2019年7月16日上午，由上海音樂學院主辦，上海音樂學院科研處、中國當代音樂研究與發展中心承辦的國家藝術基金《歌劇理論評論人才培養》項目，迎來了法國音樂學家科蕾娜·斯奈德教授為學員們精心準備的第三場講座。本場講座由項目負責人錢仁平教授主持，溫德青教授擔任法語翻譯。
在前兩場講座中，斯奈德教授從宏觀上總結了1990年以來西方歌劇中的戲劇觀、美學觀、聲音技術和法國歌劇的新形式，本場講座則聚焦法國現代歌劇中的敘事結構和舞美設計，並針對性地選取凱婭·薩裡亞霍（Kaija Saariaho）的歌劇《唯聲遺留》（Only the sound remains）進行了分析和講述。
1990年以來法國現代歌劇的敘事結構和舞美設計
斯奈德教授講座綜述之三
講座伊始，斯奈德教授延續前兩場講座中所探討的問題，再次對「法國現代歌劇」進行了界定，指出：「法國現代歌劇」這一概念的決定性因素並不是作曲家的國籍（比如法國現代歌劇作曲家凱婭·薩裡亞霍和麥可·賈雷爾即分別來自芬蘭和瑞士），也不是歌劇所使用的語言（很多法國現代歌劇使用的是其他國家的語言）；而是取決於歌劇作品的創新性、現代性、藝術風格和技法構成（比如具有鮮明法國現代音樂特徵的頻譜技術和電子音樂技術）；尤為重要的則是歌劇的社會功能，即不以娛樂大眾為目的，通過歌劇引發人們對自身及社會問題的深刻思考。這也就相應地構成了法國現代歌劇的生態環境：一方面，觀眾嚴重缺失，畢竟絕大多數的人欣賞歌劇是為了愉悅和休閒，而法國現代歌劇的先鋒性及其藝術表現的複雜和晦澀與這一目的相悖，是造成觀眾缺失現象的原因之一；另一方面，政府大力資助，其所看重的正是法國現代歌劇的社會功能，並通過它來傳達政治理念和構想。這進一步引申出一個結論，即法國現代歌劇服務於政治，代表著政治，屬於「政治藝術」。值得借鑑的是，法國政府雖不惜重金資助現代歌劇創作，但並不幹涉藝術家們的選題和藝術手法，給予他們充分的自由空間。
一、法國現代歌劇的敘事結構
法國現代歌劇顛覆了傳統歌劇的線性敘事結構，體現為抽象性、多維式、碎片化的結構特徵，並涉及音樂、劇本、歌詞、表演、舞美、道具、服裝等各結構要素。始於1930年的「新文學」運動——即主張沒有開頭、結尾的文學創作，可視為這種結構方式的發端。法國導演克勞德·夏布洛爾（Claude Chabrol）於上世紀六十年代亦在自己的電影中嘗試了這樣的結構方式。相較於文學和電影，真正意義上的非線性敘事的法國現代歌劇出現較晚，可總結為以下四個特徵：
1.拒絕浪漫主義風格的主題和情緒；
2.強調表演的客觀性和角色間的距離；
3.對位式的時空結構；
4.演唱和行動不再是彼此的解釋和插圖（Illustration）。對於所敘述的主題也從具體的事件轉變為夢想、哲學、形上學、超自然、詩歌和反思等。
案例分析1：作曲家喬治·阿佩爾吉斯（Georges Aperghis)創作於2009年的歌劇《布林格林》（Les Boulingrins)。該劇圍繞一個家庭而展開，舞美設計將多個場景相疊置，猶如一所住房的橫切面，主要敘事特點是同時展現各家庭成員在不同的時間和空間中的行為和情緒，音樂則由不同時空的疊置構成多維音響的對位。
