著名導演李安年底將推出全新力作《半場無戰事》，技術上進行了大膽嘗試——史無前例地使用3D/4K/120幀的攝製格式，因此被視作一部足以引發電影技術革新的作品。
在李安的導演生涯中，他一共獲得三座奧斯卡金像獎兩座威尼斯電影節金獅獎以及兩座柏林電影節金熊獎，因此《半場無戰事》能否引領技術革命，備受矚目。
但是，好萊塢金牌導演史匹柏曾質疑了李安對於120高幀率格式拍攝影片的嘗試，坦言自己不喜歡高幀率，還是更喜歡原始的電影拍攝，否則就失去了電影超脫現實的意義。
儘管《半場無戰事》沒有上映，毒藥君還沒有看到全片，但感覺只是在電影拍攝方式上實驗，很難引領電影工業的技術革命。那麼，有哪些技術革命改變電影的進程呢？
從19世紀30年代開始，科學家們一直為發明活動攝影技術而努力，路易·盧米埃爾發明了 「活動電影機」，並拍攝了50多部短片，表現了1900年以前資產階級的生活，娛樂和閒情逸緻。
1896年，《火車進站》是路易·盧米埃爾這位發明家兼攝影師在一個洗臉盆裡衝洗出來的 。膠片只有17米長。用當時的手搖放映機減低了速度，可以放映1分鐘左右。
本片的機位選擇很經典，火車從景深處的右上方往左下方，右側是站臺上乘車的人，1895年的法國人的穿著，火車的形狀，以及人們別離與歸來迎來的場景，被永遠地紀錄下來。
當年的觀眾因為從來沒見過電影，以為火車將要從熒幕裡衝出來，都嚇得四下逃竄。
從驚奇，到日常，便是這百年間技術革命的一個縮影。科學造夢，也吞食夢。
1902年，《月球旅行記》不僅開創了科幻片的先河，它使得電影上升為施展幻想的平臺和提供娛樂的工具，也是名副其實的影史裡程碑。
劇情取材於儒勒·凡爾納的小說《從地球到月球》和威爾斯的小說《第一個到達月球上的人》。編導採取科幻劇的傳統風格，表現了一群天文學家乘坐炮彈到月球探險的情景。
編導兼監製梅裡愛系舞臺演員，同時又是魔術師，他在影片中大膽嘗試了疊影、淡入淡出等當時全新的手段。片中融合了大量舞臺特效，現在電影的很多手法均可在本片認祖歸宗
技術革命三
蒙太奇，字面解釋為「剪接」之意，然而就本質而言，蒙太奇是指電影創作過程中處理時間和空間的藝術手法。1920年，眾多蘇聯導演掀起的蒙太奇藝術風潮，即是針對電影剪接的一系列影像實驗，也讓電影脫離固定的、線性的敘事，開展了純粹影像藝術的形式探索。
1925年完成的《戰艦波將金號》，愛森斯坦導演將影片濃縮為波將金戰艦的反叛及與沙皇軍隊的對抗上，奠基於五幕劇的古典戲劇結構之上，成就了這部蒙太奇美學的經典之作。
《戰艦波將金號》不僅是愛森斯坦蒙太奇理念的完整呈現，片中豐富的影像元素、隱喻、母題串聯、純粹音樂性的形式建構、以及形式概念的辯證思考，即使百年後的今天，都具有無法超越的藝術價值。
或許就像片中那隻運用蒙太奇手法而站起的石獅，影史地位永遠屹立不搖
千萬不要以為1939年《亂世佳人》才是彩色電影標誌，這其實是訛傳。
早在黑白電影時代，彩色電影技術就經歷過多次的演變，包括1910年的18分鐘的《Checkmated》、1911年的《La Tosca》從1910年到12年，英國一共出品了54部劇情彩色片，而美國也推出4部彩色片，但都僅是實驗性作品，直到1935年的《浮華世界》才開始成熟。
