藝術追求的是什麼，不是迎合，而是真實的自己，我知故我在！
這部今年奧斯卡最佳外語片提名影片，將視角對準二戰及之後的德國，用濃濃的人文關懷，講述了一段戰後創傷群體自我修復、對自由不斷追求的光輝歷程。
不同於好萊塢傳統的創作風格，歐洲電影更喜歡把筆墨用在對人物個性的塑造和精神世界的創建。
這裡，沒有極端的個人英雄主義、沒有肆意的戲劇衝突和感天動地的愛情，在將一切的表面繁華和商業元素摒棄之後，留下的是被歲月沉澱後的思考和耐人尋味的留白。
故事由三部分組成，通過主角庫爾特的經歷串聯起橫跨近三十年的風雲變幻。
從戰火紛飛的沙場、暗無天日的集中營，到蘇聯控制後對東德的強權統治、精神締固，直至偷渡西德後對藝術本身的反思和自我世界觀的重新構建。
影片用冷靜的鏡頭語言、前後呼應的細節鋪墊，讓劇中人物隨著大環境一起歷練、一起成長、一起蛻變。
不要把你的視線移開
這是姑媽伊莉莎白一直對庫爾特講的一句話。
這位美麗而富有天賦的女人生錯了時代，在那個被納粹份子把持的狂熱歲月，像她這種特立獨行的女人只會被當成異類，註定了悲劇的命運。
「不要把你的視線移開」，是想告訴侄子用心去觀察這個世界，記住它的美麗，這樣畫出的東西才有靈魂。
可惜的是，最後被庫爾特記住的只有姑媽離去時的悲痛身影。
當伊莉莎白倒在毒氣室時，她的兄弟們正倒在戰場上，不管長眠在何處，兩者死的姿態並沒有什麼區別。
對於死亡，眾生皆平等。
然而，這場悲劇的源頭又讓一切顯得如此的荒謬，因為個人的欲望，就讓一個個年輕、鮮活的生命在美好的年華逝去。
最後，戰爭的輸贏還重要嗎？
這只是繪畫，不是藝術
被蘇軍佔領的東德，強權統治禁錮了人們的行動和自由，在那裡，不需要有思想的人，只需要會做事的機器。
繪畫也變成了用來裝裱政治的工具，但對於真正有追求的藝術家而言，這無異於將他們的靈魂扼殺。
藝術不應該只是簡單對現實的鏡像，它來源於生活，但又要高於生活。
藝術能夠長期流傳下來，靠的不是墨守成規，而是不斷的探索和發掘，才讓它始終充滿活力。
庫爾特是擁有真正天賦之人，他的姑媽沒有看錯。
但是天生對個性的追求讓他無法在僵化的體制內生存，後果是只會消磨他的靈氣，他應該像一隻翱翔於天空的老鷹一樣，廣闊無垠的藍天才是他馳騁的舞臺。
無主之作
逃離東德，來到夢想中的自由世界，終於可以呼吸到新鮮的空氣，本以為藝術也會像流水一樣，找到自己的歸宿。
然而，無限天空儘管會有更多可以展翅的空間，但也有可能因為空曠而迷失自己，找不到方向。
當光與影在偶然重疊後，庫爾特才發現與眾不同不需要用另類去展現。
所謂的無主之作，應該從既有流派裡面摳離出自我的東西，用最真實的表達來反應現實，也唯有真實才能成為最和諧的音符。
三段故事，一條成長線，構建出影片的主題。
如果說少年時代是這個故事的種子，求學經歷是這個故事的花朵，那麼無主之作就是這個故事的果實。
經歷了歲月的打磨，時光的淬鍊，藝術才散發出它閃閃發光的魅力。
除了對藝術追逐這條明線外，影片還輔以另外一條隱線——納粹後遺症的影響。
不管是德國人、還是世界上其他的普通老百姓，納粹文化和它帶來的人性泯滅是一段永遠也無法揭開的傷疤。
影片最具代表性的人物是醫生西班德教授，這個極端民粹主義者間接害死了伊莉莎白，因為他們執著的認為:
日耳曼民族是世界上最優秀的民族，所有可能影響民族基因的元素都應該像垃圾一樣毫不猶豫的被剷除。
當知道自己女兒和庫爾特相戀後，這個狂熱的納粹分子甚至做出了親自給女兒墮胎的舉動，為了追求自己所謂的理想和信念，寧願扼殺女兒的血脈，納粹的遺毒在戰爭結束後依然侵蝕著這個群體。
影片在後半段讓兩條線索進行交叉，將藝術和對納粹的控訴進行融合，呈現出一種強烈對比後帶來的震撼美感。
當透過線條勾勒出的世界，施暴者和被害人在同一個平面中相遇，像無聲的控訴，直搗人靈魂的深處。
這正是影片的高明之處，於小處見真章，通過一個個情感點的鋪墊，最後匯聚成浩瀚的海洋，看似舉重若輕，實則深不可測。
影片最讓人無法忘懷的，還是對自我的執著追求，因為有著這種信念，所以庫爾特才會在任何困難和險境面前百折不撓，越挫越勇。
「生活給了我黑色的眼睛，我卻用它來尋找光明」。
所有的傷痛、離別，日後都將成為藝術創作的源泉，生活不會因為你的不幸而為你網開一面，唯有秉持初心，才能到達彼岸。
為了達到最大的情感共鳴，影片拋棄了任何超現實或者太過個性的表現方式，鏡頭語言也偏傳統和保守，和前衛風格比較起來，這種中規中矩的敘事，卻更能凸顯影片的年代感和厚重感。
對於一部有著強烈思想表達的影片，任何炫技的成分都會讓影片失去原始的質樸，而變得太過功利和討巧。
電影在最後用公交車的橋段向姑媽致敬，那一刻，兩顆心跨越時間交融。
經過幾十年的時光流轉，世事更替後，藝術卻依舊連綿不絕、生生不息。