案例分析2：作曲家菲利普·馬努裡（Philippe Manoury）創作於1996年的歌劇《第六十個平行》（60eParallèle）。該劇講述了乘客們因飛機延誤而困於機場的一小時內所發生的事情。與上例歌劇《布林格林》異曲同工的是，所有的事情都在不同的空間中同時敘述，比如商人因不耐煩而嘶吼的同時，年輕人正在若無其事地聽著流行音樂，凡此種種，所有行為都在「平行進行」，所有因行為而產生的聲音被糅合在一起，呈現出不同的情景、人聲、節奏、器樂音色、甚至音樂風格的對位。該劇的動力和張力基於人物因等待而產生的緊張關係和不同的反應，並不是他們各自的背景。作曲家試圖通過該劇表達如下觀點：因飛機延誤而造成的緊張局勢是突然爆發的，而非逐步推進而成，就像我們很難解決生活中突如其來的種種問題一樣。有意思的是，當機場廣播中傳來恢復登機的消息時，所有的問題就如同它發生時那樣，瞬間消失了。現實生活中的話語與其說是對現實問題的解釋，不如說是對現實問題的掩蓋。該劇鮮明代表了馬努裡歌劇創作的兩大特徵：真實樂隊與電子音樂的互動、空間戲劇化。
案例分析3：作曲家麥可·萊維納斯（Michael Levinas）創作於2004年的反種族主義歌劇《黑鬼》（Les Nègres）。該劇音樂受簡約主義影響，將序曲中的動機素材貫穿於整部作品，以滾動式的重複作為前進中的主導動力，並籍此象徵種族主義傾向依然留存且延續，黑人的命運一直處於重複中，從來沒有改變過。需要說明的是，大多數法國現代歌劇的音樂創作都追求頻繁的變化，每一幕、每一場、每一段的音樂材料都在更新，歌劇《黑鬼》的簡約主義式音樂處理是較為罕見的。同樣包含重複性因素的作品還有前一場講座中所分析的彼特·厄特沃（Peter Eötvös,）的歌劇《三姐妹》（Trois Sœurs）。
二、法國現代歌劇的舞美設計
在談及這一問題時，斯奈德教授首先向學員們展示了作曲家帕斯卡爾·杜薩潘（Pascal Dusapin）的歌劇《浮士德，最後的夜晚》（Faustus,The Last Night）DVD封面，以使學員們對法國現代歌劇的舞美設計有一個直觀的感受。進而，斯奈德教授將法國現代歌劇的舞美設計歸納為四種類型：插圖和現實性（Illustratif et Réaliste）舞美設計、象徵性(Symbolique)舞美設計、抽象性(Abstrait)舞美設計和偏移性(Décalé)舞美設計。
插圖和現實性舞美設計如歌劇《第六十個平行》，其中包含了飛機、跑道、候機廳、長椅等與機場有關的舞美元素。象徵性舞美設計如歌劇《浮士德，最後一夜》，整個舞臺是一個傾斜的鐘錶盤，象徵著時間的循環與流逝。抽象性舞美設計往往只使用一些色彩，在華格納的部分歌劇中已經有所使用。偏移性舞美設計是指，舞美所傳達的視覺信息與歌劇的情節、角色、音樂、歌詞等因素背道而馳、毫不相干。比如當歌劇正在敘述沉重、嚴肅的主題時，舞美卻呈現了一片溫暖愜意的沙灘，具有一定的諷刺性。
舞美設計的革新也牽涉到歌劇演員的肢體語言，法國現代歌劇的表演跟傳統歌劇中以唱為主的展現方式截然不同，要求歌劇演員就像電影演員那樣具有更為豐富的表情、身形和動作。
案例分析4：歌劇《浮士德，最後的夜晚》。這是一部獨幕歌劇，總時長1小時30分鐘，由彼得·穆斯巴赫（Peter Mussbach）執導。該劇靈感源自克里斯多福·馬洛（Christopher Marlowe）作於1588年的《浮士德博士的悲劇》（La Tragique histoire du docteur Faustus），劇本由作曲家杜薩潘用英文撰寫而成。杜薩潘扭轉了這個廣為人知的西方藝術形象，比如浮士德不再是受人敬仰的學者，比如文藝復興時期的人們由對絕對知識的追求轉化為對絕對權力的渴望，等等。這樣的人物重塑更符合現代歌劇的審美，也更貼近我們這個時代。正如作曲家所言：「浮士德比以往任何時候都更加自戀，這是我們文化的突出特徵。我對這個角色很著迷，但我不希望他站在未來的光芒下，他今天展示了一種深刻的冒犯精神的東西：傲慢、自負、恐懼和貪婪等。因此，我設定的浮士德，是一個狂徒，完全被終極知識，即『光明』所迷惑，整部歌劇就是對控制、佔有和統治的象徵。」
