梁玥 20140706
時間：2014.07.07 - 08.30
地點：箭廠空間（國子監附近，箭廠胡同38號）
炎夏之際，箭廠空間迎來了上海藝術家梁玥的最新錄像裝置作品－「20140706」。梁玥在作品中延續了她那獨具特色的抒情風格，將周圍的環境作為一個背景，捕捉了一天不同時間段內這個城市的角落裡所發生的某些場景。作品記錄下了夏季北京慵懶的節奏，微妙地體現出時間的緩慢流動。固定機位拍攝下的大多是一些靜謐的時刻，在看起來毫不起眼的人與物上尋找著觸動：公園裡的人，十字路口的車，溜達的旅遊者。一臺家用風扇在電視機旁從左到右地不停轉動－在這裡成為了一個臨時的「節拍器」，使錄像在此也可以被視為是為了午夜失眠者所播放的。
梁玥（1979年生於上海）畢業於上海大學美術學院。她那些氣氛朦朧的敘述性錄像作品通常是在探索日常生活中的時間及美感。近期的展覽包括「諸多」，梁玥個展，上海（2011）；前進亞洲：錄像藝術的終結，西班牙巴塞隆納 （2011）；；海上姐姐，美國舊金山藝術委員會畫廊 (2010)；中國發電站-第三站，Pinacoteca Agnelli，義大利 都靈 (2010)，瑞士伯爾尼美術館的Shanghai Kino(2009)。
中間微型美術館聲音裝置《耶利哥城之口》
開幕時間：7月5日下午5:00—6:00
展覽地點：中間藝術園區 中間劇場入口臺階處
展出時間：僅每周六下午5:00—6:00
藝術總監：周翊
建築師兼策劃：曾慶豪（Thomas Tsang)
藝術家／表演：上野掯（Ken Ueno)
【耶利哥城之口】
周翊
中間美術館藝術總監
作曲家上野掯（Ken Ueno)是美國生美國長的日裔美國公民。雖然生活在移民國家，但美國的亞裔公民通常會被刨根問底地詢問到底是哪裡人，常常是得知生在美國也還會繼續追問父母祖輩在哪裡，從而讓被詢問的對象產生由於外貌不同而無論如何不被主流社會接受的困擾。上野掯早年想通過為國家服役以證明自己的社會身份。年輕的上野掯考入西點軍校，理想是做一名將軍和從政。一次嚴重的事故讓他的理想破滅。在人生的轉折點他從吉米亨綴克斯（Jimi Hendrix）的搖滾樂中獲得啟發，並開始自學音樂，從尋求外部社會的認同轉而關注自己的內心世界。
歷史上的作曲家都同時是精通某一樂器的演奏家，上野掯所鍾情的形式是吟唱。他的吟唱並非我們熟悉的歌曲的形式，而是將身體作為樂器的無曲調的即興。他的吟唱極致地個人化和前衛同時也非常「遠古」，具有未開化的美麗。上野掯擅長即興的技法包括：泛音、多聲（複合音）、重金屬超低音、循環發聲、呼麥、超高或者超低音階的吟唱。歐洲前衛器樂技法，日本音樂都對他的音樂產生過影響。上野掯將被忽視的，超出想像的，意識之外的聲音帶入感知的邊界，拓展聽覺經驗，挑戰習慣對美的認識。
上野掯高度個人化的吟唱方式源於個人經歷。晚年患老年痴呆的祖父張嘴出聲但說不出話的樣子給他深刻印象。祖父的囈語家人雖然也聽不懂但仍然會極力分辨，努力聽出意義。上野掯開始意識到在努力分辨時，聲音之具體並不附著於定義，在意義與無意義的模糊地帶，取決於聽眾的意願，聲音有更大的表達空間。導演兼演員理察艾登勃爾（Richard Attenborough）曾說人聲所能發出的豐富性要超過語言所涵蓋的範圍，緣此我們人類幼年在不會歌唱之前也要「歌唱」。上野掯受到啟發在他的吟唱中放棄詞語更自由地使用聲音，嘗試延續語言出現之前的初始表達。沒有歌詞與曲調的吟唱就像是一種抽象的藝術，而上野掯的「抽象」追求的是比曲調與旋律更直接和具體的含義。
在中間微型美術館，上野掯用吟唱方式介入一個為聲音而設計的牆內建築，室內四米高，一米六寬，九米長，一個擁有門、窗、天窗和聲音出口，共四個開口的狹窄空間—— 一間世界最小的美術館，一件世界最大的樂器。上野掯的實驗將自己置於這一特定的共鳴腔（空間）當中發聲、聆聽、即興，仿佛在樂器內部演奏，或從內部操縱一個龐大而沉重的身體。由於上野掯的吟唱將自己的身體作樂器用，建築體也就由設計意圖的「樂器」成為他的「身體」。藉助重金屬式的摧毀性音量，超低音人聲與水泥外牆的共振，上野掯實現了聲音附體於建築。建築成為他意志的載體，以至於觀者在凝視的恍惚間產生那厚重的水泥外牆在呼吸的錯覺。
