2019年12月6日下午，無奇——曹林紙面作品展在煙臺美術博物館順利開幕。基於展覽的豐富性和多元化，曹林先生在現場積極與觀眾互動，主動要求為觀眾進行導覽，使觀眾更為清晰和深刻地理解了展覽作品所蘊含的藝術理念，展示出大家風範。
12月7日下午，應煙臺美術博物館之邀，曹林先生以「當代藝術的創作理念」為題，為大家奉上了一次精彩的講座。
曹林：
隨著社會經濟、文化和科技的迅速發展，世界的溝通越來越緊密，人與人的距離感急劇縮短，社會環境發生了翻天覆地的變化。在當代，藝術已經在全球範圍內有了廣泛的共鳴。
當代藝術家共處在國際化的大背景下。藝術家蔡國強始終持續探索以火藥創作繪畫的藝術手法，並在煙火設計方面進行創作，其中最廣為人知的便是他為2008年奧運會所做的腳印煙火設計。對於蔡國強來說，我們很難界定他是中國藝術家還是西方藝術家，因為它的創作已經不僅限於何種地域，而是通過強悍的作品視覺漫步全球，體現在不同文化裡自由往來的遊牧精神。其他藝術家比如雷姆 · 庫哈斯、扎哈 · 哈迪德、保羅 · 安德魯等當代建築設計師，他們同樣是在全球範圍內開展藝術設計，中國的中央電視臺新址大樓、北京大興國際機場、國家大劇院都是西方設計師設計的。
當代藝術泛指80年代之後的世界大面積人口群體意識的意識形態化覺醒後所發生的藝術生態中具革命性的藝術符號。藝術家們通常將20世紀末到21世紀的藝術稱為當代藝術。古典主義的藝術作品大多是在講述一個故事，而當代藝術更多地則是提出一個理念和思想。
古典主義確定了美的基本標準：線條、構圖、比例、色彩等等，到現代主義之後，這種標準被打破了，畢卡索的作品並不符合古典主義的審美標準，但是他所創立的立體主義對人類文化發展產生了巨大的影響。其作品獨特的觀察視角和表現方式對社會發展與科學研究都產生了巨大的推動作用。
關於當代藝術，有以下幾個突出特點：
1、對材料和空間的全新認知。藝術立足當代，要求我們開始在新型的人際關係上思考問題。我們的創新應從哪裡來創新？所謂的藝術價值應該從哪裡體現出來？從劇場藝術方面來看，現今很多劇場創作者不願意花費昂貴的價格去劇場觀劇，這樣就導致創作者不能深入去研究觀眾，研究當下人們對藝術的需求。這不僅是當下創作者面臨的最重要的話題，也是當代藝術在創作上亟待解決的問題。
2、強調互動性。當代藝術要求我們建立人與人、人與作品之間的新型關係。無論是作品本身還是展覽形式，我都在努力嘗試做一些能夠與觀眾互動的作品，這些作品在某些程度上也是完成了藝術創作的一部分。
3、強調發散思維。傳統的觀展形式中創作者和觀者之間是對立的，創作者提出藝術理念後讓觀者去理解創作者的情感與表現手段。而當代藝術更多的是需要觀眾發散自己的思維，藝術家提出問題和看法後，讓觀眾去尋找答案。
我的所有作品都是沒有主語的，無論什麼情緒都是中性的表達，所以這些作品才能引起觀眾的思考，千人千解。
4、作品的可複製性。中國傳統文人有著清高的秉性，他們大多不願意把自己的作品當做商品，但當今時代，藝術品能夠擺脫傳統標籤成為商品本身就體現了其價值所在，而文創行業的普及也體現了全民藝術文化素養的進步。
5、當代藝術與生活密切相關。因為工作原因，我的時間多是碎片化的，基於此，我的作品都是繪在信紙上、筆記本、便籤上，最大也不過是巴掌大小。這些作品不單是藝術作品，更多的也是我對生活中所見所聞的一種理解和記錄。
中國舞臺美術學會是中國舞臺美術行業的核心組織，主要工作就是在戲劇舞臺上進行創作，包括布景、燈光、服裝、化妝、音響等等。早期的舞臺美術更多是劇場中的視聽藝術。作為中國舞臺美術學會會長，我肩負著舞臺美術的發展與變革的重要任務。所以我提出了大舞美觀念，讓舞臺美術走出劇場，與自然和社會相結合。