該劇舞美的鐘錶盤上只有11個時間刻度，浮士德（男高音）因錶盤傾斜而狼狽地糾纏於分針之上，隨時都有滑落至萬劫不復的可能，而魔鬼梅菲斯特（男中音）則安坐於時針之上。浮士德將靈魂出賣給梅菲斯特，渴求魔鬼能夠在自己臨死之前告知他想知道的一切答案，包括「我為什麼在這裡」的哲學命題，而魔鬼始終避而不談，全劇即圍繞二人的對話而展開。在錶盤的邊緣有一個裝置，類似攪拌機，作逆時針轉動。斯奈德教授解釋道：如果鐘錶是象徵性舞美元素的話，這個攪拌機裝置則是偏移性舞美的表徵。顯然，這部歌劇討論的是有關「生存與死亡」這樣的嚴肅話題，而攪拌機則是對日常生活的映射，提醒著人們，生存還是要依賴於衣食住行。它的存在與整部劇的基調格格不入，這就是所謂的偏移性舞美設計。
三、歌劇《唯聲遺留》賞析
芬蘭女作曲家凱婭·薩裡亞霍生於1952年，是斯奈德教授的摯友，二人經常在一起工作，作曲家每年的觀眾見面會也由斯奈德教授主持。斯奈德教授評價道，薩裡亞霍是一個才華橫溢且全面的藝術家，童年的經歷使她對藝術的感知非常敏銳，有著自己的審美趣味，但性格內向，不善言辭。薩裡亞霍目前已經創作了五部歌劇，《唯聲遺留》完成於2016年，於同年3月首演於荷蘭的阿姆斯特丹，是她最近的一部歌劇。
該劇的題材源自一個古老的日本傳說，故事梗概是：琴師Tsunemasa死於戰爭，巫師用Tsunemasa生前使用的樂器來召喚她的靈魂。全劇只有兩個角色，一個現實中的巫師（男中音）和一個幽靈（假聲男高音）。採用微型樂隊編制，包括1個弦樂四重奏組、1支長笛、1個打擊樂手、1件芬蘭的民間彈撥樂器和1個四聲部重唱，另使用電子音樂，對聲音進行延展、變形等處理，以豐滿音響厚度和層次，營造超自然的音響狀態。
該劇採用抽象性舞美設計，沒有使用任何舞臺布景和道具，只有一個投影帷幕。隨著劇情的進展，當幽靈被召喚出來，繞過帷幕與巫師對面凝望並身體接觸時，達到了該劇的高潮。人類世界與超自然世界緊密相連，其間的唯一通道就是音樂。此時的舞臺已分不清現實與虛幻，更進一步說，現實即虛幻，虛幻即現實，而天地間唯一遺留下來的只有音樂，這也是該劇的命題所在。
撰稿：趙曉辰
工作單位：海南大學音樂與舞蹈學院
攝影、攝像：方黃潔羽
編輯：魏雨薇 王程
審訂：錢仁平
1990年以來法國現代歌劇中的真實題材與超自然題材
斯奈德教授講座綜述之四
在前三場講座中，斯奈德教授系統地總結了1990年以來西方歌劇中的戲劇觀、美學觀和聲音技術，並通過案例分析，從敘事結構和舞美設計兩個方面對法國現代歌劇的新形式進行了講解。本場講座集中關注法國現代歌劇中的兩種最為重要的題材類型，真實題材和超自然題材，最後則聚焦瑞士作曲家麥可·賈雷爾（Michael Jarrell）的代表作《卡桑德拉》（Cassandre）進行分析。
一、法國現代歌劇中的真實題材
真實題材歌劇可進一步分為兩種題材類型，一是現在的真實，即現實；二是過去的真實，即史實。
