2000年，臺灣導演楊德昌憑著他的遺作《一一》(A One and a Two)拿到坎城影展最佳導演獎，便成為多位影痴的傳世之作，而在主競賽單元，楊導《一一》卻敗在一位號稱「惡魔的小孩」所打造出來的「良心之作」；就這樣《在黑暗中漫舞》(Dancer in the Dark)成了拉斯馮提爾的第一座金棕櫚，也奠定了他的創作生涯最具標杆性的立足之地，後期他仍是坎城主競賽的常客，直到在2011年的訪談所說的「苟同納粹之言」被坎城逐出封殺（不過之後也靠《傑克蓋的房子》( The House That Jack Built )重回坎城非競賽單元），即使歷經許多爭議性的事件，但終究不會影響馮提爾如此前衛且大膽的作者思路，而《在黑暗中漫舞》是他給予盲目的世人的一番控訴，也是他所有作品之中最美麗的一部電影？
《在黑暗中漫舞》「純真」將被扼殺的警世
勾勒「人性本惡」的高端、抑或是揭露「人性本善」是多麼地虛偽，這是馮提爾作品之中的聳動駭人之處，影像形式也是如此猖狂；在後期創作出了、乃至於「幾乎成為撒旦」且滿口神論的〈抑鬱三部曲〉（《撒旦的情與欲》(Antichrist)、《驚悚末日》(Melancholia)、《性愛成癮的女人》(Nymphomaniac)），或是馮提爾將其視為自己的聖經的《傑克蓋的房子》，但是，要論馮提爾最貼近講求影像寫實的創作時期：無疑是他的〈良心三部曲〉；《在黑暗中漫舞》就屬這三部曲的其中之一，便從中探究何謂「偽善」？抑或是揭露「極惡」的高端？
開場映入眼帘的是不斷變換成不同形狀的色塊，便讓觀眾淡（進）入影像之中，隨之片名「Dancer in the dark」出現，手持鏡頭便搭上看似如此陳舊的畫面質感，在觀影上，對有些觀眾來說的確相當不親民、甚至有極度不適之感，在切換至歌舞橋段的蒙太奇，便是讓觀眾喘息的時機點，也是感受到角色們逐漸扭曲的轉捩點，我們將見識到的是「純真」即將被扼殺的警世。
嚴格來說，這次馮提爾葫蘆裡賣的藥不只是「反歌舞片」的戲劇結構及形式，也是反美國及反共產主義最為顯著的一次，在工廠隨之起舞的橋段，莫名令我聯想到了卓別林 (Charles Chaplin)的《摩登時代》(Modern Times)，雖說主角的內心小劇場具象化有點使用過多的現象，但並不是太大的問題，時而沉浸於美學、時而膽怯馮提爾的形式，便形成一種具有壓迫感的美麗。
片中的主角莎瑪說道：
「在歌舞片中不會發生不好的事情發生，播放所謂『最後一首歌』之時、鏡頭隨之拉遠，代表電影即將結束。」
典型的歌舞片戲劇形式，舉凡《阿瑪迪斯》(Amadeus)、《飛越杜鵑窩》(One Flew Over the Cuckoo's Nest)導演米洛斯福曼 (Milo Forman) 1979年的作品《毛髮》( Hair )就將其翻轉過，當然《在黑暗中漫舞》也不例外；即使在歡樂和諧的歌舞橋段之下，也能在電影結尾創造出一齣悲劇，《在黑暗中漫舞》對歌舞片結構的自知之明，便將其施加於結尾的戲劇張力；對歌舞片的戲劇結構而言，這是「最後一首歌」，卻在歌曲的最後一句歌詞還未唱完之下，一切戛然而止，成功呼應前段莎瑪對於歌舞片的見解，在所謂「最後一首歌」之前，選擇提前結束電影而離去。
之前，看到一些影迷覺得碧玉飾演的角色莎瑪是一個自私自利之人，個人並不認同這番見解，倘若覺得她在行為或思維方面很自私，便不會對她在結尾的遭遇感到痛心或是同情吧？莎瑪身為一個母親的角色，一方面她代表著「母愛」及「無私」、一方面呼應了馮提爾作品中諸位女性角色的「純潔」，失去了「良善」、卻也失去了「貞潔」，便也蒙上「道德」的雙眼，而莎瑪的天真、一個活在如此險惡卻又充滿謊言的世界，她選擇閉（蒙）上眼來感受其中的溫存或是良心，傾聽一切、卻也聽到了現實是多麼虛偽。
面對現實社會的人性本惡，不如瞎眼走入黑暗，馮提爾仍給了世界一個煽情的控訴，能否接受他的論點依然見人見智，畢竟這還是一部拉斯馮提爾的電影，傳達訊息的方式仍舊極端，一貫反社會、肆無忌憚的題材與形式美學，但終究馮提爾影像箇中藏著的訊息，點出了我們社會及人性之中最為病態卻又現實的一面，也許《在黑暗中漫舞》的結尾是如此地黑暗，卻也點亮了在黑暗之中的一絲光明，也許，閉上眼睛，想像自己正在上演一場歌舞秀，沒了尊嚴、卻保留了唯一且珍貴的純真。