「新浪潮」與「光線流」 燈光裝置藝術
「新浪潮」與「光線流」
燈光裝置藝術
2014年6月15日至2014年8月17日, 晚8點至晚11點
@ THE TEMPLE HOTEL 東景緣
藝術家: NATHALIE JUNOD PONSARD 娜塔麗·朱諾·蓬颯
2014中法文化之春 Festival Croisements - Nouveaux médias / 新媒體 / New Media
新浪潮
2014，池塘邊牆上的燈光裝置展
牆體是這一正面垂直移動作品的載體，光源移動，停留，消失，在更遠處重現，它一直在那裡卻又不穩定，在設計好的路線中逐漸模糊。
光束打出，節奏形式變化多端，這一燈光作品在空間-時間中前進變化。
就像沿著牆體邊緣前進的光線流，光線水平侵入牆壁。發射出的強烈的光線似乎吸收了牆壁，光線點亮全場，同時投放在牆體屏幕上，最初是單色的，光線的流動性使場地成為透明。而就如這亮度是靈活可變一般它改變著顏色創造著各種互相交匯的光束。引起催眠現象，模糊光線的「情境」通過等值的彩色光帶形成，光帶根據不規則的節奏減弱和重現。這些感官線條進行排列和調動，它們在擴散。
每一時刻對於光面的新組合都是有利的，就如時間的間隙流動加強了我們催眠的境況。 閃爍和強烈的光線為我們帶來了變換不定的間隙和場地的畫面定格。
光線流
2014，寺廟圍牆上的燈光裝置展
場地空間的延續性，使這一燈光作品似乎被分成兩個，這裡她使用了圍牆，但仍然與「新浪潮」有關，帶來了作品的連續性。
作品提供的視覺感受亦有不同：一個空隙，陰影被展現在兩束光線之間，它們緩慢卻持續的在牆壁上移動，互相吸引卻又分開，展現了不穩定性。
空間——或牆壁——本身是不隨時間變化的。
新的視覺和光線圖在這兩塊被照亮且運動的牆面上重新創造了空間。
「幻境Dream Apprarition」施維庚 孫鵬雙人展
時間：2014年8月3日-23日
地點：北京美沃傳媒畫廊
地址：北京市東城區香河園路1號院北區當代MOMA10號樓101-103
在施維庚最近的作品中，稀鬆平常的日常生活場景（比如地鐵月臺上等待的人）卻讓人覺得出人意料。我們在庸常的日子裡隨意撞見的男人躲藏在合金眼鏡下顯得出奇地詭異。眼鏡底下藏著些什麼？漠然、敵意或是簡單的空虛？許多問題沒有答案，這更使人悵然若失。就如做夢來到一個不熟悉的地方被一群莫名的人群圍繞。
這個夏天我們愛影像
時間：2014.07.26– 2014.09.04
地點：佩斯北京 798創意廣場
參展藝術家：
皮亞•墨沃爾德（Pia Myrvold）
白雙全（Pak Sheung Chuen）
亞當•潘德爾頓（Adam Pendleton)
邱黯雄（Qiu Anxiong）
米歇•魯芙娜（Michal Rovner）
沈瑞筠（Shen Ruijun）
宋冬（Song Dong）
teamLab
曾御欽（Tseng Yu-Chin）
崔廣宇（Tsui Kuang-Yu）
比爾•維奧拉（Bill Viola）
黃榮法（Morgan Wong）
袁廣鳴（Yuan Goang-Ming）
這是佩斯北京將全部展覽空間開放給錄像/影像藝術的首度嘗試。展覽在最大範圍內吸納多元性的錄像/影像創作：錄像藝術的先驅比爾•維奧拉（Bill Viola）在作品《顯靈》（Visitation）中堅持了一貫的主題，用影像的流動及明滅展現生死交匯以及循環往復的變形過程。宋冬作為中國錄像藝術的先行者，在他的五頻錄像《我不明白》中，以純化和近於抽象的影像語言捕捉物與時間的變易。
來自臺灣的錄像藝術家袁廣鳴在他多年的創作生涯中亦致力於對影像本體的捕捉，將影像視作某種未被語言捕獲的未知，其作品將佔據300平米的獨立空間，通過影像之流的帶動，讓觀眾此時此地的經驗發生潛在的變異和新生。而曾御欽則以他極具辨識性的影像語言來逼迫敘述與溝通的邊界，以身體及感官來探知個體在世界中的存在。