現實題材歌劇案例分析1：作曲家雷吉斯·坎波（Régis Campo）創作於2014年的歌劇《西站臺》（Quai Ouest）。該劇改編自伯納德·科爾特斯的（Bernard Marie Koltès）戲劇，講述了一個逃犯為了躲避司法審判而亡命天涯，最終跑到一個破舊的火車站企圖自殺的故事。整部歌劇裡充斥著近乎真實的場景、爭鬥、犯罪和死亡。觀眾就像在看一部警匪片，當然它的敘事結構要複雜得多，即多維空間構建及多維音響對位。
現實題材歌劇案例分析2：同樣來自雷吉斯·坎波創作於2009年的歌劇《兩對雙胞胎姐妹》（Les Quatre Jumelles）。該劇故事發生在美國西北部的阿拉斯加，講述了一窮、一富兩對雙胞胎姐妹因貧富差距而爭搶，因吸毒而瘋狂的故事。該劇中的四個角色由兩個女中音和兩個假聲男高音擔任，藝術家有意地從形象和音色上將性別混淆。
史實題材歌劇案例分析1：法國作曲家布魯諾·曼託瓦尼（Bruno Mantovani）創作於2011年的歌劇《阿赫瑪託娃》（Akhmatova）。曼託瓦尼被譽為法國當代的天才作曲家，年僅36歲即擔任巴黎音樂學院院長一職，成為該校歷史上最年輕的院長。歌劇的女主人公安娜·阿赫瑪託娃是俄羅斯「白銀時代」的代表性詩人，她的詩歌因「無思想性」和包含某些「消沉因素」，遭到史達林蘇維埃政權的嚴厲批判。但是，迫於阿赫瑪託娃在文學界的國際影響力，史達林政府對她束手無策，只能以囚禁她的兒子作為挾制。曼託瓦尼的歌劇《阿赫瑪託娃》圍繞這一歷史題材展開，它承載著作曲家的如下思考：阿赫瑪託娃在史達林的極權下是如何思考的？該劇在布景、道具、服裝和人物造型等方面真實還原上世紀六、七十年代的蘇聯風格，就連女主角也選擇了在形象和氣質上與阿赫瑪託娃極為近似的匈牙利女高音歌唱家。
史實題材歌劇案例分析2：法國作曲家菲利普·休雷爾（Philippe Hurel）創作於2014年的歌劇《易碎的陷阱》（Les Pigeons d』argile，亦可翻譯為「粘土鴿」）。休雷爾常被理論界歸為第二代頻譜樂派，這個流派的作曲家普遍認為歌劇已經死亡，極少寫作歌劇，而休雷爾也曾宣稱，《易碎的陷阱》是他的第一部歌劇，也是最後一部。該劇故事基於1975年美國的報紙上刊登的一則新聞：兩個恐怖主義者綁架了億萬富翁的女兒，企圖獲得贖金並施捨給窮人們。隨著劇情的進展和人物的交流，富豪的女兒最終決定與罪犯為伍，共同欺騙自己的父親。劇中的舞臺裝置、服裝、道具都非常寫實，尤其使用了錄像投影，以營造多維空間結構。
二、法國現代歌劇中的超自然題材
超自然題材將非現實的元素引入現實之中，虛構了不存在的世界，使想像力得以實現。它本與現實無關，卻可以傳達一個時代的錯誤意識，甚至影響現實。因此在某些特定時代，超自然題材是被禁止的，因為它會使麻木的人們覺醒，對這個時代產生恐懼、焦慮、批判和反抗，更轉化為對未來的憧憬。
超自然題材是法國現代歌劇的重要題材類型，藝術家樂於通過其寓意來揭示真實背後的虛假。超自然題材可進一步分為三種類型：神話題材（Mythologie）、魔幻題材（Merveilleux）和幻想題材（Fantastique）。
神話題材往往會將古老文明中現實或非現實的人、動物或怪物神聖化，並固化其為永恆，成為人們世代崇拜的對象。很多國家、民族的神話，比如中國及其各地區的神話、地中海神話、希臘神話、羅馬神話、德國的尼伯龍根神話和斯堪地那維亞地區的北歐神話等，甚至已成為其文明的重要來源。