現今的實景演出已經非常普遍，據不完全統計現在的大型演出已有200多個，比如由張藝謀、王潮歌、樊躍導演的「印象」系列、「又見」系列等等。2018年青島舉行的上合峰會大型景觀演出呈現出的視覺效果也依賴舞美創作者的不懈努力。
2016年，首屆隆裡國際新媒體藝術節在貴州隆裡古鎮舉辦，至今已經成功舉辦了三屆。隆裡古鎮坐落在黔東南，有著500多年的歷史，在選址之前，我們團隊考查了全國很多地方，最終選擇了這個原始古樸與人文氣息豐厚的古鎮，把當代藝術品鑲嵌其中，讓藝術與古老文化碰撞出新的火花。
作品展示：
作品名：《拓….》，2016年
作者：梁溪清
作品材料：矽膠/數字投影/燈光、音響
作品藉助一個正在修復中的古建築框架，嵌入浮雕和數字投影，形成一個具有參與性、互動性、生長性的行為影像裝置。作品內容素材均取材於隆裡古鎮。浮雕採用矽膠材料，拓印了隆裡古城元素，用歷史印跡所產生的肌理為載體，演繹古城的過去與現在。作品展陳方式分為晝夜兩種形式：白天，邀請當地藝人在作品內現場進行「花臉龍」的繪製行為，為願意參與的觀眾繪製花臉，並在現場用稻草編織草龍，播放《隆裡之音》。夜晚，用數字投影展現名為《隆裡之影》的音像作品。燈光打在殘舊的古建築骨架上，影像投射到用綜合材料拓印的浮雕上，呈現一個新媒體藝術語境下的人文隆裡。
作品名：《共生／Symbiosis》，2018年
作者：Silja Senn、Friederike Helmes、譚文科、孫文彧、王喬喬
指導教師：曹林、劉小慶、Nadia fistarol
作品材料：古建築空間／宣紙雕塑/數字投影/燈光／音響
來自中國和瑞士兩國不同文化背景下的青年藝術家，共同合作，利用具有500年歷史的古鎮民宅，在4個相聯的獨立房間內演繹「問」、「尋」、「現」、「境」4個沉浸式場景，分別運用裝置、投影、燈光、音效，分成4個觀測點與觀眾互動，觀眾在戲曲演員的表演引導下逐漸進入演出空間。這種特殊場域下的表演，使觀演關係同時打破既往程式而脫離自我。如果一種思想必須由一個受體來顯像，當把虛空作為受體時，「我」是否還存在？在這個作品裡，「樹」是虛幻的數據，「根」是實誠的載體。《共生》試圖通過沉浸式演出的方式，帶領觀眾思考人格化數據和「自我」能否共同存在。
作品名：《介休的歐哥給隆裡的春萍做唐裝》，2017年
作者：阿寬
創作材料：送快遞用的電動三輪／布料
這件作品應邀參加「第二屆隆裡國際新媒體藝術節」的「青年設計師提名展」，展覽的主題為「距離」，規定作品呈現方式必須在一輛送快遞的電動三輪車上完成。作者阿寬是一位戲劇服裝設計師，他採用一個行為過程作為特殊表演方式，解讀對「距離」的獨特認知。他請自己的助手——來自山西介休的裁縫歐哥，和在本地邀請的春萍姑娘，共同扮演一對戀人，歐哥在為期5天的時間內，現場為春萍縫製唐裝，並用多彩布料把送快遞用的電動三輪車裝飾成象徵性的婚慶彩車。表演過程中的歐哥身穿傳統漢族服裝，春萍身著苗族服飾。作者把距離感濃縮到車軲轆上，用物理空間上的距離顯現人文心理上的距離。
作品名:《靜·像》,2018年
作者：周鈺棋、劉盛元、謝子玄、王禕晨、曹婉琪
指導教師：伊天夫、沈倩
作品材料：亞克力板／石雕/鏡子/數字投影/燈光、音響
作品用26塊刻有金剛經的黑色亞克力板，以燈柱為中心，圍繞鏡面反光板和石雕佛像組成空間裝置。裝置分為內外兩層，當燈柱兩邊的反光鏡和凸透鏡轉動時，四周的環境會出現經文轉動的景象，形成如同藏傳佛教轉經筒的內部運動空間。作者充分調動實空間與虛空間的相互作用力，在古鎮的深宅大院中，觀眾既可以漫步裝置之間，也可以坐在庭院的蒲團上，與轉動的鏡面進行互動。動靜相生，通過佛像、經文、光影這三大元素來營造出一個沉浸式空間。進入這個空間的觀眾，可以從反光板中照見自己，並在此感受身臨其境，平心靜氣，抬頭閱讀經文，低首耳聞佛語，藉此環境以常觀內心，明心見性。