影片改編自英國小說家威廉·梅克比斯·薩克雷的諷刺小說《名利場》，片名卻使用「Becky Sharp」這個人名，而內地版本常見譯名是《浮華世界》。該片到新技術的影響，畫面中色彩豐富，飽和度高，甚至大量運用補色關係的顏色。
彩色電影的誕生，豐富了電影的表現形式、視覺效果、藝術風格，從而使色彩真正作為一種元素、手段、風格進入了銀幕的世界。由此，開始了彩色電影製作時代。
在聲音進入電影之前，人們總是藉助樂師給電影配樂，例如1908年的法國影片《吉斯公爵被刺》，就是由著名的作曲家聖·桑專門為它作曲。當1927年美國出現有聲片之後，上述情況發生了根本的變化。伴音不再只是配樂；環境音響和對白的闖入銀幕，使已趨成熟的影像藝術面臨改型的危機。
1927年10月6日又首映了由A.克羅斯蘭導演、A.喬生主演的有歌唱、對白、聲響的《爵士歌手》，觀眾突然聽到主角開口說了話：「等一下，等一下，你們還什麼也沒聽到呢。」這一句話，標誌著一個新時代的來臨，也使歌舞喜劇演員喬爾森大享盛名。
有聲電影的誕生，彌補了觀眾的聽覺缺憾，更使得使好萊塢，成為全球最有影響力的文化和商業中心。
上世紀50年代，電視的出現，曾使得電影受到巨大衝擊力，許多人認為電影院沒有存在必要。這時，幾部彩色寬銀幕史詩大片，特別是驚世駭俗的昂貴巨製《賓虛》的出現，讓人們意識到寬銀幕的重要性。
況且威廉·惠勒導演的《賓虛》在奧斯卡大獎上，被提名12項，奪獎11項，創造影史奇蹟。直到《鐵達尼號》《指環王3》才持平記錄，堪稱米高梅電影公司難以超越的巔峰。
其波瀾壯闊的史詩性敘事，宏大雄偉的布景與戰爭場面，因而被視為名垂影史的力作。史詩巨製《賓虛》取悅了觀眾，讓寬銀幕引領了觀影熱潮，一項新技術革命也拯救了電影。
雖然膠片時代就一直發展著各種各樣的視覺效果，但是能實現的效果畢竟有限。70年代計算機的發展讓CG的應用逐漸成為可能。1971年到1975年之間，CG技術在幾部影片裡都有實驗性的應用，直到1977年的《星球大戰》誕生，才使得虛擬CG特效片開始成熟。
其實早在1975年，喬治·盧卡斯導演的工業光魔公司就開始建立用於《星球大戰》所需要的虛擬CG視覺效果。這項技術通過事先設計並精確重複攝影機的運動軌跡，讓運動鏡頭中的複雜特效合成變得更加簡單，讓實拍場景中的鏡頭運動可以與虛擬CG世界完美融合。
正是《星球大戰》開創了一種嶄新的模式，從這個起點開始，美國電影工業的計算機視效人才被真正培養起來。
1922年，世界上第一部3D電影是《愛情的力量》，遺憾的是影片很早之前就已經遺失了。早期3D電影都以展示立體效果為主，常以指向觀眾的槍、扔向觀眾的物體為噱頭。
1936年利用雙鏡頭攝影機和偏振片可以造出具有立體效果的影片，但此技術具有不少限制。之後，從RealD三維等技術發展，到《阿凡達》空前賣座，立體影片才進一步被廣泛推廣。
該片製作成本超過3億美元，刷新影史票房記錄的表現，再一次坐實了卡梅隆導演是「吸金機器」的美名。《阿凡達》給人們帶來了久違的、足堪載入史冊的3D視聽震撼，很可能成為電影史上第四次技術革命的分水嶺。
隨著藍光播放系統和家庭影院系統的普及，傳統35mm膠片和2K數字2D電影已經沒有多少優勢了，栩栩如生的3D立體顯示越來越成為電影技術的未來。《阿凡達》奠定了主流的3D影片的製作模式。
人們對電影技術革命的追求，也從未間斷過。
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