魔幻題材建造了充滿想像力的魔法仙境，那裡雖有超自然的生物和事物，但一切都是人們可以接受甚至渴望參與其中的，充滿著美妙的情緒。所以魔幻題材更傾向於童話範疇。從這種意義上講，現代科幻小說也屬於魔幻題材，正義總是可以戰勝邪惡，而英雄角色也會隨著考驗而成長、強大，人們會從中汲取正面的信息。
相較於神話和魔幻題材，幻想題材常會引起人們的震驚和恐慌。因為幻想事物抽象於現實，與現實緊密聯繫，其行為卻難以解釋，缺乏符合常理的邏輯依據。比如之前分析的凱婭·薩裡亞霍的歌劇《唯聲遺留》，當鬼魂繞過布景帷幕時，召喚鬼魂的巫師是恐懼的，而二者瞬間之後的相戀、相依，則會使觀眾因不解而驚慌失措。
超自然題材歌劇案例分析：法國女作曲家米歇爾·雷維迪（Michèle Reverdy）創作於2019年的歌劇《影子》（Ombres du Minotaure）。這是一部神話題材的現代歌劇，只有三個角色，樂隊編制很小，包括1支雙簧管、1支單簧管（兼低音單簧管）、1個打擊樂手，小提琴、中提琴和低音提琴各1把。該劇故事極具寓言意義，講述了一個迷宮建設者，堅守著「迷宮建設者終身不能離開迷宮」的誓約，在迷宮建造完成的那一天即等待著死亡的到來。他聰明的兒子嚮往自由，想出了逃離迷宮的方法，就是製造一雙翅膀，用燭蠟將羽毛粘在身上，飛出迷宮。臨別之日，父親諄諄叮囑，千萬不要飛得太高，那樣會因離太陽太近而使燭蠟融化，墜落身亡。但是，因飛離迷宮而得意忘形的兒子忘記了父親的叮囑，他太興奮了，越飛越高..故事的最後，太陽灼化了他身上的燭蠟，羽毛紛紛散去，他掉落海中，生死未卜。
相比於現實題材歌劇，超自然題材歌劇更能激發歌劇在聲音和畫面上的進步，乃至革新。聲音方面，此類題材歌劇中大量使用非常規的人聲編制、樂隊編制和電子音樂技術等，同時也對歌劇院的音響環境，甚至是空間結構提出了新的要求。畫面方面，一種新的成像技術正逐漸普及於法國現代歌劇，尤其是超自然題材歌劇中，即映射成像（Mapping Video）技術。這種技術可以造成視覺影像的扭曲、變形、擴張、壓縮、消失、重建等，在影像塑造方面有著近乎無限的可能性。
三、麥可·賈雷爾歌劇《卡桑德拉》分析
《卡桑德拉》（Cassandre）創作於1994年，是瑞士作曲家麥可·賈雷爾的第一部歌劇。卡桑德拉原是希臘神話中的一個有權力的女性，在她還是孩童時，上帝將手卡住她的喉嚨，使她擁有了預知未來的能力。德國作家克裡斯特拉·沃爾夫（Christra Wolf）改寫了這個神話。在沃爾夫的版本裡，卡桑德拉成為皇帝的女兒，而且在所有公主中最受皇帝的寵愛。皇帝帶著她週遊世界，沿途她便聽到了父親和政客們的談話。憑藉預知未來的能力，卡桑德拉也逐漸加入談話，政客們因為她無懈可擊的預測而感到驚慌、憤怒，揚言她並沒有得到上帝的祝福，她的言論完全是胡說八道。卡桑德拉最終在這樣的詆毀中被殺害。歌劇《卡桑德拉》使用了沃爾夫的故事版本，顯然這更符合現代社會的審美傾向，是對希臘神話的現代詮釋。
該劇只有一個角色，即卡桑德拉，樂隊由17名管弦樂手和電子音樂組成，作為1994年的歌劇作品，這並不罕見。但該劇卻對歌劇的體裁和定性提出了新的挑戰，即全劇只有獨白，沒有歌唱。溫德青教授在此提問：這是歌劇，還是配樂話劇，亦或音樂戲劇？斯奈德教授借用了作曲家本人的觀點：這部劇深受勳伯格的《期待》和普朗克的《人類的聲音》影響，但是這兩部作品都有些許歌唱成分，而《卡桑德拉》則將這種形式推進至極端，已經到達、甚至超出歌劇的性質邊緣。如果一定要定性的話，斯奈德教授認為它是一部獨角戲。