作品名：《Shelter · The Mirrored Sight/明鏡臺》，2016年
作者：李豪
作品尺寸：15㎡
作品材料：竹／木／玻璃
作品分為兩層，上層供人眺望賞景，下層則是休憩空間。作品安放在龍溪河畔，一個觀眾不可觸及的區域，形成遙遠的「稻田裡的孤島」。作者以多媒體形式創造了一個介入物，在自然環境的合理性中呈現出一種不合邏輯的「彼岸物體」。對於觀眾來說，「孤島」僅僅是一個文化符號，但對於隆裡古鎮當地人來說，卻是每一個個體的真實生存困境。從邊疆軍事屯堡到偏遠普通鄉村，從漢人內部通婚到與當地苗侗聯姻，隆裡與周邊的關係從隔閡走向融合。作者試圖以「明鏡臺」裝置構建出隆裡的一個「鏡像」，集中表達隆裡與周邊社會的關係，並為人們提供一個休憩與眺望的地標式場所。
作品名：《蟲蟲心事》，2017年
總導演 ：周小波
執行導演：馬琳
裝置設計：龍慶華、王亞興
視頻設計：林彤、何霜、申夢鴿
視頻製作：卿燕君、寧少梅、羅小漁、孫沐宣、龍許容
造型設計及製作 ：四川美術學院14級戲劇影視美術設計專業
裝置製作：熊成霖、高尚浩、劉旭、林子琪、陳子怡、伍先銀、劉雅琦、毛雲鵬、秦郡蔓、梁家裕、魏越
多媒體裝置短劇《蟲蟲心事》，藉由昆蟲的微觀視角觀察世界，解讀生命、生存和生態的宿命，是一部以多種媒體技術和造型裝置支撐的跨媒體小型實驗戲劇。白天是一個景觀裝置，夜晚配合燈光和音響效果變成一個小型劇場。作品融合戲劇、當代藝術和中國非物質文化遺產等多種形態和表達語彙，發揮視覺創意下媒體技術的場域空間適應性，營造出亦真亦幻的虛實世界。這是一部「成長中」並「成長著」的戲劇作品，每一次現場演繹，都力求使用全新的體驗者、媒介載體和特定空間，突破「第四堵牆」，營造新型戲劇觀演關係。
作品名：《YuanYuan/圓圓》，2017年
作者：曹林
設計助理：孫文彧
燈光設計：李慶海
作品材料：充氣氣模／燈光／音響
作品尺寸：49M×16M×9M
作者以一個體態大如波音飛機的充氣螞蚱，賦予渺小以偉岸。作品被安置在萬畝稻田當中，到夜間則配合燈光和音響設備，形成一個巨大的景觀裝置。作者把記憶中的鄉村田野，用出乎意料的的視覺反差加以表達，讓平凡的事物變得不同尋常，使藝術的特殊形式、宏大的戲劇衝突在這裡同步發生。當藝術觸及感情，真正介入鄉村生活後，必定會波及到原有的秩序與結構，那麼即使再溫和的表現手段也將炸裂日常而有序的鄉村生活。作者意在用通俗化表現形式闡釋當代藝術的深刻內涵，通過藝術與這個世界達成和解，使人與自然的關係趨於和諧。
作品名：《無垢》，2018
作者：羅意軒、莫伊玲、韋莉、孫冰、李展任
指導老師：林燕、於蘭、馬國彪、王錦戈
作品材料：竹、木／數字投影／布料／燈光
這組作品的源起，是作者們了解到隆裡古鎮的小學生缺失美術的課程教學，便自發組織到隆裡小學支教，給孩子們教授美術課程，以力所能及的方式努力讓當地兒童感受藝術的魅力，開啟繪畫的啟蒙。他們組織並輔導隆裡小學的學生進行繪畫創作，把整個過程拍攝影像記錄，經過後期編輯，形成完整視頻，然後把視頻做為作品的一部分，在展示現場呈現給觀眾。而視頻的投射媒介，則是那些隆裡當地的孩子們畫在白布上的兒童畫。所以說，《無垢》這件作品，是廣西藝術學院的師生與隆裡古鎮兒童共同創作的，這對增強當地居民對藝術的參與感與認同感大有益處，也是推進藝術教育、提高民眾審美水平的一種實踐。
作品名：《之間／Dazwischen》，2016年