另一方面，以動畫做為藝術語言的邱黯雄，在他的新作《蛋糕》中用造型性與物質感極強的綜合語言來冷靜描述一場殘酷而充滿多義性的角力。而年輕的策展人和藝術家沈瑞筠則以平靜簡練的方式機智地重新探討作為平面的繪畫和作為過程的繪畫的界限。
更為自由的是白雙全的《呼吸一間屋的空氣》，藝術家記錄了他釜山賃屋而居時，用透明塑膠袋收集自己的呼吸的經過。而個人生命的細微體驗也以這種特殊的方式同房屋的空間發生了新的連接，日常的呼吸過程也隨著刻意地強調與剝離，打開了另一個感知和接納生命的通道。
2014年度「青年藝術100」北京啟動展
2014年8月16—8月18日公眾開放日
10:00——17:00（全天）
公眾開放日需要現場買票
地點1：北京全國農業展覽館1號館（面積3000平米，展示全部參展藝術家的作品）
門票價格：50元
購票渠道：現場購票處
地點2：聖之空間（位於798藝術區，面積1200平米，展示韓國及義大利拉古納藝術大獎的作品）
免費入場
主題展覽
2014年度「青年藝術100」主體展的百位藝術家，參展作品已經全部確定，共計參展作品380餘件。
「不同凡響」十人微個展
本屆「青年藝術100」由萊維國際集團特別支持，針對往屆參展「青年藝術100」評選出十位藝術家，推出新項目「不同凡響」十人微個展計劃，最終將呈現給公眾與眾不同的十個「藝術盒子」。
韓國當代青年藝術家十人邀請展
本屆「青年藝術100」韓國當代青年藝術家十人邀請展的參展藝術家和參展作品已全部確定，並且將在798藝術區聖之空間舉辦關於韓國與義大利兩個國外特別展的相關講座，在現場進行中韓策展人的對話，邀請中央美術學院學術部主任王春辰和韓國OCI美術館策劃部主管崔正周，講述中韓青年藝術創作的現狀。
「義大利拉古納藝術獎」10人影像展
本屆「青年藝術100」與「義大利拉古納藝術獎」合作，將在本屆啟動展特別推出的10名獲獎影像藝術家們的展覽。本屆「青年藝術100」，義大利拉古納藝術大獎推薦的十位參展藝術家分別來自亞、非、拉、歐各個大洲的不同國家，也將有歐洲藝術家專程來北京參加展覽活動，同期還將推出的關於影像藝術的專題講座。
在展覽期間將同期在農展館與798聖之空間，推出十餘場關於中國當代藝術的講座、沙龍等活動，邀請國內外知名的策展人、美術館館長、批評家、藝術家、市場專家等，從不同的角度解讀中國當代藝術的發展趨勢，探討青年藝術家未來的生長環境。
LINK：林科個展
藝術家：林科
時間：2014年07月26日-08月31日
地點：楊畫廊
地址：北京市朝陽區酒仙橋路2號798藝術區創意廣場東側20庫
在網絡世界裡我們總是自己的主角，我們導演著自我在裡面穿梭，試圖在裡面尋找到有別於平常生活的奇遇。事實上，在他者看來，我們只是釘在座椅上的皮囊，座椅成為我們的王座，也成為我們類似於佛家蓮花落般的寶座。當然，這是一種浪漫性的幻想，可能事實比這殘酷地多，但在殘酷當中我們仍能享受到網絡給我們帶來的種種樂趣。
在這種自我封閉與自我探索的宇宙中，時間與空間都發生了扭曲，敘事與謊言同時成為了我們的座上賓。而林科的作品意圖在這些微弱的縫隙裡揭露出我們存在的實體命運。
那些看似無聊的拖拽與複雜粘貼、放大縮小等習慣性語言當中，藝術家發現到了生命欲望的真實面貌，林科以一種戲虐而幽默的口吻敘述著自我存在的經驗，而這些經驗並不是以一種固定不變的形態存在，而是隨著時間的流轉而逐漸地在變換他的面貌，所以藝術家儘可能地利用時間所造成的壓迫感來強調生命所承受的壓迫。
這裡，三維世界的肉體坍塌為二元世界的符號，在這種坍塌當中，人是不知不覺地構成了一種對幻象和快感的依賴，而這種依賴也是人性所不能避免的東西。如此看來，林科的作品雖然看上去輕鬆幽默，骨子裡卻還是帶著一種悲劇化的敘事情結的。這種敘事情結映照在今天逐漸呈蜂窩狀封閉的都市結構裡面是特別具有詩意的，當人類越離了自然，遠離了對肉身經驗的探尋，在這種二手經驗泛濫的世界裡面，我們又尋回到了久違的伊甸園，是這樣嗎？
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