四、結語
在講座即將結束之際，斯奈德教授再次重申了「法國現代歌劇」的界定（相關內容可參考前序講座綜述中的相關內容），指出：法國現代歌劇所傳達和討論的問題是嚴肅而深刻的，比如家庭問題、同性戀、種族主義、極權主義和戰爭等，這是它的社會功能。所以法國歌劇是「政治的藝術」，代表著政治，服務於政治，受政府的寵愛和資助，這種傳統從路易·十四時代延續至今。目前，資助現代歌劇依然是法國文化部的最大開支，使其依然可以保持大城市的歌劇院每年至少製作一部新作。然而，法國現代歌劇所面臨的一個不容忽視的問題就是其與大眾之間存在一條裂痕（溫德青教授補充道：不是裂痕，而是鴻溝）。據統計，每部現代歌劇的復演率只有2-3場，按每場觀眾2000人計，每部歌劇只有不到1萬人的受眾。法國現代歌劇因其自身的嚴肅性、先鋒性、抽象性和複雜性令大眾望而卻步。解決這一問題的重要途徑之一就是教育，即通過教育啟迪大眾，並提升大眾對現代歌劇的欣賞和理解能力。
溫德青教授補充總結：法國是現當代藝術的中心，引領著歌劇藝術發展的新方向。我們與歐美處於同一個時代，應該積極吸收他們在歌劇領域中的優秀經驗，國內同行們更應籍此而積極思考歌劇「怎麼寫」「寫什麼」，包括法國歌劇的宣傳方式，都值得我們借鑑。現代歌劇和大眾之間的鴻溝需要教育來彌補，「星星之火可以燎原」，相信我們班的學員就是「星星之火」。
最後，項目負責人錢仁平教授對斯奈德教授舉辦的兩天、四場、共計12個小時的系列講座作出兩點引申性總結。
首先，歌劇藝術在發展過程中所遇到的種種問題，包括歌劇創作的導向問題，現代歌劇與大眾的關係問題，歌劇普及薄弱的問題，等等，不僅與歌劇的創作、製作和宣傳有關，學術研究的不全面、不深入、不系統，理論評論人才的匱乏，更是其中的重要內因。解決上述問題也是《歌劇理論評論人才項目》立項之初衷。從這個層面講，本項目學員肩負著歷史使命，相信通過本項目的培養，通過國內乃至世界歌劇領域中如斯奈德教授這樣的知名專家的授課，學員們會更加堅定這種使命感，並大大提升踐行使命的能力。
第二，上海音樂學院與法國的音樂藝術交流是有傳統和傳承的，冼星海、丁善德、許舒亞、溫德青等，幾代上海音樂學院的音樂家、教授都有過留法經歷。斯奈德教授的本次系列講座，為當代中法音樂藝術交流史，留下了濃墨重彩的一筆，並有益於「文化自覺」「文明互鑑」和「文化自信」理念和實踐。再次感謝斯奈德教授的分享和溫德青教授的友情支持和現場翻譯！
撰稿：趙曉辰
工作單位：海南大學音樂與舞蹈學院
攝影、攝像：方黃潔羽
編輯：唐榮 秦陽
審訂：錢仁平
主辦：上海音樂學院
承辦：上海音樂學院科研處
中國當代音樂研究與發展中心
2019年7月19日
參考文獻：
L』opéra français contemporain depuis 1990
Professeur : Corinne Schneider
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Ferrari, Giordano, « Hyperion, les chemins du poète », dans dans A Bruno Maderna, dir. L. Feneyrou, G. Mathon et G. Ferrari, CNRS Paris I, Éditions du Basalte, vol. I, Paris, 2007, pp. 89-122.