作者：Niki Passath
作品材料：紙/油墨／機器人
作品規格：137 cm×178cm
Niki Passath用一套自製的繪畫機器人，創作系列作品「dazwischen」（之間）。這些裝置尺寸較小，每個都有不同的運行速度和力度，它們自身攜帶顏料，開啟後會按照自由程序在平面繪圖紙上運行，通過藝術家的幹預，機器人會停頓、倒退或者拐彎。另外，藝術家可以控制顏料噴繪裝置，調整用筆力度、筆道寬窄、線條粗細和顏色關係。在整個創作過程中，機器人的自由運行與外來的人為幹涉形成戲劇性矛盾，讓作品充滿不確定性。由於所有作品都是作者在展覽現場完成，所以Niki認為創作過程中與觀眾的談話交流非常重要，最後完成的作品就是交流的視覺化。他要表達的，就是人們在交談過程中真正精確理解他人的意思是不可能的。
作品名：《為了月亮／For the Moon》，2017年
作者：Ulrike Möschel
作品材料：竹、木／塗料
作品尺寸：430cm×265cm
作者將竹篾編織的魚簍放大尺寸，塗上銀色，安置在遍布殘荷的古鎮池塘裡。月光下，那超大的尺度和華貴的銀色，象徵著夢幻和達不到的欲望。作者在駐留隆裡古鎮期間做了大量田野調查，發現民間的魚簍非常適合作品思想的表達。編織這樣的魚簍是一種非常古老的技藝，如今已經瀕臨失傳，由於現代文明的更迭，這門技藝在慢慢地被遺忘。在作者所具有的歐洲教育背景中，魚簍和魚具有深遠的文化符號意義，耶穌就曾經稱自己是「人類的漁夫」。在另外一些美好的寓言當中，漁人與魚的故事也屢被提起。在黔東南一隅的隆裡古鎮創作這個作品，其背後所蘊含的哲學意義更加複雜，它更像一個巨大的漂流瓶，將觀眾帶向未知的精神領域。
作品名：《王昌齡與龍標書院》，2017年
作者 ：楚楚
指導老師 ：王晉
視頻製作：劉金亮、楚楚
現場播控：劉金亮
作品採用建築投影的表現形式，把視頻投射到隆裡古鎮的龍標書院正立面外牆上，產生震撼的視聽效果。視頻內容表現唐代詩人王昌齡被貶此地，為開化蠻荒，教化民眾，遂率當地人民興建龍標書院的歷史故事。作者在實地測繪基礎上，採用3D建模技術，動畫拉線、填磚、上梁，逐幀重新建築龍標書院，同時在影像中疊加隆裡古鎮幾經興衰的戰爭畫面，清晰生動地展示了隆裡的文化背景及建築特點。龍標書院是隆裡地標性建築，也是當地漢族文化和苗侗民族文化的一個交融點。戶外投影的藝術形式，可以更直觀地演示和傳播優秀傳統文化，對當地的文旅發展產生極大推動作用。
作品名：《聆聽》，2016年
作者：陳賽華灌
作品材料：不鏽鋼
作品尺寸：220cm×140cm
這件作品被安置在隆裡古城迎恩門外的小型廣場上，為青山、綠水、稻田和村莊所環抱。其聆聽與對話的創作目的，明顯指向人與人、人與自然的關係。作者認為每個聲音都擁有自己的身份，隨著外來遊客的不斷湧入，當地村民的生活隨之發生潛移默化的變化，這件互動作品所具有的互動性，為觀眾提供了獨特的聆聽經驗——來往的村民和遊客都可以站在喇叭口說話、唱歌——傾聽自己內在的聲音。有趣的是，作品被安裝完成以後，村民們在閒暇時便在這裡聚合，跳廣場舞的時候，打開手機的播音功能並放置在喇叭的入口處，被放大的音樂從喇叭口傳出後就會更加渾厚。村民和遊客的參與，共同完成了作品二次創作，某些程度上延伸了作品的社會功能和價值。
作品名：《淋漓/Dripping》，2016年
作者：鄭路
作品尺寸：500cm×300cm
作品材料：不鏽鋼
