遠，人間何世」的意境，於是拍下這張照片。此照片經過五十年的考驗，仍是他最喜歡的作品之一。該作 2012 年在其香港個展《昔日香港》中展出。
何藩：現在年紀大了，發現事物的是非對錯美醜好壞標準，會因應時地改變，再翻看舊底片，我發現有時拍的當下只著重在主體，覺得拍得不好，卻忽略了原來照片中旁邊的遠景、人物拍得更好。我相信冥冥中有某種力量，也可以說是緣份，過了幾十年之後，讓我發現照片更好的一面。所以奉勸各位，回去將舊底片翻出來，可能會發現好珍珠。就如這張《School is Over》，我本來是想拍電車路的，覺得拍得不好，就沒有用到。到了後來發現電車路旁兩個小孩子放學的畫面更佳，就將它剪裁出來，放成淺色，做出少許不寫實的感覺。不要以為拍攝街頭巷尾就一定是寫實，街頭巷尾也可以是唯美、寫意、半抽象，這張絕對不是寫實，但也不能說是不真實，只能說是無以言之的一種實驗性方式。廣義來說，我在畫面上的剪裁選擇也可以說是我的創作，這就是攝影的妙處。這種作品也很多人買，所以各花入各眼，見仁見智。
他的小小世界，1960
一首悲傷的歌，1962
何藩：我很推崇攝影大師布列松，攝影曾被藝術評論家認為不能與其他藝術形式並列，就是布列松主張的決定性瞬間（decisive moment）提高了攝影的地位。如布列松等大師認為，攝影的獨特之處在於它的現場感，拍攝時的決定性時機就是創作的最頂峰，是最完美的人景配合、最高峰的感情表現，並最能真實清晰地曝露事件的真相，捕捉了最**的一刻。他主張作品在按下快門的一刻已經完成，後期再剪裁、加工，甚至加特技，已經可以說是不太理想。但我自己是修正主義。
1964 工作 Woks
何藩：像人像攝影，可以運用剪裁的變化有限，但街頭巷尾就可以有很多變化，象是貧富畫面的取捨，就已經是兩個不同世界，任由攝影師發揮，而關鍵就在於標題。有人說靠標題，不就承認照片有不足之處，要以文字補充？我認為文字是錦上添花。新書的作品《Forget Me Not》在我所嘗試的藝術工作中佔有重要地位。照片的背景是一九四幾年戰後的作品，而其中的女子則是五幾年時在影樓拍的。在半個世紀之後，我嘗試把兩張照片重疊在一起，發現兩者可以發展出一個愛情故事。這張作品的意涵來自詩句：「可憐無定河邊骨，猶是深閨夢裡人。」我想像新婚少女懷念戰亂中的離散，以及天人相隔的愛人。
1958 苦力和小販 Coolies and hawkers。
私人，1960
1958 香港午夜 Hong Kong midnight。
何藩：我喜歡菲林，到現在我還是拍菲林。我會用135相機， 雖然會很累，但依然有用6×6。我個人喜歡黑白更甚於彩色，但我有個疑問，是否彩色畫家比較優勝，就彩色來說，是否畫家畫出來比攝影創作有更大的發展？因為我看到不少數碼作品，彩色的變化可以說是天馬行空，用電腦處理後的效果可以和事先設計的非常不一樣，甚至可以出乎意料的好。這可能就是彩色攝影不夠繪畫出色的原因。有人說我是香港的Ansel Adams，Ansel Adams很注重視暗房效果，做出帶有戲劇性、莊嚴、充滿力量的黑色，但我發現他在同一個景色用彩色來拍，就沒了黑白的震撼力、魅力和味道。我不是說我有他那麼高水平，但我也重視黑白的戲劇效果，亦覺得只有黑白可以做出這種獨特味道。
何藩：另一個我喜歡黑白的原因，是黑白讓我跟現實有某種距離，這種藝術上的距離令我的作品不會太實。我不是反現實或非寫實，我的照片即使如何超現實，也依然會有實物的人像、影像。黑白照沒有真實世界的色彩，讓我可以從現實世界抽離一點。這種距離有種深度感、疏離感，一種半抽象或是超現實的味道，帶著點點夢幻的色彩，我喜歡這種似真似幻，若即若離的空間和味道。同時，也有一種觀賞者覺得這距離給他們一種思維、沉思回味的空間，亦提供了空間讓作者和觀者心領神會，神交相通。我覺得我拍彩色就會失了這種味道。不過藝術是很個人的，這只是我的主觀，人家怎麼想是人家的事，總之我盡其在我，我也相信觀者欣賞的是我的作品，不一定是畫意、寫實，或者新潮、抽象等不同派系。甚麼名堂沒有關係，總之適合的效果我就將它們放在一起。
人生的舞臺，1954
看那兒！1960
1952 施工 Construction
影子裡的生活， 1955
箭頭，1958
太陽光線，1959
1954 靠近陰影 Approaching shadow何藩：我主張不斷的嘗試、創作、實驗。將舊底片重新創作，有人或會說我旁門左道，但我想搞搞新意思，講得俗一點，我不想「食老本」。早期我以接近畫味的攝影風格為主，風花雪月，花前月下，而我初得的薄名和200幾個獎也是憑沙龍作品獲得，所以很多朋友會說何藩是沙龍派，但這是知其表面而不知其底蘊。早期我可以說是靠沙龍起家，但我中期也花了很大的功夫拍寫實攝影，用以求真，曝露社會醜惡，並刻劃民生疾苦。所以我的書也分三部曲，第一本是畫意，繼而寫實，近期的第三本書則是新派，既非畫意，亦非寫實，而是既有畫意又有寫實，因為即使我不特地運用，這些概念已經在潛意識裡蘊釀，可以說是自發的基礎。我這個人很隨俗，不想被人說我古舊、過時。所以在新作中，我將這兩者的精華，再加上符合現代潮流的科技和概念性的意象，將我幾十年的暗房經驗，配合現代人Photoshop的慣用方式，像是蒙太奇、合成、疊加等，將舊題材翻新，在作品中保留舊有精神，但採用新的表現方式，捨短取長，為作品賦予新的生命，達到新境界。我認為攝影有各種手法和風格，只要適合的就可為我所用，不用將自己限於某一派。有人問我屬於哪派，我也是一笑置之。
遠望，1958/2014
1955 老街萬花筒 Twins Alley
《勿忘我》，攝於 1949 年，再創作於 2012 年。
艱難的生活， 1949/2014
老香港印象，2011
迷失在其中，1951/2013
飄逝的日子，1966/2011
「將來有一天你變成我這麼有名，很多人看名字，就算這鏡頭擺得不好，別人也自然會從中找出優點。相反，如果你是失敗的藝術家，就從你好作品裡面找出骨頭。」
——費裡尼
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