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Vinay, Gianfranco, Immagini parole suoni silenzi. Drammaturgia delle opere vocali e teatrali di Salvatore Sciarrino, Rome, Ricordi-Accademia di Santa Cecilia, en cour de publication.
Weill, Kurt, De Berlin à Broadway, trad. ét éd. Pascal Huynh, Paris, Plume, 1993
Zoppelli, Luca, L』opera come racconto, Venise, Marsilio, 1994, 160 pages.
Livres du D.M.C.E. (Dramaturgie Musicale Contemporaine en Europe) :
1) L』Opéra Eclaté. La dramaturgie musicale entre 1969 et 1984, Giordano Ferrari (dir.), Paris, L'Harmattan, collection ARTS 8 (DMCE 1), 2006, 240 pages.
Articles de : Carmelo Agnello, Roberto Barbanti, Pierre Albert Castanet, Cyrille Delhaye, Laurent Feneyrou, Sotiris Fotopoulos, Martin Laliberté, Luigi Manzione, Evan Rothstein, Anne Sedès, Peter Szendy, Stéphanette Vendeville, Gianfranco Vinay, Claudia Vincis.
2) La Musique et la scène. L』écriture musicale et son expression scénique au XX siècle, Paris, L'Harmattan, collection ARTS 8 (DMCE 2), 2007, 208pages.
Articles de : Angela Ida De Benedictis, Bruno Bossis, Pascal Decroupet, Bjorn, Heile, Crista Mittelsteiner, Max Noubel, Jean-Paul Olive, David Osmond-Smith, Dörthe Schmidt, Nicholas Till, Jean-François Trubert.
3) La Parole sur scène. Voix, texte, signifié, Paris, L'Harmattan, collection ARTS 8 (DMCE 3), 2008, 220 pages.
Articles de : Esteban Buch, Danielle Cohen-Lévinas, Jonathan Cross, Michel Deutsch, Anastasia Georgaki, Paula Gomes Ribeiro, Martin Kaltenecker, Geneviève Mathon, Ulrich Mosch, Carmen Pardo, Makis Solomos, Daniela Tortora.
4) Pour une scène actuelle, Paris, L'Harmattan, collection ARTS 8 (DMCE 4), 2009, 246 pages.
Articles de : Haydée Chabagi, Stefano Gervasoni, Grazia Giacco, Antoine Gindt, Susanne Kogler, Denis Laborde, Maire laviéville, Stéphane Malfettes, Fortunato Ortombina, François Polloli, Stephanie Schwarz, Ivanka Stoianova, Nicholas Till.
Revues ou numéros de revues consacrées à l』opéra ou au théâtre musical :
Par ordre chronologique de publication:
« Opéra », Contrechamps 4, Lausanne, L'Âge d'homme, 1985.
« Texte : Musique », Les Cahiers de l'IRCAM, n° 6, 1994, 183 pages.
« Dramaturgie et écriture musicale dans l』opéra contemporain (1ere partie) », Analyse musicale 45, 2002.
« Dramaturgie et écriture musicale dans l』opéra contemporain (2ere partie) », Analyse musicale 46, 2003.
« L』Opéra contemporain : mutations et interférences », doce notas, preliminaires n° 14, 2005, 159 pages.
Tous les numéro de Théâtre & Musique (1-8), Revue publiée par le T&M avec le soutien de la Sacem.
Esthétique :
Adorno, Théodor Wiesengrund, Alban Berg, le maître de la transition infime, Paris, NRF Gallimard, 1989.
Adorno, Théodor Wiesengrund, Dialectique négative, Payot, 2001.
Adorno, Théodor Wiesengrund, Essai sur Wagner, Paris, Gallimard, 1966.