這是鄭路的系列作品《淋漓》之一。固化的墜落「水滴」被安置在龍溪河中央，用新媒體藝術形式完成了戶外展示的轉化。通過對自然環境的利用，與日常勞作的村民形成對話。和金屬雕塑外觀完全不同的面貌下，內部的線索依然是對於水的思辨。水總是處於運動變化之中，由此聯繫到物質世界的內部形態，以此隱喻人心，表面波瀾不驚，實則暗流湧動。作者將物質與精神、時間與空間等概念納入自成體系的觀念構架中，傳達了一種對成熟社會化體系的「出走」意識。他的系列作品充滿了對生命狀態多樣性和可能性的自我思考，形成自己獨特的雕塑語言。
作品名：《隆裡草堂》，2016年
作者：張旭
作品尺寸：2600cm×1000cm×700cm
作品材料：竹/稻草
身為舞美設計師的張旭，參照黔東南苗侗民居風格語彙，設計了簡易牢固的建築結構，採用產自當地的廉價自然材料——毛竹和稻草，在荷塘邊搭建了這個作品。隆裡草堂在群山環抱下，既與自然融為一體，又形成一個地標性的公共空間。在隆裡國際新媒體藝術節期間，這個草堂作為核心會場，舉辦了多場專業論壇。藝術家們在此坐而論道，蛙鳴和蟬叫聲透過與外部空間相互貫通的門窗傳入室內，蝴蝶在會場中飛來飛去。作者的創作理念，通過詩情畫意的現場感傳達給每個人。藝術節結束後，村民們可以在此休息、喝茶、聊天，成為公共社交平臺。美好的藝術情趣，通過隆裡草堂慢慢擴散，潛移默化地影響著當地人的日常生活。
作品名：《甦醒——光立方》，2016年
作者：李風
作品尺寸：1000cm×1000cm×1000cm
作品材料：鋁合金/LED
從600年前的明朝，隆裡古城開始有第一支漢族駐紮部隊，人們在這裡生活繁衍，發展到如今的新媒體藝術時代，就如同一個「點」連成「線」，繼而又漸漸輻射成現代文明的「面」——猶如從沉睡中甦醒一般。作品《甦醒——光立方》以一個可以發光的多層正方組合模塊作為創意載體，用計算機在現場隨意編程，通過LED發光裝置，形成點、線、面和方位、長短、顏色的複雜變化，並與立方體的外層網面投影畫面相結合，加強了視覺效果的更多可變因素，隱喻了從0到1的無限可能性。同時，作品採用舞臺美術的設計理念，綜合了聲與光的效能，增強了藝術創作與自然環境之間的戲劇感，給觀眾帶來新的審美經驗。
作品名：《行走的紅椅子》，2016年
作者：李歡
作品尺寸：45cm×45cm×63cm
作品材料：松木
中國傳統戲曲舞臺上的典型程式化道具為「一桌二椅」，不同的擺放方式產生不同的虛擬空間，為演員提供表演支點，給觀眾提示劇情場景。作者從中萃取「紅椅子」的符號價值，形成獨立裝置作品，旨在通過不同場景下的多種排列組合，傳達傳統精神的當代時尚理念，打造文化新符號。當紅椅子自己走出劇場，走入生活，生活就是舞臺；走向世界，世界也是它的舞臺；走近記憶，人生將是更大的舞臺。這關乎傳承，關乎創新，更關乎身份認同和價值判斷，而簡約的木匠工藝背後，潛藏著中國式的審美感受和生活觀念。這一組裝置作品從2015年創作完成以後，已經在國內外一百多個景區背景下展示過。
作品名：《神鬼夜行》,2016年
作者：阮佳楠，張潔野
指導教師：王之綱
作品材料：宣紙/光纖/水霧機/數字投影
整個作品使用中國傳統材料，構建微縮的靜態山水園林景觀，在水霧上投影動態的神鬼形象，動與靜、藏與露相結合，營造一種神秘的東方氣氛。作品所展現的「鬼」，是一種映射人性的媒介。既充滿了對現實的控訴與戲謔，同時又飽含著對人性單純美好的希望，它的戲劇性在於融合了極端的醜惡和極至的單純。把古老的文化遺產、冰冷的物質材料和龐雜的數字信息組合在一起，通過設計和藝術創作的再加工，展現出新鮮的生命力。當未來人工智慧發展到比你自己都更為了解你自己，然後運用「情感」和「智慧」來控制和俘獲你的靈魂，那我們該如何撥開這重重迷霧，擺脫這「惡鬼纏身」的束縛與美夢呢？
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