Adorno, Théodor Wiesengrund, « Opéra », traduit de l'allemand par V. Barras, et C. Russi, dans Contrechamps, 4, 1985, p. 6-17. Paru la première fois sous le titre « Oper » dans Einleitung in die Musiksoziologie : Zwölf theoretische Vorlesungen, Frankfurt am Main, Suhrkamp, 1962.
Adorno Théodor Wiesengrund, Philosophie de la musique nouvelle, traduit par H.
Hildebrand et A. Lindenberg, Paris, Gallimard, 1962. Première édition parue sous le titre Philosophie der neuen Musik, Frankfurt, Europäische Verlagstanstalt, 1959. Dans la traduction italienne de G. Manzoni (Turin, Einaudi), on cite comme première édition, parue sous le même titre, Tübingen, J.C.B. Mohr, 1949.
Adorno, Théodor Wiesengrund « Problèmes du théâtre lyrique contemporain », dans Musique en jeu 14, 1974, pp. 65-72. Article paru dans le Neuen Deutschen Heften, 1956-57.
Adorno, Théodor Wiesengrund, Quasi una fantasia, traduit J.L. Leleuavec la collaboration de O. Hansen Love et P. Joubert, Paris, Gallimard, 1982. Première édition Frankfurt, am Main, Suhrkamp Verlag, 1963.
Barthes, Roland, Écrits sur le théâtre, J-L Rivière (dir.), Paris, Seuil, « Points Essais », 2002, 358 pages.
Barthes, Roland, « Les fantômes de l'Opéra », dans Le grain de la voix (entretiens 1962-1980), Paris, Seuil, 1981, pp. 175-178.
Barthes, Roland, « Le grain de la voix », dans Musique en jeu 9, 1972, pp. 57-63.
Barthes, Roland, Kayser Wolfgang, Booth Wayne et Hamon Philippe, Poétique du récit, Paris, Seuil, « Points Essais », 1977, 180 pages.
Benjamin, Walter, Œuvres, Paris, Gallimard, « Folio essais », 2000, 3 tomes.
Bortolotto, Mario, Fase seconda, Turin, Einaudi, 1969.
Boulez, Pierre, Penser la musique aujourd'hui, Mayence, Denoël/Gonthier, 1963.
Boulez, Pierre, Relevés d'apprenti, Pairs, Seuil, 1966.
Boulez, Pierre, Par volonté et par hasard, entretiens avec Célestin Deliège, Paris, Seuil 1975.
Boulez, Pierre, Points de repère, Paris, Bourgois, 1981.
Boulez, Pierre, « Sprengt die Opernhäuser in die Luft », dans Der Spiegel, n° 40, 1967.
Bosseur, Jean-Yves et Dominique, Révolutions musicales, Minerve, « musique ouverte », 1999, 285 pages.
Dalhaus, Carl, Essais sur la Nouvelle Musique, tr. fr. par Hans Hildenbrand, Genève, Contrechamps, 2004, 241 pages.
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Eco, Umberto, L'œuvre ouverte, version française traduite de l'italien par A. Boucourechliev et Ch. Roux., Paris, Seuil, 1965, p. 24. Première édition parue sous le titre Opera aperta, Milan, Bompiani, 1962.
Evangelisti, Franco, Dal silenzio a un nuovo mondo sonoro, Roma, Semar, 1991. Paru pour la première fois en langue allemande dans Musik-Konzepte, 43-44, 1985.
Gentilucci, Armando, Oltre l'avanguardia. Un invito al molteplice, Milan, Ricordi /Unicopli, « Le Sfere » 16, 1991. Première édition, Fiesole (Florence), Discanto, 1979.
Lyotard, Jean-François, La condition postmoderne, Paris, Minuit, 1979.
Lyotard, Jean-François, Moralités post-modernes, Galilée, 1993.
Olive, Jean Paul (dir.), Expérience et fragment dans l』esthétique musicale d』Adorno, Paris, L』Harmattan, « ARTS 8 », 2005, 308 pages.
Olive, Jean Paul, Un son désenchanté, Paris, Klincksieck, 2008, 382 pages.
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Vattimo, Gianni, La fin de la modernité, Paris, Seuil, 1987.
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